Тема педагогического опыта: - Академия таланта. Всероссийские

Тема педагогического опыта:
«Формирование познавательной активности учащихся ДМШ на
основе вокально-музыкальной деятельности»
Автор: Сарандова Светлана Мударисовна,
Место работы: МБОУ ДОД «Детская музыкальная школа Г.Зеленодольска РТ»,
Должность: преподаватель по классу вокала и хора.
Вокальное отделение стало одним из самых востребованных в Детских
Музыкальных школах. Певец, артист – пожалуй, самая модная и желанная профессия в
современном обществе. Это результат пропаганды СМИ массовой культуры: концерты
звезд эстрады, телевизионные конкурсы, различные шоу с участием современных певцов
и т.д. Приходя в музыкальную школу, дети и их родители знакомы лишь с эстрадной
музыкой, зачастую не самого лучшего качества. Они не знают или имеют лишь небольшое
представление о богатом наследии классического искусства, воспринимая его, как
скучное, не нужное и не современное. А ведь академическое искусство развивает
интеллектуальные, духовные и нравственные качества человека, прививает и формирует
эстетический вкус.
Задача музыкальных школ открыть перед учащимися богатый мир классической
музыки, привить интерес и любовь к ней, научить понимать, слушать и исполнять музыку.
Этим дети занимаются на уроках по специальности, музыкальной литературы,
сольфеджио, хора.
Занимаясь со своими учениками в классе вокала, беседуя с их родителями, я
пришла к выводу, что они имеют весьма поверхностные или совсем не имеют знаний в
области академической вокальной музыки. Я считаю, что именно она является основой
для формирования грамотного певца-исполнителя, независимо от того, какую музыку
будет исполнять певец в дальнейшем – академическую или эстрадную.
Поэтому созрела необходимость создания Лектория для учащихся вокального
отделения. Лекторий включает в себя цикл лекций, которые посвящены знакомству с
мировыми исполнителями-вокалистами, изучению вокального наследия композиторовклассиков, изучению творчества поэтов, на стихи которых сочинялись вокальные
произведения, изучению классификации голосов и т.д.
Цель создания Лектория:
- формирование творческой личности,
- знакомство учащихся с академическим вокальным искусством,
- формирование интереса к классической музыке,
- активизация и углубление меж предметных связей при изучении программ в
музыкальных школах.
Задачи:
- приобщение к лучшим образцам вокальной музыки,
- развитие эмоционально-образного мышления,
- изучение творчества известных певцов, композиторов-классиков и поэтов, на стихи
которых сочинялась вокальная музыка,
- формирование и развитие навыков концертной и исполнительской деятельности.
Лекции проводятся в форме литературно-музыкальных гостиных, лекцийконцертов. Все лекции сопровождаются показом видео презентаций, что способствует
лучшему усвоению информации и делает их более интересными. Музыкальные номера
звучат либо в исполнении мировых звезд-вокалистов, либо в исполнении самих учеников
и их педагогов. Таким образом, учащиеся имеют практику концертных выступлений,
сценического поведения. Приобщение детей и педагогов к участию в проведении
Лектория оказывает особое воспитательное, развивающее воздействие на личность, ее
духовно-нравственное становление. Исполнение вместе со своими наставниками,
возможность более частого профессионального общения мобилизует учащегося. Позже в
классе мы обсуждаем и анализируем выступление ученика, что является дальнейшим
стимулом к его творческому развитию и самосовершенствованию.
Расширяя кругозор, увеличивая слуховой багаж, имея возможность слушать
исполнение педагогов и других учеников и повышать свое исполнительское мастерство,
ребята развиваются, самосовершенствуются, активизируются их творческие силы. С
другой стороны, участие стимулирует преподавателя, обязывая его постоянно работать
над повышением своего педагогического и профессионального мастерства.
Результат не заставил себя ждать: занятия в классе стали более продуктивными,
учитель и ученики стали разговаривать на одном языке. Знание творчества известных
певцов, их манеры исполнения того или иного произведения способствуют лучшему
пониманию применения вокальных приемов, более вдумчивому исполнению
произведений, расширению репертуара ученика и т.д. Благодаря возможности концертных
выступлений, учащиеся стали спокойнее относиться к выступлениям на зачетах и
экзаменах. Теперь это для них не проверка знаний, а возможность поделиться своим
пониманием исполняемого произведения с такими же певцами-артистами и слушателями
– членами экзаменационной комиссии.
