Ведущая - Отдел образования, спорта и туризма
advertisement
Отдел образования, спорта и туризма администрации Октябрьского района г. Витебска Государственное учреждение дополнительного образования «Центр творчества детей и молодежи Октябрьского района г. Витебска» ОПИСАНИЕ ОПЫТА ПЕДАГОГИЧЕСКОЙ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ Музыкальное воспитание учащихся в объединении по интересам «Игра на балалайке» через различные формы музыкально - образовательной деятельности. Ребеко Елена Николаевна, педагог дополнительного образования г. Витебск, 2013 г. Информационный блок Название темы опыта: Музыкальное воспитание учащихся в объединении по интересам «Игра на балалайке» через различные формы музыкально - образовательной деятельности. Актуальность опыта: Музыкальное воспитание является одним из средств, содействующих всестороннему личности. развитию Отражая жизнь и выполняя познавательную роль, музыка воздействует на человека, воспитывает его чувства, формирует вкусы. Благодаря занятиям музыки происходит общение детей к огромному эмоционально – нравственному опыту человека. Наблюдая за детьми, обучающимися в музыкальных кружках, и сравнивая их с обычными учениками общеобразовательной школы, я пришла к выводу, что отношениях. дети, обучающиеся музыке, более развиты во В всех процессе всестороннего развития личности, искусству принадлежит ответственейшая роль. Целеустремлённый творческий труд, формирует и воспитывает человека целостного, всесторонне и гармонично развитого. Мысли обо всём этом и привели меня к тому, чтобы проанализировать эту ситуацию, выявить, какие же личностные качества приобретает человек в процессе музыкального воспитания, как музыкальное воспитание влияет на его мир чувств, поведение. Музыкальное воспитание рассматривается в музыкальной педагогике как неотъемлемая часть нравственного воспитания подрастающего поколения, итогом которого является формирование общей культуры личности. Чрезвычайно важно, чтобы воздействие искусства начиналось как можно раньше, в детстве. Воспитывая с ранних лет способность, глубоко чувствовать и понимать искусство, любовь к нему сохраняется затем на всю жизнь, влияет на формирование эстетических чувств и вкусов человека. Если в раннем детстве донести до сердца красоту музыкального произведения, если в звуках ребёнок почувствует многогранные оттенки человеческих чувств, он поднимется на такую ступеньку культуры, которая не может быть достигнута никакими другими средствами. Цель опыта: Создание условий для личностного развития ребёнка в процессе музыкально – образовательной деятельности. Задачи опыта: 1. Расширение художественного кругозора учащихся, привитие им интереса и любви к музыкальному искусству, развитие способности творчески воспринимать музыку и эстетически реагировать на неё. 2. Формирование у детей сознания и понимания социальной значимости и общественно полезного характера музыкально-творческой деятельности, воспитание их активными пропагандистами музыкального искусства. 3.Выявление музыкальных способностей и творческих возможностей детей с целью дальнейшей профессиональной ориентации наиболее талантливых и одарённых из них в области музыкального искусства. 4. Формирование умения воспринимать музыку и выражать свое отношение к музыкальным произведениям разных стилей, жанров. 5.Развитие художественного вкуса, музыкально-творческих способностей учащихся. Описание технологии опыта Ведущая идея опыта: Развитие у детей способности воспринимать прекрасное в окружающей действительности, в произведениях искусства, в природе, в отношениях к людям, развивать вкус к прекрасному и способности самому создавать это прекрасное. Описание сути опыта: Развитие личностных качеств учащихся средствами музыкальной деятельности в объединении по интересам «Игра на балалайке». Одной из форм обучения в объединении по интересам «Игра на балалайке» является ансамблевое музицировани. Этот вид деятельности требует от учащегося терпения, усидчивости, чтобы развивать необходимые исполнительские, технические навыки. Следственно, игра на музыкальных инструментах развивает волю, стремление воображение. Совместное к достижению цели , музицирование вызывает у обучающихся неподдельный интерес, а, как известно, мотивация является мощным стимулом в работе. Испытав радость успешных выступлений в ансамбле, учащийся начинает более комфортно чувствовать себя и в качестве исполнителя-солиста. Ансамблевое музицирование тесно связано с такими предметами, как литература, история, музыка. С помощью музыкальных игр, слушания музыки развивается образное мышление. Развитие координации и беглости пальцев способствует улучшению навыков письма, беглому чтению; развитие музыкального слуха помогает более грамотно писать, быстрее осваивать иностранные языки. На занятиях обучающиеся знакомятся с жизнью и творчеством композиторов, что расширяет кругозор, углубляет знания по истории. Занятия в ансамбле воспитывают и развивают внимание, память, дисциплину, умение свободно держаться не только на сцене, но и в кругу сверстников и взрослых. Ансамблевое музицирование как коллективная форма исполнительской деятельности - одна из составляющих комплексного подхода в воспитании юного музыканта, позволяющая приобрести новые исполнительские навыки, расширить репертуарные рамки, а главное – развить умение слушать и создавать единый музицирование художественный образ произведения. Совместное решает многие психологические задачи и проблемы общения. У обучающихся возникают по отношению друг к другу моральные обязательства, воспитывается уважение к партнёру, чувство собственного достоинства, самостоятельность. Заниматься ансамблевой игрой может каждый ребёнок, владеющий начальными навыками игры на балалайке. Главное – заинтересованность самого ребёнка, его желание научиться коллективному музицированию. Исполняя вместе с педагогом даже самые простые мелодии, но имеющие яркую образность, обучающийся приобщается к творческому процессу. Деятельность педагога нацелена на то, чтобы на каждом занятии была создана «ситуация успеха», ребёнок ощущал себя творцом, верил в свои силы, был участником «единого целого». Коллективная форма занятий способствует созданию атмосферы увлечённости, вносит игровое начало, а также отвечает потребности обучающихся в самовыражении. Данная форма работы предполагает гибкую и более смелую репертуарную политику, направленную на всестороннее гармоничное обучающегося. Основные компоненты, объединяющие учащихся в ансамбль. развитие Темп как средство выразительности Ритм как фактор ансамблевого единства Ансамбль Приёмы достижения синхронного ансамблевого звучания Динамика как средство выразительности Ритм как фактор ансамблевого единства Метро-ритму принадлежит едва ли не главное место. Действительно, что помогает ансамблистам (а их может быть два и более) играть вместе, чтобы создавалось впечатление, будто играет один человек. Это ощущение метроритма. Он, по существу, выполняет функции дирижера в ансамбле, ощущение каждым участником сильных долей есть тот «скрытый дирижер», «жест» которого способствует объединению ансамблистов, а, значит, и их действий в одно целое. Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определенность «внутри такта», с другой, вот тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Единство, синхронность его звучания является первым среди других важных условий. Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается только общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится ансамбль. Но не только в этом значение метроритма. Он способен влиять и на техническую сторону исполнения. Ритмическая определенность делает игру более уверенной, более надежной в техническом отношении. К тому же, ученик, играющий неритмично, больше подвержен всякого рода случайностям, а от случайности, как известно, прямая дорога к потере психологического равновесия, к зарождению волнения. Как же добиться того, чтобы каждый из участников, исполняя свою партию, укреплял ритмическую основу всего ансамбля? Необходимо систематически и настойчиво работать в этом направлении. В ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у которых по разному развито чувство ритма. Начинать нужно с воспитания чувства абсолютного точного и «метрономного» ритма: он и станет объединяющим началом в общем коллективном ритме. Необходимо, чтобы в ансамбле были ритмически устойчивые исполнители. Тогда и остальные начнут тянуться к более сильным в ритмическом отношении. Динамика как средство выразительности Играя в ансамбле, необходимо быть экономным в расходовании динамических средств, распоряжаться ими разумно. Надо исходить из того, что, как бы ансамбль ни был бы богат яркими по тембру инструментами, одним из главных его резервов, утонченность, придающих звучанию гибкость и является динамика. Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях. Как в живописи, так и в музыке ничего не выйдет, если все будет иметь равную силу. В музыке, как и в живописи, есть передний и задний план. Воспитав такое ощущение динамики, ансамблист звучания своей безошибочно определит силу партии относительно других. В том случае, когда исполнитель, в партии которого звучит главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише, его партнер немедленно среагирует и исполнить свою партию также чуть громче или тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы точной. Как практически работать над динамикой в ансамбле. Вначале необходимо научиться играть в пределах того или иного динамического оттенка абсолютно ровно. Например, можно предложить сыграть всем участникам одну ноту или гамму на ровном P (пиано), затем на ровном mf, и так следует пройти все динамические ступени. Безусловно, сила звука – понятие не столь определенное, как высота звука mf на гитаре не равна mf на фортепиано, f на балалайке – не одно и то же, что f на баяне. Исполнитель должен воспитывать у себя развитый слух (микро слух), дополнив динамику понятием микро динамики, означающим способность регистрировать малейшие отклонения в сторону увеличение или уменьшения силы звука. Темп как средство выразительности Определение темпа произведения – важный момент в исполнительском искусстве. Верно характера выбранный темп способствует правильной передаче музыки, неверный темп в той или иной мере искажает этот характер. Хотя и существуют авторские указания темпа, вплоть до определения скорости по метроному, темп «заложен» в самой музыке. Еще Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп». Не случайно Бах, как правило, в своих сочинениях вовсе не указывал темп. В пределах одного произведения темп может варьироваться. «Нет такого медленного темпа, в котором бы не встречались места, требующие ускорения…и наоборот. Для определения этого в музыке нет соответствующих терминов, обозначения эти должны быть заложены в душе» (В. Тольба). Приемы достижения синхронности ансамблевого звучания Под синхронностью ансамблевого звучания следует понимать точность совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля. При рассмотрении проблемы синхронного исполнения нужно выделить три момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение вместе. В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функции дирижера, он обязан иногда показывать вступления, снятия, замедления. Сигнал к вступлению - небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем – четкого, довольно резкого (раз) движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению. Кивок не всегда делается одинаково, все зависит от характера и темпа исполняемого произведения. Когда произведение начинается из-за такта, то сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте при подъеме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием затакта. На репетиции можно просчитывать пустой такт, могут быть слова: «Внимание, приготовиться, начали», после слова «начали» должна быть естественная пауза (как бы вдох). В достижении синхронности ансамблевого звучания многое зависит от характера музыки. Замечено, что в пьесах активного, волевого плана это качество достигается быстрее, чем в пьесах спокойного созерцательного характера. То же самое можно сказать и относительно «старта». Вряд ли есть необходимость подчеркивать, насколько важно закончить произведение вместе, одновременно: а) последний аккорд – имеет определенную длительность, - каждый из ансамблистов отсчитывает «про себя» метрические доли и снимает аккорд точно во время. б) аккорд – над которым стоит фермата, продолжительность которого необходимо обусловить. Все это отрабатывается в процессе репетиции. Ориентиром снятия может также быть и движение – кивок головы. Если синхронность исполнителя – качество, необходимое в любом ансамбле, то в еще большей степени оно необходимо