Великие Художники

Великие Художники
Выполнила: Бучок Валерия
10 класс.
План:
• 1)Исаак Ильич Левитан
Пейзаж настроения
Россия Левитана
Левитан и Чехов
• 2)Михаил Александрович Врубель
Год учения
Киевский период
Абрамцевский период
Тема Демона
Поздний период
Исаак Ильич Левитан
• ЛЕВИТАН Исаак Ильич [18 (30) августа 1860, Кибарты, ныне Кибартай
(Литва) — 22 июля (4 августа) 1900, Москва], русский художник.
Крупнейший мастер русского пейзажа конца 19 в., заложивший в этом
жанре принципы символизма и модерна.
• Сын железнодорожного служащего. В нач. 1870-х гг. семья Левитана
переехала в Москву. В 1873-85 будущий мастер учился в Московском
училище живописи, ваяния и зодчества, где наибольшее влияние на
него оказали В. Д. Поленов и А. К. Саврасов. В очерке Левитана «По
поводу смерти А. К. Саврасова» (1897) сформулировано его
собственное творческое кредо, то есть отказ от отношения к пейзажу
«как к красивому сочетанию линий и предметов» — с целью
изображать «уже не исключительно красивые места», но «те
интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так
сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо
действуют на душу».
Пейзаж настроения
•
Жил преимущественно в Москве. Работал также в Останкине (1880-83), в различных местах Московской и Тверской губерний; в Крыму
(1886, 1899), на Волге (1887-90), в Италии, Франции, Швейцарии и Финляндии (1890-е гг.). Художник преодолел условности классицистско-
романтического пейзажа, отчасти сохранившиеся и у передвижников. Левитановский «пейзаж настроения», при всей его удивительной
натурной достоверности (мастер обычно бережно сохранял исходный мотив, лишь внося в него отдельные коррективы), обрел
беспрецедентную психологическую насыщенность, выражая жизнь человеческой души, что вглядывается в природу как средоточие
неизъяснимых тайн бытия, которые здесь видны, но невыразимы словами. Важную роль в творчестве художника играют музыкальные,
поэтические, философские ассоциации (любимым его учением был пессимизм А. Шопенгауэра), а также его собственная личность —
чувственная, влюбчивая, в то же время склонная к приступам черной меланхолии, остро переживающая и собственное нездоровье (он
страдал врожденным пороком сердца), и весь драматизм положения евреев в царской России. Поэтому, восприняв новации
импрессионизма, он никогда не отдавался чистой, радостной игре света и цвета, пребывая в кругу своих образов, овеянных мировой
тоской.
Россия Левитана.
Уже ранние работы художника порой напоминают маленькие лирические новеллы с открытым концом («Осенний день. Сокольники», 1879).
•Полного расцвета искусство Левитана как мастера пейзажа-картины, умеющего превратить простой мотив в архетипический образ России, достигает в
«Березовой роще» (1885-89). Та же сила ненавязчивого обобщения возвышает произведения «волжского периода» («Вечер на Волге», 1888; «Вечер.
Золотой Плес», 1889; «После дождя. Плес», 1889; а также тематически примыкающая к ним картина «Свежий ветер. Волга», 1891-95; все — Третьяковская
галерея). Поэтические реминисценции ненавязчиво, без всякой литературщины, придают многим образам — напр., картине «У омута» (1892, там же),
написанной в основном в имении Берново (ныне Тверская область), связанном с поэмой А. С. Пушкина «Русалка», — особую одухотворенность.
Левитан создает классические, непревзойденные образцы «церковного пейзажа», где здания храмов вносят в природу умиротворение («Вечерний звон»,
1892, Третьяковская галерея) или, напротив, тревогу, напоминая о бренности всего земного («Над вечным покоем», 1893-94, там же). Гражданская скорбь
сочетается с религиозной в картине Владимирка» (1892, там же), где на дороге, по которой гнали арестантов в Сибирь, видна лишь (в характерной для
мастера манере сводить реальное человеческое присутствие к минимуму, либо вообще к нулю) одинокая фигурка странника близ придорожной иконки.
•
Жизнеутверждающее обаяние красок в полотнах «Март» (1895, там же) или «Весна
— большая вода» (1897, там же) достигает апогея в предельно яркой и звучной
картине «Золотая осень» (1895, там же). В последние годы жизни мастер отбирает
все более простые мотивы, придавая им — лишь с помощью колорита, без всяких
фантазий — подобие будничного чуда. Теперь его особенно влекут мотивы вечера
(«Летний вечер», 1900, там же), сумерек, лунной ночи. Варьируя тему «стогов сена
в лунную ночь», пишет маленькое надкаминное панно с этим сюжетом для дома А.
П. Чехова в Ялте (1900). Последняя, неоконченная картина Левитана («Озеро.
Русь», 1900, Русский музей) является — наперекор смертельной болезни — едва
ли не самым мажорным произведением художника. Оставил также виртуозные
образцы акварельной и пастельной живописи.