Этот проект реализуется мною в течении 3 лет. Прилагаю темы уже прозвучавших
лекций.
Лекция 1.Классификация певческих голосов на примере мировых звезд вокального
искусства (Ф.Шаляпин, Б.Нестеренко, Д.Хворостовский, Л.Паваротти, Т.Синявская,
И.Архипова, Г.Вишневская). (Приложение 1)
Лекция 2. Вокальное творчество А.С.Даргомыжского (к 200-летию композитора).
(Приложение 2)
Лекция 3. Лермонтов и Музыка. К 200-летию М.Ю. Лермонтова. (Вокальные
произведения на стихи поэта). (Приложение 3)
Приложение 1
Лекторий для учащихся вокального отделения
тема: «Знакомство с разновидностью певческих голосов»
Содержание:
1. Вступление
2. Деление певческих голосов в хоре
3. Деление певческих голосов в сольном пении
4. Заключение
5. Список музыкальных фрагментов
6. Список литературы
1. Вступление
«Пение – основа всей музыки», - говорил немецкий композитор 18 века Георг
Фридрих Телеман.
Действительно, пение – самое естественное проявление музыкальности человека,
самое непосредственное выражение с помощью голоса его чувств, настроений, эмоций.
Поющий человеческий голос издавна называли самым прекрасным, самым послушным и
тонким музыкальным инструментом. Как и каждый музыкальный инструмент, поющий
голос обладает особым, неповторимым тембром. Красивый по тембру человеческий
голос всегда был эталоном для создателей музыкальных инструментов. Известно, что
знаменитые итальянские мастера, оставившие потомкам непревзойденные по красоте
звучания скрипки, альты, виолончели, искали прежде всего «поющее» дерево. Они
стремились, чтобы их инструменты в разнообразии тембровых красок не уступали
человеческому голосу. Подобная же картина наблюдается и в истории других
музыкальных инструментов. Например, одной из главных, едва ли не решающей
причиной, благодаря которой фортепиано вытеснило своих предшественников (прежде
всего клавесин), было то, что на рояле можно добиться певучей игры.
И ещё одно важное свойство поющего голоса, также присущее музыкальным
инструментам, - каждый голос имеет определенный звуковысотный диапазон. Весь
набор голосов – от самых низких до самых высоких, - подобно семействам музыкальных
инструментов, охватывает, без малого, полный звуковысотный диапазон, доступный
человеческому слуху.
2.Деление певческих голосов в хоре
Чтобы в музыкальных голосах был порядок, много-много лет назад их разделили
по высоте и дали им названия. Называли их на латинском языке (музыканты часто
пользуются этим языком), и до сегодняшнего дня используют эти названия.
Началось всё давным- давно с церковного пения. Людей с красивыми голосами
специально отбирали и готовили для пения в церкви. Эти люди должны были обладать
особенно чистыми и красивыми голосами, чтобы посетители церкви (прихожане)
могли услышать самое прекрасное пение и представить себе, как поют ангелы на
небесах и славят Бога. Людей, поющих в церкви, называли певчими. Раньше в
церковном пении женщины участия не принимали, а пели только мальчики и
мужчины. Поэтому сначала по высоте разделили детские и мужские голоса.
Слайд №1:
ХОР
Детские голоса:
- дискант
- альт – «высокий»
Мужские голоса: - тенор – «держать»
- бас – «низкий»
Мужские голоса, которые пели основную мелодию, стали называться
тенорами (в переводе с латинского – «держать»). Те, что пели ниже, получили
название басы (бас – «низкий»), те, что выше, – альты (альт – «высокий»). Самый
высокий детский голос назывался дискант.
Потом, когда в хоре стали петь женщины, слово альт перешло к низким
женским голосам, выше альта – сопрано – «выше высокого».
Слайд №2:
ХОР
Женские голоса:
- сопрано – «над, сверху»
- альт – «высокий»
Так поделили голоса для хора.
3. Деление певческих голосов в сольном пении.
Сольное пение имеет еще более точное деление голосов.
Слайд №3:
Сольное пение
Мужские голоса: - тенор
- баритон
- бас
Самый низкий по звучанию голос – бас. Наиболее распространен, так называемый,
высокий бас, или бас-кантанте, что значит «певучий бас». Им обладают обычно
оперные артисты, поющие басовые партии.