в такой его разновидности как унисон. Ведь в унисоне партии не дополняют друг друга, а дублируют, правда, иногда в разных октавах, что не меняет сути дела. Поэтому недостатки ансамбля в нем еще более заметны. Исполнение в унисон требует абсолютного единства – метроритме, динамике, штрихах, фразировке. С этой точки зрения унисон является самой сложной формой ансамбля. Доказательством абсолютного единства при исполнении в унисон является ощущение, что во время игры вместе с другими учащимися ваша партия не прослушивается как самостоятельная. К сожалению, этой форме ансамблевой игры уделяется мало внимания в учебной практике. Между тем в унисоне формируются прочные навыки ансамбля, к тому же унисон интересен зрительно и в сценическом отношении. Когда учащийся впервые получит удовлетворение от совместно выполненной работы, почувствует радость общего порыва, взаимной поддержки – можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат. Пусть это исполнение еще далеко от совершенства – это не должно смущать педагога, все можно выправить дальнейшей работой. Ценно другое, преодолен рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, ученик почувствовал своеобразие и интерес совместного исполнительства. Другой формой приобщения детей к музыке является – слушание музыки. Слушание музыки – одна из лучших форм работы для развития способностей активно воспринимать музыку и внимательно вслушиваться в разные ее особенности. К тому же слушание музыки позволяет познакомить детей со значительно более сложной музыкой по сравнению с той, которую они сами исполняют. При подборе произведения для слушания следует опираться на то, чтобы они отвечали двум ведущим принципам – высокой художественности и доступности. Тогда музыка вызывает у детей интерес и положительные эмоции. (Приложение 1) В наше время слушание музыки, благодаря развитию многообразных видов технических средств, способных воспроизводить музыку (радио, телевидение, кино т.д.) становится доступной формой общения с искусством широких слоев населения. Поток музыкальной Тем важнее информации практически безграничен. организации целенаправленного формировать избирательность потребления музыкальных впечатлений в слушания становится музыки, проблема помогающей соответствие с уровнем воспитанного художественного вкуса. Наблюдения показывают, что научить детей активно слушать музыку - дело сложное. Задача заключается именно в том, чтобы процесс восприятия был активным, творческим. Для этого я в своей практике применяю тематические мероприятия, где в доступной форме рассказываю детям о музыке, и параллельно они могут продемонстрировать свои исполнительские навыки. (Приложение 2) На протяжении 10 лет Центр творчества детей и молодёжи работает по единой воспитательной теме где, учащиеся принимают активное участие в творческо – исследовательской работе в рамках проектов и воспитательных тем. Участвуя в подготовке таких мероприятий они глубже узнают эпоху, стиль, жанр того или иного времени. Выступая перед публикой, учащиеся приобретают навыки артистизма, сценического мастерства, эстетического преподнесения материала, преодоления психологического барьера выступления перед аудиторией. (Приложение 3) ( Приложение 4). Таким образом все эти навыки формируются при условии организаций концертной деятельности. Третья форма работы с детьми, является, творческая исполнительская деятельность Концертная деятельность – особая часть работы детского инструментального коллектива «Балалайка» Это своеобразный итог проведенной репетиционной и педагогической работы за определенный период времени, способный отразить как результаты проделанной работы, так и степень усвоения материала детьми. Публичное выступление на концертной эстраде вызывает у детей особое психологическое состояние, характеризующееся эмоциональной приподнятостью и взволнованностью. Дети испытывают радость от соприкосновения с миром образов музыкальных произведений, воплотителями которых они являются, и от ощущения себя настоящими артистами, способными делиться частичками своей души с каждым из слушателей. Но «концертное состояние» детей во время проведения мероприятий имеет массу «подводных камней», которые педагог должен не только знать, но и уметь управлять ими и направлять ребенка в «нужное русло». Виды концертной деятельности детского инструментального коллектива «Балалайка» В практике работы с детским инструментальным коллективом, как правило, приходится сталкиваться с тремя основными видами концертной деятельности: Отчетные мероприятия коллектива Конкурсы Выступления на мероприятиях ЦТД и М, районных, городских. Все вышеперечисленные виды имеют общие черты: Дети выступают публично (в зале присутствуют их родители, руководители, педагоги) Дети исполняют известный им и отрепетированный материал Для полного погружения в состоянии концерта дети одеты в костюмы Отчетные мероприятия коллектива – проводиться с периодичностью 2 раза в год, направленные на то, чтобы продемонстрировать уровень полученных детьми знаний, умений и навыков и степень владения детьми усвоенными знаниями, умениями и навыками. Как правило, зрителями на отчетных мероприятиях являются родители выступающих детей, а также руководители учреждения, где работает коллектив. Концерт включает в себя 10-12 инструментальных произведений и музыкальный спектакль на основе детских сказок или рассказов. В концерте принимают участие все обучающиеся дети. Распределение ролей проводится в соответствии с уровнем и степенью развития музыкальных способностей у детей, также обращается внимание на артистичность, умение держаться на сцене. Выступление на отчетных мероприятиях является для детей настоящим праздником. Дети чувствую себя свободно, настоящими артистами, так как выступают на сцене, с которой успели познакомиться на репетициях. Дети четко знают порядок песен и особенности сценария. Действия детей четко определены, что позволяется детям расслабить и полностью погрузиться в мир музыкальных образов исполняемых произведений. Выступление на отчетных мероприятиях способствуют поднятию эмоционального уровня детей, вызывает у них массу положительных эмоций, а также желание к продолжению обучения и совершенствованию ранее полученных навыков. Дети раскрепощаются еще больше, чем на репетициях, свободнее держатся на сцене, общаются со зрительным залом, полностью «вживаются в образ». Таким образом, проводимые