НАУЧНЫЕ СООБЩЕНИЯ

Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого
№ 3 (11), октябрь 2014 г.
НАУЧНЫЕ СООБЩЕНИЯ
УДК 7.045.5.
Клянина Е.Р. (ТГПУ им. Л.Н. Толстого)
Тел.: (4872) 35-74-37; e-mail: [email protected]
СИМВОЛЫ И ОБРАЗЫ СМЕРТИ В ЕВРОПЕЙСКОМ ИСКУССТВЕ
В статье рассматривается место темы смерти в европейском
искусстве. Мы проследили ее развитее, начиная с Древнего Рима до
настоящего времени. На конкретных произведениях искусства
установлено, что к теме смерти обращались художники, делая ее
основным сюжетом произведения или оставляя намеки на нее в
произведении. Мы приходим к выводу, что в разные периоды истории тема
смерти по-разному отражена в европейском искусстве, но всегда остается
актуальной.
Ключевые слова: европейское искусство, символ, образ, тема смерти,
«Триумф смерти».
В современной науке понятие символ одно из самых многозначных.
Слово «символ» произошло от греческого – symbolon, и переводится как знак
или опознавательная примета. «Символ – это то, что служит знаком, какогонибудь понятия, явления, идеи» [7, c. 597] – вот самое общее определение этого
понятия, который дает в своем словаре С.И. Ожегов. Искусство часто
использует художественные образы, изображая или используя какой-то
предмет, автор нередко наделяет его символическим смыслом, зачастую даже
не осознавая этого. Это связанно с тем, что многие символы носят архаический
характер и воспринимаются человеком на уровне подсознания. Изображение
одного предмета может отсылать зрителя к огромному количеству изображений
этого предмета во всей истории искусства или культурной традиции связанной
с этим объектом. Прежде чем начать анализировать произведение искусства
необходимо сначала понять его смысл, который раскрывается через символы.
Как только человек осознал свою смертность, он стремился понять и
постичь данное явление, часто именно в произведениях искусства находили
выражение его поиски. Но в непосредственном изображении смерти люди
прибегают к символам, как считают ученые, это связанно с психологическим
механизмом защиты – замещением. В искусстве существует множество
сюжетов смерти, но практически все они носят «завуалированный» характер.
В Древнем Риме (ок. I в. н.э.) изображение смерти встречается на
мозаиках и предметах декоративно-прикладного искусства. Ярким примером
этому служит мозаика из Помпеи; на одной ее части изображен скелет с
бокалом в руках и надписью «познай себя», на другой череп, на вертушке, над
которым находятся угол и лот. Эти мозаики напоминают людям об их
сущности. Если на первой кубок говорит о наслаждении жизнью, то вторая
140
Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого
№ 3 (11), октябрь 2014 г.
уравнивает всех в глазах смерти. Еще одним примером изображения смерти в
искусстве античности является серебряный кубок, на котором мертвецы
беседуют с философами, напоминая, что все смертны.
С приходом в Европу христианства появляется так называемая
«Адамова голова – череп с перекрещенными под ним костями. Это символ
смертности человека он изображался в основании крестов, помещался на
надгробные памятники, как напоминание обывателю о том, что рано или
поздно, и он будет выглядеть также. В средние века визуальное изображение
смерти представляло собой жнеца – это был скелет, иногда одетый в балахон, в
руках он держал либо косу, либо меч, либо трезубец, реже лук со стрелами.
Смерть могла держать в руках песочные часы, которые отмеряли земное время
человека. Этот образ стал крайне распространен Средине века.
В XIV веке в европейской культуре появляется понятие «макабр», его
происхождение не вполне ясно, по одной из теории данное слово перешло к
европейцам от арабов, и означает гробницу или место упокоения. Появляется
«макабрическая» культура, которая вбирает в себя образы, символы,
атрибутику и идеи смерти. Этот феномен включил в себя, старую, знакомую с
Античности мысль о бренности всего живого. Идея «праха и пыли», звучит в
литургиях и проповедях, напоминая, что все вышло от туда, и возвратится туда
же.