Слайд №4: Кустодиев. Портрет Ф. Шаляпина
Один из самых известных басов – Фёдор Иванович Шаляпин – русский певец,
родился в Казани в 1973г. Голос певца отличался неповторимой красотой тембра.
Кроме многочисленных оперных выступлений, Шаляпин давал массу концертов и
зарекомендовал себя как блистательный интерпретатор камерно-вокального
репертуара. Мы чтим сегодня искусство Ф.Шаляпина не только потому, что он
обладал редкими вокальными данными, но и мощным драматическим талантом,
особым даром перевоплощения, умением войти в образ и вокальными средствами
передать сложную драматургию роли.
А сейчас, в исполнении Фёдора Шаляпина вы услышите куплеты
Мефистофеля из оперы Гуно «Фауст».
Слайд №5: фото Ф.Шаляпина
Ещё один бас, о котором я хочу вам рассказать, - Евгений Нестеренко. Некоторые
исследователи даже называют его «вторым Шаляпиным», благодаря сочетанию
вокальной одаренности с артистическим талантом.
Слайд №6: фото Е. Нестеренко.
Создатель ярких образов, среди которых на первом месте Борис Годунов из
одноименной оперы М.Мусоргского. Обладатель исключительной дикции,
позволяющей с равным успехом исполнять партии не только на родном языке, но и
на итальянском, французском и даже венгерском языках.
В исполнении Евгения Нестеренко вы услышите арию Ивана Сусанина из
оперы М. Глинки «Жизнь за царя».
Вслед за басом в шкале певческих голосов идет баритон. Многие, неверное,
слышали имя Дмитрия Хворостовского – относительно молодого (ему нет ещё и 50
лет, он родился в 1962 году) российского оперного певца.
Слайд №7: фото Д. Хворостовского.
Д.Хворостовский был солистом Красноярского государственного театра оперы и
балета. С 1990 года имеет ангажементы в лучших оперных театрах мира – в Лондоне,
Мюнхене, Берлине, Милане, Вене, Буэнос-Айросе, Нью-Йорке, Чикаго,В Мариинском
театре Санкт-Петербурга, московском театре «Новая опера».
В исполнении Дмитрия Хворостовского прозвучит ария Онегина из оперы
П.Чайковского «Евгений Онегин».
Самый высокий мужской голос, следующий после баса и баритона – тенор. Одним
изсамых популярных у публики и признаваемых критикой оперных теноров 20 столетия
был Лучано Паваротти (1935-2007гг.) – итальянец.
Слайд №8: фото Л.Паваротти.
Для него характерна особая легкость звукоизвлечения, которая сочетается с высокой
индивидуальностью, излучающей тепло и жизнерадостность.
В исполнении Лучано Паваротти прозвучит ария Герцога из оперы Д.Верди
«Риголетто».
Женские голоса по высоте и тембру звучания тоже разделяются на три диапазона.
Слайд №9:
Сольное пение
Женские голоса: - сопрано
- меццо-сопрано
- контральто
Самый низкий женский голос – контральто, он встречается весьма редко. Тембр
контральто – густой, звучание голоса очень плотное. Для контральто написаны
партии Кончаковны в опере Бородина «Князь Игорь», Ольги в «Евгении Онегине», а
также роли мальчиков и юношей, встречающихся в операх «Жизнь за царя»
М.Глинки (партия Вани), «Снегурочка» Н.Римского-Корсакова (Лель) и др.
Я хочу представить вашему вниманию 3 песню Леля из оперы Н.РимскогоКорсакова «Снегурочка» в исполнении Ирины Архиповой.
Слайд №10: фото И.Архиповой.
И.Архипова – меццо-сопрано, исполняет партию контральто. Солистка
Большого театра, Народная артистка СССР, профессор, преподавала в Московской
Государственной Консерватории, с 1967 года являлась бессменным председаьелем
жюри Конкурса им. М.И.Глинки. С тех пор входила в состав жюри многих
престижных конкурсов мира (в Италии, Бельгии, Греции, Испании, Париже,
Мюнхене). С 1974 года являлась бессменным председателем жюри Конкурса им.
П.И.Чайковского в разделе «сольное пение».
Итак, 3 песня Леля из оперы Н.Римского- Корсакова «Снегурочка» в исполнении
Ирины Архиповой.