отчетные мероприятия помогают педагогам увидеть детей с новой стороны и определить пути дальнейшего развития ребенка. Конкурсы – мероприятие, порядок проведения которого определен положение о конкурсе. В положении отражены номинации, в которых проводится конкурсная деятельность, возраст участников, порядок проведения конкурса. Для детей конкурс – это своеобразный стресс. Ребенок погружается в состояние повышенной нервной возбудимости и эмоциональности. Нередко у детей появляется страх перед выступлением, перед оценкой жюри; неуверенность в собственном уровне. Ребенку может показаться, что выступления других участников конкурса сильнее и лучшее их. В эти моменты самое главное для меня это психологическая подготовка ребенка к конкурсу и объяснение ему, что результат конкурса в его собственных руках. На репетициях перед конкурсом необходимо давать детям четкие указания, что и как необходимо выполнять. По возможности, нужно объяснить детям обстановку, в которой будет проводиться конкурс, особенности помещения, сцены и т.д., чтобы приход в место проведения конкурса не повлек появление неожиданностей. Дети должны быть полностью уверены в своих силах и в том, что у них все получится. Таким образом, на каждой репетиции и перед выступлением необходимо указывать детям на их плюсы и говорить о том, что приложенные ими самим усилия будут соответствовать результату конкурса. В таком случае дети будут чувствовать себя увереннее и свободнее, а также смогут перенести ощущения от выступлений на отчетных мероприятиях коллектива на конкурсные выступления. Объявление результата – самый волнительный момент для ребенка, ведь ему не терпится узнать, насколько оценили его работу. Во время оглашения результатов выступления на конкурсе очень важно указать детям как на «минусы», так и на «плюсы» их выступления. Дети должны понимать, что они сделали правильно, а что неправильно, чтобы в дальнейшем суметь исправить недостатки. В данной ситуации я делаю видео запись выступления для того, чтобы ребята сами смогли проанализировать своё выступление. Таким образом, конкурс требует усиленной работы педагога не только в плане усвоения учебного материала и работы над ним, но и в умении правильно настроить ребенка и урегулировать его психологическое и эмоциональное состояние. Выступление на мероприятиях и празднествах, организуемых на районном и городском уровнях. Самая главная «опасность» на мероприятиях подобного рода – неизвестная детям площадка, на которой они не имели возможности отрепетировать номер, а также количество зрителей, которое на мероприятиях подобного рода является неограниченным. Эти условия могут привести к тому, что ребенок растеряется и не сможет выполнить в полной мере то, что так хорошо удавалось ему на репетициях. В этом случае моей главной задачей является настроить ребенка на выступление как эмоционально, так и психологически. За то короткое время до выхода на сцену необходимо максимально успокоить детей и настроить их на то, что все будет хорошо. Нужно объяснить детям, что их выступление – часть праздника, что они должны на сцене просто погрузиться в атмосферу праздника и получать удовольствие от исполнения. Дети должны четко понимать, какому празднику посвящено мероприятия, в котором они принимают участие, какова его тематика и как соответствуют исполняемые ими произведения тематике проводимого мероприятия. Детей нужно постараться максимально освободить и раскрепостить, а также отвлечь их внимание от количества зрителей, объяснить им особенности площадки, на которой проводится мероприятие, и помочь сориентироваться во время выступления. Нужно также объяснить детям, что их ошибка во время выступления не страшна, что они не должны теряться и привлекать внимание к тому, что сделали что-то не так. Таким образом, можно сделать вывод о том, что концертная деятельность важнейшая часть работы с детским коллективом, которая должна быть тщательно подготовлена и выстроена педагогом. ЛИТЕРАТУРА 1. С.П.Баранов, Л.Р.Болотина, Т.В.Воликова, В.А.Сластинин. Педагогика // учебное пособие для пед.училищ – М.: Просвещение, 1981; 2. Л.А.Баренбойм. Музыкальное воспитание в СССР. – М.: Советский композитор, вып.1, 1978; 3. Л.А.Баренбойм. Музыкальное воспитание в СССР. – М.: Советский композитор, вып.2, 1985; 4. Л.А.Баренбойм и др. Из истории Советского музыкального образования // Сб. материалов и документов (1917-1927).- Л.: Москва, 1969; 5 Волконский С. Человек на сцене. – СПб., 1912. 6. Выготский Л.С. Психология развития ребёнка. – М., 2003 7. Н.Дьяченко, И.Котляревский, Ю.Полянский. Теоретические основы воспитания и обучения в музыкальных учебных заведениях. – Киев.: Музична Украина, 1987; 8. И.А.Котляревский, Ю.А.Полянский. Актуальные проблемы музыкального образования // сб.ст. - :Музична Украина, 1986; 9. Л.Михеева.Музыка- детям.//Вопросы музыкально-эстетического воспитания.- Л.: Музыка, вып.3-1981, вып.4-1976. 10. Н.В.Савин. Педагогика // уч.пособие для пед.уч-щ. – М.: Просвещение, 1978; 11. Советская музыка, № 2 – 1975 // В.Мясищев, А.Готсдинер Что есть музыкальность – В.Н.Минин. Ближе к практике. – И.Жуков. Творческий подход. – С.Гаджибеков. проблемы вуза, стр.81-92.; 12. Советская музыка, № 6 – 1966 // ст.И.Сигети. Композитор – исполнитель – слушатель., стр.108-1164. 13. К.В.Тарасова, Т.В.Нестеренко, Т.Г.Рубан. Гармония // программа развития музыкальности у детей среднего дошкольного возраста (5-й год жизни). – М., 1998. 14. К.В.Тарасова, Т.В.Нестеренко. Гармония // программа развития музыкальности у детей среднего дошкольного возраста (4-й год жизни). – М., 1999. 15. Я.С.Турбовской. Средства и методы педагогического действия. – М.: Знание, 1980. 16. Н.Ризоль. Очерки о работе в ансамбле. – 1986. – Москва. 17. А.Готлиб. Первые уроки фортепианного фортепианной педагогики. Вып. 3. М., 1973. Приложение 1 ансамбля // Вопросы МУЗЫКАЛЬНАЯ ГОСТИНАЯ ПЁТР ИЛЬИЧ ЧАЙКОВСКИЙ (дирижёр, педагог) 07. 05. 1840 г. - 06. 11. 