В XIV веке на Европу обрушивается эпидемия чумы, выкосившая до
трети населения крупных городов. Смерть в буквальном смысле окружала
людей повсюду. В этот период образ смерти принимает обличье мертвеца,
который разлагается, чья плоть изъедена червями, смерть и разложение
становятся синонимами. В это же время ярко используются два сюжета:
«Пляска смерти» и «Триумф смерти». Первый представляет собой вереницу из
людей в паре со скелетами, одежда «танцующих» соответствует их
социальному положению, и священники, и короли, и простые крестьяне все
принимают участие в танце со смертью. «Триумф смерти» – изображение
колесницы управляемой скелетом, сметающий все на своем пути, не щадя
никого, абсолютная фатальность смерти отражена в данном сюжете. В 1562
году один из наиболее ярких представителей Северного Возрождения Питер
Брейгель Старший, написал сою известную работу «Триумф смерти». На
картине изображена армия скелетов, которые охотятся на людей, а те не в силах
противостоять им попадаются в их ловушки. При всей мрачности и ужасе в
работе нет темы связанной с Дьяволом или Адом. Смерть рассматривается
художником как нечто совершенно естественное, ожидающее каждого человек
в независимости от его состояния или статуса. Об этом говорит тело короля
лежащего в своем облачении, возле бочек золота.
В XV-XVI веках тема смерти составляла повседневный фон жизни
человека, она окружала его в церквях и храмах, как часть богослужения или же,
как фреска на стене или статуя в углу, распространением гравюры образ смерти
не выходил из визуального поля человека, «Пляску смерти» играли на сцене. В
1477 году немецким художником и скульптором Бернтом Нотке была написана
141
Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого
№ 3 (11), октябрь 2014 г.
фреска «Пляска смерти» в Любекском соборе, в ходе богослужений простые
люди могли знакомиться с подобными произведениями.
В XVI-XVII вв. в Европе получил распространение жанр натюрморта –
ванитас. Этот аллегорический натюрморт, в центре которого неизменно
оставался человеческий череп, напрямую напоминал зрителю о смерти и
быстротечности жизни. К числу основных символов данного жанра, наряду с
черепом, относятся: увядшие цветы, гнилые фрукты, морские раковины, часы,
кубки, игральные карты и кости, оружие и доспехи, гаснущие свечи. С первого
взгляда цветы и фрукты выглядят красочным пятном на полотне, но
приглядевшись, можно увидеть, что фрукты подвержены разложению, а цветы
начинают увядать, они символизируют человека, свежего и прекрасного, но
начинающего умирать с момента своего рождения. Часы свидетельство
быстротечности времени. Кубки, игральные карты и кости «говорят» о
неверном выборе целей жизни, а оружие и доспехи – символы власти, которые
человек не в силах забрать в могилу. Свеча – символ души, ее угасание
обозначает уход.
В XVII веке в живописи продолжают сохраняться религиозные сюжеты.
Питер Пауль Рубенс один из величайших представителей живописи эпохи
барокко, между 1609 – 1610 годами написал триптих «Водружение Креста».
Это произведение иллюстрировало процесс Распятия, П.П. Рубенс отошел от
традиции данного сюжета – изображение после произошедшей казни. В центре
триптиха находится крест, к которому прибит Иисус, его поза расположена по
диагонали, что привносит драматизм и движение в композицию. Тело
спасителя словно выхвачено светом из общего мрака картины. В своем
произведении П.П. Рубенс отошел от классического изображения распятия, с
одной стороны крайне плотски написав Христа, с другой крайне отстраненно и
просветленно написав его лицо.
Испанский живописец последней трети XVIII первой трети XIX веков
Франсиско Гойя был известен как выдающийся портретист своей эпохи. В
работе «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года» (1814 год) художник
изобразил две группы людей перед выстрелами; первая это солдаты готовые
беспощадно нажать на курки, вторая – повстанцы, их возглавляет человек
белой рубашке, он раскрыл руки навстречу выстрелам. В своей работе Ф. Гойя
стремился показать весь героизм простого народа, для достижения большей
драматичности и передачи общего настроения работы он пожертвовал
деталями изображения, за подобную манеру письма многие импрессионисты
назвали себя его учениками.