Левитан и Чехов
• Многолетняя (с 1885) дружба Левитана с Чеховым породила
целый ряд знаменательных параллелей в их творчестве.
Отдельные черты личности живописца проступают в чеховской
«Попрыгунье» (где отражен роман Левитана с художницей С. П.
Кувшинниковой), «Чайке» (где поступок Треплева,
застрелившего чайку, воспроизводит аналогичный каприз
Левитана-охотника). Художник пишет другу о его пьесе «Чайка»
(в 1899): «От нее веет той грустью, которой веет от жизни, когда
всматриваешься в нее», — и в этих словах выражается их
общее лирико-мистическое чувство природы.
• Руководя с 1898 пейзажным классом Московского училища
живописи, ваяния и зодчества, проявил себя и как
замечательный педагог. В Плесе открыт Дом-музей Левитана.
Михаил Александрович Врубель
•
Врубель, Михаил Александрович — один из замечательнейших русских художников (1856 —
1910), сын офицера русской службы. Вследствие частых перемещений его отца, Врубель с
детства испытал много новых впечатлений, живя попеременно в Омске, Астрахани, Петербурге,
Саратове и опять в Петербурге. По окончании курса в Петербургском университете поступил в
Академию Художеств. Здесь большое влияние оказал на него профессор П. П. Чистяков, а также
товарищ его В. А. Серов. В 1883 г. профессор А. В. Прахов пригласил его в Киев для реставрации
и росписи Кирилловской церкви. Исполненные здесь Врубелем работы, а также его декорации во
Владимирском соборе принадлежат к лучшему, что создано в религиозной живописи за весь XIX
в. В 1884 г. поездка в Северную Италию оказала большое влияние на развитие его творчества. В
1887 г. ему поручается исполнение фресок для Владимирского собора по эскизам, сделанным им
частью еще ранее. В том же году стал заниматься скульптурой и создал и в этой области
замечательные произведения. Осенью 1889 г. он переезжает в Москву, и тут начинается период
его наиболее плодовитой работы. Он пишет портреты С. И. Мамонтова и К. Д. Арцыбушева,
заканчивает «Демона» и исполняет иллюстрации к Лермонтову. В 1899 — 1900 годах исполняет
скульптуры для маиолик Абрамцевской фабрики (Снегурочка, Лель, Волхова, Садко, Купава,
Египтянка и пр.) В 1896 г. пишет большие декоративные панно для нижегородской всероссийской
выставки. В 1897 г. пишет большие панно для Морозова: «Утро», «Полдень» и «Вечер». В 1900 г.
начал писать второго «Демона» (ныне собственность В. П. Рябушинского) — одну из лучших его
картин. В 1901 г. появились первые признаки душевного расстройства, сведшего его в могилу.
Врубель должен быть причислен к классикам русского искусства — значение его в истории
русской живописи очень велико. Он замечателен не только как автор прекрасных картин, но и как
один из первых, указавших путь современной монументальной живописи. Произведения его
находятся в музее Александра III, в Третьяковской галерее, в музее Академии Художеств и во
многих частных собраниях. Из картин его наиболее известны: «Восточная сказка» (1886,
собственность Б. И. Ханенко), «Гамлет и Офелия» (1888, собственность С. А. Щербатова в
Москве), «Сидящий Демон» (1890, собрание В. О. Гиршмана в Москве), «Гадалка» (1895,
Третьяковская галерея), «Пан» (1899, Третьяковская галерея), «К ночи» (1900, там же), «Царевна
Лебедь» (1900, собрание М. К. Морозова в Москве). — См.: С. П. Яремич «Врубель» (Москва,
1911); А. П. Иванов «Врубель» (СПб., 1911).
Годы учения
• Выходец из семьи военного
юриста. Учился в Академии
художеств (1880-84) у П. П.
Чистякова; уроки акварели брал у
И. Е. Репина. Из иностранных
современников наибольшее
влияние оказал на него М.
Фортуни; много общего в его
искусстве также с творчеством
прерафаэлитов. Но еще более
важными для Врубеля были
впечатления от живописи
итальянского Возрождения, а
также образы литературы (В.
Шекспир, И. В. Гете, М. Ю.
Лермонтов).
Киевский период
•
Зрелая манера мастера — с его «кристаллическим» рисунком,
дробящим мир на орнаментальные плоскости и в то же время
подчеркивающим его космическое единство, с искрящимся
великолепием колорита в диапазоне между фиолетовым и золотым
(«борьба золота и синевы», по словам А. А. Блока), —
сформировалась в основном в киевский период (1884-89).
Позднеромантическая традиция (недаром И. К. Айвазовский
принадлежал к числу любимейших его мастеров), равно как и
предчувствия русского символизма и модерна у В. М. Васнецова и Н.
Н. Ге, находят продолжение в стиле Врубеля — предельно
эмоциональном и в то же время конструктивном. Приглашенный А. В.