1893 г. Он был 1-м русским композитором, получившим профессиональное музыкальное образование в России. Чайковский написал 1-й романс в 4 года (одна строчка – «Наша мама в Петербурге»). Одарённость проявилась рано к музыке. Однако в 10 лет его направляют в Петербургское училище правоведения. «Не дружи с роялем! – уговаривали мальчика Петю взрослые. – Отправляйся-ка, лучше, в сад – ловить бабочек! Детям нужна не музыка, а свежий воздух!» Ему даже разрешили лазить по деревьям, но Петя не расставался со своим музыкальным другом. Музыкантов в роду Чайковских не было. « Мы же не Скрипкины и не Барабанщиковы!» - говорили Чайковские. Поэтому, когда Петя вырос, ему сразу купили строгий чёрный галстук, шляпу и трость, и он стал каждый день ходить на службу. Но даже на работе Петя не забывал о друге и придумывал для рояля хорошую музыку. Однажды он так увлёкся сочинительством, что нечаянно сжевал уголки очень важной бумаги, предназначенной на подпись самому директору! Все так испугались, что разрешили, наконец, Пете заниматься музыкой. Играть на рояле всё-таки лучше, чем есть бумагу. И не так вредно для здоровья. Вот Пётр Ильич Чайковский и стал композитором. Дело ведь не в фамилии. Просто надо уметь выбирать друзей. ( Звучит вальс из сборника Чайковского «Детский альбом».) Ведущая: Какая прекрасная музыка открывает наш вечер. Я знаю, это «Вальс» знаменитого русского композитора Петра Ильича Чайковского (показ портрета Чайковского). Ведущий: Верно. Его «Вальс» сочинён специально для этого сборника. Сборник пьес для фортепиано «Музыкальный альбом» впервые был выпущен 18 декабря 1892 года. Ведущая: Давайте перелистаем его страницы и познакомимся с сочинениями, которые композитор подарил юным музыкантам. Ведущий: Одновременно я предлагаю остановиться на некоторых эпизодах жизни самого композитора. Многие воспоминания и впечатления его детства, путешествий стали впоследствии основой создания музыкальных пьес для этого альбома. Ведущая: Согласна. Бом-бом, бом-бом, открывается альбом. То весёлый, то печальный, не простой, а музыкальный! А как у композитора возникла мысль о создании такого альбома? Ведущий: Весной 1878 года Чайковский вернулся на Родину из-за границы и приехал погостить на Украину в семью своей сестры, Александры Ильиничны Давыдовой. Сохранилось много писем композитора, где говориться о том, в каком он был восторге от подготовленной для него комнатки, от природы, окружающей его новое жилище. Во время отдыха, в свободное время П.И. Чайковский любил возиться со своими маленькими племянниками. У его сестры было семеро детей, и Чайковский без устали придумывал для них праздники с кострами, фейерверками и, конечно, танцами, где он сам аккомпанировал им на рояле. Тогда-то он решил написать целый сборник пьес для юных музыкантов, пьес лёгких, запоминающихся и с интересными названиями. Ведущая: Да, уже в заголовках пьес использованы названия картин природы, детских игр и забав, сказочных персонажей и танцевальных мелодий. Но мы слишком долго рассказываем о музыке. Давай дадим ребятам её послушать. Начнём с зарисовки, которая называется так – «Зимнее утро» (открывает альбом, на 1-м листе написано «Зимнее утро» и приклеен зимний пейзаж). Сам Пётр Ильич родился в маленьком городке. Мне кажется, что и «Зимнем утре» он изобразил своё детское впечатление. Будто малыш в окно и увидел засыпанную снегом улицу и замёрзшие окошки в доме напротив. Ведущий: Погоди, попросим наших слушателей представить, что они подышали на замёрзшее стекло, оно подтаяло, и в эту маленькую проталину смотрят, что делается за окном. Ну-ка ребята, закройте глаза и так послушайте пьесу «Зимнее утро». Интересно, что каждый из вас увидел, благодаря музыке (идёт слушание пьесы). Ведущая: Но, наверное, мы больше любим наблюдать за природой не зимой, а весной, когда всё оживает и воздух звенит от птичьих трелей. Об этом нам расскажет пьеса «Песняжаворонка» (открывает страницу с надписью « Песня жаворонка» и весенним пейзажем). Её звуки передают щебет весенней птички. Послушайте, как мелодия меняется, становится то выше, то ниже, словно звонкий жаворонок то поднимается ввысь, то вновь спускается к земле (слушанье пьесы). Ведущий: А мне нравится, как композитор передаёт в музыке детские игры девочек и мальчиков. Ведущая: Да, в играх девочек, конечно, присутствуют куклы. Одна кукла заболела, пьеса о ней так и называется «Болезнь куклы» (страничка «болезнь куклы»). И музыка здесь словно рисует, как капают слёзы девочки, которая горюет над кроваткой любимицы. Но мне больше нравится пьеса «Новая кукла» (показывает страничку с изображением нарядной куклы). Мелодия в ней словно сверкает от счастья, передовая радость и восторг. Ведущий: Эту музыку ребята смогут лучше понять, если к ним в гости придёт её героиня. Давайте позовём её все вместе, только негромко и вежливо: «Кукла, кукла!» (кукольной походкой входит нарядно одетая девочка). Ведущая: Мы попросим нашу Куклу станцевать, похлопаем в ладоши. Итак, звучит пьеса П.И.Чайковского «Новая кукла». (Кукла танцует, а затем садится рядом с Ведущим). Кукла: Я пришла из кукольной страны и хочу теперь познакомить вас с двумя играми для мальчиков. Пьесы, посвященные им, называются: «Игра в лошадки» и «Маршдеревянных солдатиков». Ведущий:Дорогая Кукла, а ведь «Марш деревянных солдатиков Чайковский написал для исполнения на фортепиано. А поэтесса Ирина Аганова написала к мелодии слова. И получился марш, который можно спеть. Ведущий: Я хочу, чтобы теперь мы послушали пьесу из «Детского альбома», которая называется «Мама». Мелодия у неё певучая, красивая, ласковая. Сам Чайковский с большой нежностью относился к своей матери. Всё жизнь он помнил её плавные движения, добрый голос, удивительные глаза. Видимо, о ней он и рассказал в пьесе «Мама» (переворачивает страничку «Альбома», звучит пьеса «Мама».) После её окончания вбегает Арлекин. Ведущая: Кто это? Кукла: Я зна-аю! Это клоун из итальянской комедии масок. Его зовут Арлекин. Арлекин: Верно. Я – Арлекин. Здравствуйте, ребята. Я – знаменитый итальянский клоун и хочу познакомить вас с теми пьесами, которые написал П.И.