На рубеже XVIII-XIX веков появляется новое художественное
направление – романтизм. Это течение возникло как реакции на эпоху
классицизма с ее правилами и строгостью. Так же конец XVIII столетия
обозначен рядом революций, в том числе и французской буржуазной
революцией 1789 года. Но изменения, вызванные ими, не принесли мир в
Европе и благополучие в общество. В своем творчестве романтики стремились
уйти от разочаровавшей их действительности, поэтому их творчеству
свойственен «побег от реальности». Он реализован в искусстве романтизма по
142
Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого
№ 3 (11), октябрь 2014 г.
разному: экзотическая страна, славное прошлое, мир фантазий или собственное
«я». Смерть выступала реализацией сразу двух путей «побега» в
фантастический мир и уход в себя. Особое место это тема занимает в
творчестве немецкого пейзажиста Каспара Давида Фридриха. Один из часто
встречаемых сюжетов живописи художника – кладбища («Аббатство Оквуд»
(1809-1810), «Кладбище» (1825), «Кладбище в снегу» (1826)). Кладбище –
символ смерти, часто использовалось художником в контексте размышлений о
жизни. На картине «Кладбище» изображены ворота старого некрополя, через
них виднеется сам погост, на заднем фоне которого возвышается сосновый лес,
возле ворот находится маленькая фигура человека, заглядывающая сквозь них.
Человек словно пытается проникнуть в тайну смерти, переступить черту, но
боится и поэтому не решается войти, поэтому ему достается лишь роль
стороннего наблюдателя. Но на заднем плане картины написан сосновый лес,
символ – жизни, что привносит оптимистические нотки в полотно. Таким
образом, кладбище символизирует смерть, с одной стороны оно выступает
символом конечности бытия, с другой связью между временами, прошлым и
настоящим.
Джон Эверетт Милле — крупный английский живописец, один из
основателей братства прерафаэлитов. В ходе жизни полностью отрекся от
взглядов и идей прерафаэлитизма. Одной из самых ярких работ
прерафаэлитского периода «Офелия», 1852, эта картина написана по мотивам
пьесы Уильяма Шекспира «Гамлет». На своем полотне Милле изобразил
момент после гибели Офелии, написав ее тело плывущем по реке. Поза
девушки представляет собой открытые руки, взор устремлен в небо, с одной
стороны это отсылает к теме Распятья, с другой, позволяет говорить об
эротизме. Офелия спокойна на ее лице отсутствуют сожаление и страх, ее тело
медленно утопает в воде. Ей не миновать смерти, она уже близко, но на картине
изображено настоящее спокойствие, Д. Э. Милле виртуозно передал момент,
между жизнью и смертью, когда страх и сомнения покидают человека, и его
взгляд просветляется. Пейзаж, созданный художником, представляет собой, в
высшей степени детальную, английскую природу.
В картине впечатляет подробность и кропотливость, с которой
художник написал цветы, растущие по берегам реки и плывущие в ней. Самый
яркий, алый привлекающий внимание возле руки Офелии – адонис, является
символом горя, маленькие маргаритки возле правой руки, говорят о
невинности. Над рекой склонилась ива – символ отвергнутой любви, в другой
части картины крапива говорит о боле. Эти два растения как бы обрамляют
полотно с обеих сторон, словно запирая Офелию в своем плену. Но под
крапивой растут незабудки, как знак вечной верности любви.
Более поздней работой Джона Эверетта Милле является «Долина покоя»
1859. Общее настроение полотна носит умиротворяющий характер; цвета
глубокие, но спокойные, отсутствует динамика композиции, даже ветки
деревьев и ткани одежд, находятся в покое. На переднем плане расположены
две фигуры монахинь, одна из них закапывает свежее погребение, другая сидит
возле нее, держа в руках четки. На четках есть человеческий череп,
143
Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого
№ 3 (11), октябрь 2014 г.
отсылающий е образу Адамовой головы, свидетельствующей о смертности
человека. Действие происходит на закате, который так же символизирует конец
земного пути. В работах Милле смерть печальна и прекрасна одновременно,
она выступает как абсолютный покой и гармони, являясь логическим
завершением человеческой жизни.