Праховым реставрировать Кирилловскую церковь 12 в., он исполнил
ряд композиций (в том числе икону «Богоматерь с младенцем», 188485), где соединил средневековый канон с острым психологизмом
нового времени. Кульминация киевского периода — эскизы росписей
Владимирского собора (1887, акварель и графитный карандаш,
преимущественно Киевский музей русского искусства); со времен
древней иконописи русская живопись не знала цветовых гамм такой
силы обобщения и воздействия. Не только вера и озарение, но и
мучительные сомнения проступили тут с исповедальной искренностью,
— неудивительно, что эскизы смутили официальную церковь и
остались неосуществленными в большом масштабе, на стене.
Абрамцевский период
•
•
Важную роль в творческих поисках Врубеля сыграл художественный кружок в
Абрамцеве. Здесь мастер пишет лучшие свои картины, занимается майоликой
(скульптуры «Египтянка», «Купава», «Мизгирь», «Волхова», 1899-1900,
Третьяковская галерея и музей в Абрамцеве) и декоративным дизайном
(керамические печи, вазы, скамьи — музей в Абрамцеве). Тонкое декоративное
чутье Врубеля проявилось также в его сценографических работах для частной
оперы С. И. Мамонтова (участие в оформлении «Рогнеды» А. Н. Серова (1896),
а также «Садко» (1897) и «Сказки о царе Салтане» (1900) Н. А. РимскогоКорсакова, композитора, особенно близкого ему по духу).
Тяга художника к монументальному искусству, выходящему за рамки станковой
картины, с годами усиливается; мощным выплеском этой тяги явились
гигантские панно «Микула Селянинович» и «Принцесса Греза» (1896),
заказанные Мамонтовым для специального павильона Нижегородской ярмарки
(второе панно ныне хранится в Третьяковской галерее). Однако именно
станковая живопись, пусть и обретающая характер панно, осталась
магистральным руслом его поисков. Колористическая роскошь таких полотен,
как «Девочка на фоне персидского ковра» (1886, Киевский музей русского
искусства), «Венеция» (1893, Русский музей), «Испания» (около 1894,
Третьяковская галерея), не заслоняет таящейся за внешним великолепием
тревоги. Иной раз зияние темного хаоса умеряется фольклорной стихией: в
картинах «Пан» (1899), «Царевна-Лебедь», «К ночи» (обе 1900; все три —
Третьяковская галерея) мифологические темы неотделимы от поэзии родной
природы. Лирическое откровение пейзажа, как бы обволакивающего зрителя
своим красочным маревом, особенно впечатляет в «Сирени» (1900, там же).
Более аналитичны и нервно-напряженны врубелевские портреты (К. Д. и М. И.
Арцыбушевых, а также С. И. Мамонтова; все три — 1897, там же).
Тема Демона
•
•
Мощные цветовые контрасты и пластическая напряженность форм достигают
кульминации в теме Демона. Воплощая, по словам художника, терзания
«мятущегося человеческого духа», этот цикл связан с наследием М. Ю.
Лермонтова. В виртуозных иллюстрациях к одноименной поэме (акварель,
белила, 1890-91, Третьяковская галерея и Русский музей) во многом и
сложилась графическая манера мастера, трактующая мир как «магический
кристалл». В художественных «главах» цикла ритм трагедии одинокого титаначестолюбца последовательно нарастает. В «Демоне» (1890) искусительнопрекрасный герой изображен в меланхолическом оцепенении среди самоцветно
мерцающих скал, а в «Демоне поверженном» (1902; обе — в Третьяковской
галерее) его изломанная фигура, сорвавшаяся с заоблачных высот, уже зримо
агонизирует, заражая весь мир вокруг себя фосфоресцирующей красотой
последнего заката.
в).
•
•
Поздний период
С 1902 Врубель страдает тяжким душевным и физическим недугом, но и в период депрессии и
немощи создает работы, принадлежащие к лучшим его творениям. Это простые по мотиву, но
отмеченные особой структурно-ритмической утонченностью штриха зарисовки, а также портреты
(Н. И. Забелы-Врубель, жены художника, 1904, Русский музей; В. Я. Брюсова, 1906, Третьяковская
галерея; оба — смешанная техника), где трепетные цветовые акценты или острая игра линий тонко
передают неповторимую душевную ауру модели, нежную, как у Забелы, или величаво-властную,
как у Брюсова. В «Жемчужине» (смешанная техника,1904, Третьяковская галерея) феерическая
фантазия мастера почти претворяется в беспредметное искусство — в узорах раковины,
выражающих космическую пульсацию природы.
Сильное и устойчивое воздействие Врубеля испытали почти все крупные русские художники 20 в.
Его манера писать «разноцветными кубиками» (по словам Ф. И. Шаляпина) иной раз трактовалась
как преддверие кубизма. Однако Врубель, доказавший своим творчеством, что глубинное
постижение натуры закономерно предполагает переход по ту сторону ее внешних видимостей,
стоит у истоков не одного какого-то направления, а практически всех авангардных поисков
русского искусства 20 в.