Чайковский, вспоминая об Италии. Вот «Итальянская песенка», мелодию которой композитор услышал в городе Флоренции. Был карнавал, и маленький мальчик пел под гитару чудесные песни. Ещё одну мелодию композитор услышал в Венеции. Вечером под окном дома, в котором он жил, приходил уличный певец с маленькой дочкой. Песня девочки стала главной темой пьесы «Шарманщик поёт» (называя каждую из пьес, Арлекин переворачивает страницы). Ведущий: Но, думаю, не ошибусь, если скажу, что одна из самых знаменитых мелодий не только «Детского Альбома», но и всей музыки Чайковского – «Неаполитанская песенка» (открывает страницу). Ведущая: Ты прав. Сам Пётр Ильич тоже любил эту музыку и сделал впоследствии на её основе знаменитый «Неаполитанскийтанец», который исполняют во взрослом балете «Лебединое озеро». Ведущая: Как славно, что в гости к нам пришли сегодня герои детских игр Кукла и Арлекин, которые познакомили нас с чудесной музыкой. Ведущий: Я думаю, что ребята-зрители смогут хором назвать имя и фамилию композитора, который сочинил замечательные пьесы сборника «Детский альбом». Ведущая: Проверим! Ребята, какой известный композитор написал «Детский альбом»? Ведущие и дети (хором): Пётр Ильич Чайковский! Ведущая: А также среди популярных произведений композитора три балета «Лебединое озеро», «Спящая красавица»,«Щелкунчик». И сегодня мы вам покажем фрагменты из балета «Лебединое озеро» (демонстрация видеозаписи). Действующие лица: Ведущая, Ведущий, Кукла, Арлекин. Предварительная подготовка: Изготовление альбома с иллюстрациями к произведениям П.И. Чайковского «Детский альбом», костюмы участников, портрет композитора и видеозапись балета «Лебединое озеро». Приложение 2 Музыка – зарядка души Цель: - обогатить духовный мир учащихся. Задачи: - развить эмоциональную сферу учащихся Ход мероприятия. «Музыка есть сильное возбуждение, могучее оружие, подобное медикаментам. Она может отравлять и исцелять. Как медикаменты должны быть во власти специалистов, так и музыка». П. Э. Циалковский Музыка – это огромная страна чувств и настроений. Немецкий поэт Л. Тик сказал: «Без музыки земля – пустой, недостроенный дом, в котором никто не живет». Для человека музыка нечто важное. Она нужна человеку: одна – для занятий спортом, другая – для грусти и раздумий. Необходима бодрая музыка и ласковая, спокойная. Она каждому нужна, как воздух! Вот такая волнующая, трогающая за душу, вечная, существующая всегда. Музыкальный номер:________________________________________________ Жрецы многих народов ещё в древности прекрасно знали, что звуковые волны воздействуют на любой предмет, а некоторые звуки оказывают благотворное влияние на человека. В Библии описывается, как Давид, играя на арфе, излечивал царя Саула от приступа депрессии. В эпосе об Одиссее приводится описание того, как от музыки и пения рана Одиссея перестала кровоточить. Древнегреческий герой Ахилл приступы своей ярости усмирял пением и игрой на лире. Представление о волшебном, колдовском значении музыки отражается у Гомера в образе Сирен, которые своим сладостным пением завлекают на свой остров путников В древней Индии одной из обязанностей врача было… умение петь. Во время приёма больного, он исполнял специальные «медицинские песни». Скорее всего, этим самым пациенту демонстрировали силу медицины; раз врач поёт, болезнь обязательно отступит. В одной из племён Восточной Африки доктор общался с больным, держа в руках колокольчик. Под мелодичный перезвон, он нараспев справлялся о болезни, а пациент, сообщая о недугах, пел в ответ. Считалось, что такой дуэт способствует выздоровлению. Музыкальный номер:_______________________________________________ В средневековых европейских городах во время эпидемий церкви звонили «во все колокола». Лишь в XX веке стало понятно, что звон колоколов содержит в себе особое резонансное ультразвуковое излучение, убивающее палочки страшной болезни, как тиф, вирус гриппа, желтухи – всего за несколько секунд. Звук улавливается ухом. Его рецепторы воспринимают вибрацию и передают ее в мозг. Он реагирует на воздействие. А поскольку все функции организма так или иначе связаны с мозгом, то изменения происходящие в нем влияют на физиологические процессы в организме. Вибрация звуков создает особые энергетические поля, заставляющие резонировать каждую клеточку нашего организма. Человек поглощает музыкальную энергию, и она нормализует ритм нашего дыхания, пульс, артериальное давление, снимает мышечное напряжение. Музыкальный номер:_______________________________________________ И музыкальные инструменты по разному воздействуют на человеческий организм. Так, игра на фортепиано помогает гармонизировать психику, нормализует работу почек и мочевого пузыря, очищает щитовидную железу. Звуки органа стимулируют мозговую деятельность, способствуют нормализации энергетических потоков в позвоночнике. Струнные инструменты: гитара, арфа, скрипка, виолончель — нормализуют работу сердечно-сосудистой системы. Кроме того, звучание этой группы инструментов вызывают у человека сострадание, готовность к самопожертвованию. Духовые инструменты способствуют работе дыхательной системы, очищают лёгкие и бронхи. Благотворно влияют на кровообращение. Ударные инструменты, в свою очередь, помогают восстановить ритм сердца, лечат печень и кровеносную систему. Положительное влияние на человека оказывают и народные инструменты. Этническая музыка помогает расслабиться и успокоиться. Возвращая человека к его историческим корням, народная музыка способствует открытию энергетических центров и нормализации жизненных потоков. Очищает пространство от негативного воздействия, насыщает энергией биополе человека. Музыкальный номер:_______________________________________________ Изучая влияние музыки на человека, учёные установили чудодейственный эффект многих классических произведений. Особенно огромное количество разговоров ведётся вокруг творений таких гениев как Моцарт, Вивальди, Григ, Бетховен, Шуберт, Шуман, Чайковский и Дебюсси. Уравновешиванию нервной системы способствуют записи со звуками природы: шум моря, леса, пение птиц и т.п., также пьесы из цикла "Времена года" Чайковского, “Лунная соната” Бетховена. Чтобы определить, какое влияние оказывает музыка именно на Вас, попробуйте во время прослушивания разных стилей музыки прислушаться к себе, понять какие ощущения и эмоции вызывает у вас данное музыкальное произведение. Музыкальный номер:_______________________________________________ Самой полезной для здоровья и красоты специалисты считают музыку Моцарта. Произведения Моцарта рекомендуются для снятия стресса, эффективного усвоения учебного материала, от головной боли, а также во время восстановительного периода, например, после студенческой сессии, ночной смены, экстремальных ситуаций и т.