Генри Уоллис живописец-прерафаэлит, прославившийся благодаря
своей технике написания работ, при которой добивался невероятного эффекта
внутреннего свечения. Творческий успех Г. Уоллис получил после того как им
в1856 году была написана «Смерть Чаттертона». Эту работу художник
посвятил самоубийству английского поэта XVIII века Томаса Чаттерона,
который получил известность благодаря публикации собственный
произведений под видом средневековой поэзии. Уоллиса Чаттертон в XIX веке
считался романтическим героем, который был крайне популярен и известен в
кругу молодых художников, финансово нуждающихся. В работе Уоллиса
смерть юного поэта носит двойственный смысл с одной стороны смерть столь
молодого человека, Чаттерону не было и восемнадцати лет, всегда печальна, о
чем говорят мрачные тона полотна. Но лицо его озарено светом, прямо за ним
ярким пятном светится открытое окно, которое в данном контексте выступает
как символ свободы, а открытая створка выпускает измученную душу
Чаттерона.
Эдвард Роберт Хьюз английский художник второй половины XIX века в
работе «Ах, что это в гнезде…», 1895, изобразил мертвого юношу, увитого
шиповником. Две черные птицы символизируют смерть и разложение, а две
бабочки напротив, говорят о перерождении и вечной жизни души человека.
Тема смерти продолжает быть актуальна и в современном искусстве, но
если раньше художники видели в ней нечто естественное, то сейчас их
внимание уделено скорее теме насильственной смерти и антигуманности этого
явления. Пабло Пикассо в своей картине «Гибель Герники» (1937г) изобразил
страшное переплетение людей, животных и сооружений, подчеркивая ужас и
разрушительную силу войны. В этой картине художник вводит в свое
творчество образ быка, который символизирует войну, хаос и разрушение.
На протяжении веков человека интересовала и волновала тема смерти, к
которой он не раз обращался через произведения искусства. В каждый период
отношение к ней носило разный характер от философского размышления
античного человека, до осуждения и непринятия людей XX века, но данная
тема была и будет одной из самых актуальных в искусстве, как прошлого, так и
настоящего.
Литература
1. Азадовский К.М. Пейзаж в творчестве К.-Д. Фридриха // Проблемы
романтизма: сб. статей. Вып. 2 / сост. А.М. Гуревич. М.: Искусство, 1971. С.
116-117.
2. Берковский Н.Я. Романтизм в Германии. СПб.: Азбука-классика, 2001. 512 с.
3. Данилова И.Е. Судьба картины в европейской живописи. СПб.: ИскусствоСПб, 2005. 294 с.
144
Гуманитарные ведомости ТГПУ им. Л. Н. Толстого
№ 3 (11), октябрь 2014 г.
4. Жабцев В.М. Европейская жанровая живопись. Минск: Харвест, 2008. 128 с.
5. Иллюстрированная энциклопедия мировой живописи / под ред. Е.В.
Ивановой. М.: ОЛМА Медиа Групп, 2009. 600 с.
6. История зарубежного искусства / под ред. М.Т. Кузьминой и Н.Л.
Мальцевой. М.: Изобразительное искусство, 1980. 336 с.
7. Камминг Р. Великие художники. Расшифрованные послания и символы в
работах мастеров живописи / Роберт Камминг; пер. с англ. Н. Скоробогатов.
Харьков: Клуб семейного досуга, 2008. 112 с.
8. Ожегов С.И. Толковый словарь русского языка / С.И. Ожегов, Н.Ю.
Шведова. М.: Азбуковник, 2000. 940 с.
9. Популярная художественная энциклопедия / под ред. В.М. Полевой. - М.:
Советская энциклопедия, 1986. 431 с.
10. Тарасов Ю.А. Из истории немецкого романтизма: Каспар Давид Фридрих.
Филипп Отто Рунге / Ю.А. Тарасов. СПб.: Изд-во Санкт-Петербургского унта, 2006. 238 с.
11. Эстетика: словарь / под ред. А.А. Беляева, Л.Н. Новиковой, В.Н. Толстых. М.:
Политиздат, 1989. 447 с.
Klyanina E.R.
SYMBOLS AND IMAGES OF DEATH IN THE EUROPEAN ART.
This article explores the place of the theme of death in European art. We
have followed its development since ancient Rome to the present day. Specific
works of art found that the topic of death has been accessed artists, making it the
main plot of the work or leaving hints of it in the product. We conclude that in
different periods of the history of the theme of death in many ways reflected in
European art, but it is always current.
Keywords: European art, symbol, image, the subject of death, "Triumph of
death".
145