д. Михаил Лазарев, врач педиатр, описывает влияние музыки на беременных женщин. Классическая музыка прекрасно воздействует на формирование костной структуры плода, благотворно влияет на щитовидную железу. Вибрации оказывают влияние, на весь организм, массируя внутренние органы, достигая глубоко лежащих тканей, стимулируя в них кровообращение. Установлено, что при использовании музыки число осложнений при родах резко уменьшается, а малыши появившиеся на свет более спокойные. Малыши, прошедшие внутриутробное музыкальное “обучение”, обычно характеризуются повышенными адаптационными способностями и опережением стандартных темпов физического и речевого развития. В ходе экспериментов было обнаружено, что плод успокаивается при звуках музыки Вивальди и Моцарта, а при проигрывании произведений Бетховена или Брамса начинает энергично толкаться. Музыкальный номер:_______________________________________________ Во многих странах сотни раз проводились эксперименты и исследования по влиянию музыки на рост различных растений. В результате было доказано, что хорошая музыка – всё равно что отличное удобрение для цветов и овощных культур. Цветы ощущают разницу между весёлой и грустной музыкой, даже «выбирают» себе любимых композиторов, под музыку которых они быстрее растут и цветут пышным цветом, - чаще всего это произведения Моцарта, Шопена, Чайковского. Музыкальный номер:_______________________________________________ Наверное, многие из вас замечали влияние музыки на себе, но как то не придавали этому значения. Вспомните, как услышали когда-то популярную не замысловатую песенку, начинали буквально напевать её себе под нос, просто услышав знакомые нотки, где-нибудь в общественном транспорте. Современная популярная музыка не блещет текстами песен, как правило это набор незамысловатых фраз. Музыкальное сопровождение данных текстов, похоже до безобразия, это как правило ритмичное повторение барабанов, плюс другие инструменты. А нам как известно еще шаманы использовали ритмичное постукивание в свои барабаны (камлание) для того чтобы войти в транс или ввести других в транс. А когда человек в трансе сознание не контролирует, то что человеку говорят и это все идет сразу в подсознание минуя критическую оценку сознания. Выходит так, что тексты современных, популярных песен идут минуя наше сознание сразу в подсознание. Вот этим и объясняется то, что стоит человеку раз услышать подобную «попсовую» песенку и он будет ходить и мычать ее весь день. Для того чтобы шаману легче было ввести человека в транс, для этого использовали табак. Одурманенный табаком человек под ритмичное постукивание шамана еще быстрее впадал в транс. В наше время для того чтобы эффективнее вводить толпы молодежи в транс используют табак, пиво, водку, а так же современную технику. Клубы, где любит «тусить» молодежь, оснащена и современной светотехникой, все моргает и крутится, всюду из колонок доносится громкое «бацканье», внимание молодых людей и так рассеяно, а тут еще и одурманивающие напитки, а иногда это и синтетические наркотики. Думаю понятно, что от такого влияния музыки ни чего хорошего ждать не стоит. Тут присутствуют все элементы используемые при зомбировании. Вот вам и пример влияния современной популярной музыки на человека. Музыкальный номер:_______________________________________________ Не только одна популярная музыка негативно влияет на человека, это еще и тяжелый рок. Тут тоже используется и ритм, частота чередования света, громкость. В начале действует возбуждающе, бодряще, а с увеличением громкости звука этот эффект только усиливается. При уровне громкости свыше 80 децибел музыка начинает вызывать неприятные ощущения, а свыше 90 децибел музыка просто становится вредной для здоровья. Переизбыток высоких или низких частот серьезно травмируют мозг. Американский ученый-медик Дэвид Элкин доказал, что пронзительный звук большой громкости способствует сворачиванию белка (сырое яйцо, положенное перед громкоговорителем на одном из концертов, через три часа превратилось «сваренным» всмятку). Мощность на рок концертах с каждым годом только растет и уже давно перешло за 20 тысяч ватт. Музыканты и певцы на данных выступлениях одеты как правило вызывающе и угнетающе (подражание слугам сатаны), все их поведение только и делает что насаждает насилие плюс тексты песен, особенно зарубежных исполнителей, которые прямо призывают к насилию и восхваляют сатану. Кроме насилия рок-музыка способствует злоупотреблению наркотиками. Вы наверное слышали как подростки после концертов рок-группы выходили на улицы и нередко крушили, ломали что попало под руки. В Америке зафиксировали, что с приходом рок-музыки возросли случаи суицида. Музыкальный номер:_______________________________________________ Зона агрессивного «хэви металл», «панк-рока» и тому подобных, примитивной, морально распущенной «попсы» – это вообще не музыка в точном понимании этого слова. Людей загоняют в неё с помощью отравленной звуковой среды, которая формирует определенное состояние души и тела. Зона – это состояние организма: развращенное, преступное, одичалое. Такое состояние уже десятки лет кодируется электронными СМИ с помощью тотальной агрессивной рекламы: на телевидении и радио, в сфере быта, поездах и самолетах, на курортах, в ресторанах и столовых, магазинах и концертных залах, шоу-бизнесе – везде и всюду. Конечно, не вся современная музыка отравлена. Например, некоторые барды создают хорошие песни, если следуют Божественным законам красоты. Бывает и джаз здоровой и полезной музыкой. Я убеждёна, что настоящая музыка – это нечто неземное. Такую музыку, как и научные законы, не создают, а только открывают. Эта музыка существует вечно. Приложение 3. Белорусская культура Самобытная художественная культура Беларуси формировалась на протяжении столетий. Здесь существовали оригинальные архитектурные и художественные школы, создавались неповторимые музыкальные и литературные произведения. Все дошедшие до наших дней шедевры белорусского искусства находятся под защитой государства. Они хранятся в коллекциях крупнейших белорусских музеев, собраниях библиотек. Классика белорусской музыки и драматургии демонстрируется на театральных подмостках и в концертных залах. Современная культурная жизнь Беларуси динамична и разнообразна. В стране проходит множество художественных выставок, музыкальных, театральных и кинематографических фестивалей. Все это интересно и доступно как для белорусов, так и для гостей страны. Современное музыкальное искусство Беларуси стремится сохранить национальные традиции, одновременно развивая популярные в мире стили и направления. Произведения белорусских классической и музыки эстрадной композиторов, звучат в мировой исполнении как профессиональных, так и самодеятельных музыкантов. Большую популярность завоевали ведущие музыкальные коллективы страны: Президентский оркестр Республики Беларусь Национальный оркестр симфонической и эстрадной музыки под управлением М.Финберга Государственный академический симфонический оркестр Государственная академическая хоровая капелла им. Г.Ширмы Национальный академический народный хор Республики Беларусь им. Г.И.Цитовича вокальнай группа "Чистый голос" вокально-инструментальный ансамбль "Песняры" вокально-инструментальный ансамбль "Сябры" В Беларуси ежегодно проходят фестивали, представляющие различные направления и жанры музыкального искусства: "Белорусская музыкальная осень" "Минская весна" "Золотой шлягер" "Музы Нясвіжа" Символом фестивального движения Беларуси стал Международный фестиваль искусств "Славянский базар в Витебске", участие в котором принимают популярные артисты из разных стран мира. Свою историю «Славянский базар» начал 18 июля 1992 года. Его создателями были три государства — Белоруссия, Россия и Украина. Интерес к первому «базару» был крайне велик, что позволило стать фестивалю ежегодным В 1993 году на флагштоке фестиваля впервые появились флаги Словакии, Киргизии, Литвы, Турции, Болгарии, Югославии. С 1995 года «Славянский базар» стал называться «Международным фестивалем искусств». Также впервые на фестиваль приехали представители Кипра, Нидерландов, Греции, Узбекистана и Швейцарии Африканские певцы впервые вышли на сцену витебского «базара» лишь в 2007 году. Победителями международного конкурса исполнителей эстрадной песни «Витебск» были и белорусские исполнители это: Максим Сапатьков, Пётр Елфимов, Полина Смолова, Алёна Ланская. В 2003 году в рамках «СЛАВЯНСКИЙ БАЗАР Международный детский XII В Международного ВИТЕБСКЕ», музыкальный Белорусскими победителями являются: Ксения Ситник 2005 год Андрей Кунец 2007 год фестиваля впервые конкурс был искусств проведён “ВИТЕБСК–2013” и В Витебске в рамках фестиваля - четвертый раз прошел конкурс исполнителей песни и музыки под названием «Город княгини Ольги». В конкурсе участвовали исполнители из разных возрастных категорий от девяти до двадцати пяти лет. Все они получили отличную возможность заявить о себе в различных номинациях: русский романс, русский песенный фольклор, русская народная музыка, эстрадная песня Победительницей номинации «Русская народная музыка» стала Анна Асеева - воспитанница Оршанской детской школы искусств номер один. Домристка исполняла виртуозные композиции Городовской на тему известной народной песни «Калинка». И сегодня в исполнении молодых и талантливых исполнителей Бобурова Александра и Павлючкова Андрея вы услышите произведение «Как по травке» Приложение 4. Джаз (Jazz) - музыкальный жанр, возникший в конце XIX – начале XX века в США в результате слияния африканской и европейской культур и получивший дальнейшее распространение. Вывезенные в Америку негры-рабы вначале посещали церковь и участвовали в пении церковных гимнов. Когда же их из церкви изгнали, то в своих отдельных церквях и на религиозных собраниях они стали исполнять христианские гимны уже на африканский манер. Так появились спиричуэлс. Из спиричуэлса и «уорк-сонг» (трудовой песни) возник блюз – предшественник джаза. Блюз (этот термин образовался от сочетания двух слов: «блу», «девл» - меланхолия, хандра) существует как самостоятельный музыкальный жанр. Негритянские блюзы были очень грустными песнями, в них выражалась тоска по родине, рассказывалось о бесправном и тяжелом положении негров-рабов. Исполнялись блюзы обычно под аккомпанемент гитары или банджо. Исполнительницы блюза Бесси Смит, Билли Холидей вошли в историю джаза. . В начале века зародился и регтайм или стиль «рег» и представлял собой попытку негритянских музыкантов использовать перекрестные ритмы африканской музыки при исполнении полек, кадрилей и других танцев, все варилось в одном котле, и, в конечном счете, в первом десятилетии ХХ века возникла качественно новая музыка, которая получила название джаз. Только с развитием джаза стало очевидным, какими огромными выразительными средствами располагают труба, кларнет, саксофон, тромбон, контрабас, барабан. Местом «рождения» джаза является Новый Орлеан. Поэтому музыка исполнялась, в основном, на улицах, на пикниках, на открытом воздухе. Основа джазов — импровизация. Для простого человека это означает те моменты, когда музыкант здорово играет на инструменте, не смотря на клавиатуру/гриф/кнопки/клапаны/ делая при этом пафосное лицо. Пафосные лица — это суть импровизационного процесса. Вы не можете играть импровизацию, не делая пафосного лица. Существует мнение, что в среде музыкантов есть негласный конкурс, кто пафоснее делает лица во время импровизации, тот и самый крутой музыкант. Легендой джаза считается Луи Армстронг – именно после него инструментальное исполнение соло становится центром всего выступления. История советского джаза начинается в начале 20-х годов, точнее с 1922 года, когда в Москве был организован первый советский джаз-ансамбль Джаз в нашей стране в те годы делал свои первые шаги. И поэтому неудивительно, что репертуар этих ансамблей носил случайный характер и ориентировался, в основном, на музыку, услышанную от гастролировавших американских ансамблей. В марте 1929 года состоялась премьера «ТЕА-джаза», организованного актером Ленинградского Театра Сатиры Леонидом Утесовым и трубачом Яковом Скоморовским. «ТЕА-джаз», т. е. театрализованный джаз, строил свои выступления по определенному сценарию, включая в программу эстрадные номера, песни, танцы, скетчи и джазовые инструментальные произведения. Именно для этого коллектива стал писать музыку Исаак Дунаевский. В эти годы репертуар джаз-оркестров постепенно расширяется за счет произведений советских композиторов. В исполнении оркестров заучат джазовые сюиты Д. Шостаковича, джаз-рапсодии И. Дунаевского, А. Варламова, А. Цфасмана, и др. Традиции советского джаза 30-х годов во многом отражены в музыке А. Цфасмана и А. Варламова. Важно подчеркнуть, что у тогда еще молодых авторов, явно проявились те индивидуальные черты, которые способствовали формированию и развитию раннего советского джаза. Их инструментальные пьесы представляются типичными образцами советской джазовой музыки 20 — 30-х гг., хотя ими, конечно, не исчерпываются. Джаз в нашей стране начал стремительно развиваться. И теперь мы можем услышать её на различных инструментах.