Меццо-сопрано – голос среднего регистра, по-своему очень богат и интересен в
отношении средств выразительности. Он отличается большой полнотой и сочностью
звучания. Мечта каждой обладательницы меццо-сопрано, поющей в опере,
исполнить партии Кармен в одноименной опере Бизе, Марфы в опере «Хованщина»
М.Мусоргского, Любаши в опере «Царская невеста» Н.Римского-Корсакова.
Хочу познакомить вас с оперной певицей, солисткой Большого театра,
Народной артисткой СССР, обладательницей меццо-сопрано – Тамарой Синявской.
Слайд №11: фото Т.Синявской.
Выступала в спектаклях оперных театров Франции, Испании, Италии, Бельгии,
США, Австралии и др. стран мира. Ведет обширную концертную деятельность. В
репертуаре певицы сложнейшие произведения С.Прокофьева, П.Чайковского, «Испанский
цикл» М. де Фалья и др. композиторов, оперные арии, романсы, произведения старых
мастеров в сопровождении органа.
Опера Ж.Бизе «Кармен», Хабанера, исполняет Тамара Синявская.
Сопрано – наиболее высокий женский голос, для которого написано едва ли не
большинство всех главных женских партий в классических операх: Аида и Тоска в
одноименных операх Д.Верди и Д.Пуччини, Татьяна в «Евгении Онегине» П.Чайковского
и др.
Слайд №12: фото Г.Вишневской.
Галина Вишневская – Народная артистка СССР, Командор французского ордена
Почетного легиона, почетный доктор ряда университетов. Имея от природы поставленный
голос, начинала петь в хоре Ленинградского областного театра оперы и балета, затем
стала исполнять сольные партии. В 1952 году приняла участие в конкурсе в стажерскую
группу Большого театра, куда была принята, несмотря на отсутствие консерваторского
образования, и вскоре (по образному выражению Б.Покровского) стала «козырной картой
в колоде Большого театра», ведущей солисткой главного оперного театра страны, где
исполнила более, чем 30 партий. Стала одной из первых советских оперных певиц,
добившихся признания на мировой сцене. С 2008 года – руководитель Центра Оперного
пения Галины Вишневской в Москве. С 2006 года – председатель жюри Открытого
международного конкурса оперных артистов Г.Вишневской.
В исполнении Г.Вишневской вы услышите сцену письма Татьяны из оперы
П.Чайковского «Евгений Онегин».
4.Заключение
Следует иметь в виду, что такая классификация певческих голосов не незыблема. Часто
певцы обладают голосами промежуточного регистра, например, существует
баритональный бас.
В пределах каждого диапазона (тенор, сопрано и т.д.) голоса разнятся по характеру на
несколько категорий. Скажем, применительно к тенору различают лирический, лирикодраматический и драматический. Эти градации в пределах одного диапазона связаны не
столько со звуковысотными пределами, сколько с определенным характером
исполняемых партий, другими словами, с амплуа певца.
Большинство по-настоящему выдающихся певцов были и прекрасными актёрами,
умевшими не только в условиях оперной сцены, но и на концертной эстраде, без грима и
костюма, лаконичными средствами передать образную сторону исполняемой музыки,
точно выбрать, какие краски необходимы для воплощения данного произведения.
На этом наша встреча подошла к концу. Я желаю, чтобы эти прекрасные голоса
сопровождали вас всю дальнейшую жизнь и дарили радость от прикосновения к Музыке.
5.Список музыкальных фрагментов
1.Куплеты Мефистофеля из оперы Гуно «Фауст» исп. Федор Шаляпин.
2.Ария Ивана Сусанина из оперы М. Глинки «Жизнь за царя» исп.
Евгений Нестеренко.
3. Ария Онегина из оперы П.Чайковского «Евгений Онегин» исп.
Дмитрий Хворостовский.
4. Ария Герцога из оперы Д.Верди «Риголетто» исп. Лучано Паваротти.
5. 3 песня Леля из оперы Н.Римского- Корсакова «Снегурочка» исп. Ирина
Архипова.
6. Опера Ж.Бизе «Кармен», Хабанера, исп. Тамара Синявская.
7. Сцена письма Татьяны из оперы П.Чайковского «Евгений Онегин» исп.
Галина Вишневская.
6.Список литературы и ссылки
И.Кочнева А.Яковлева «Вокальный словарь»(Изд.№ 2)
А.П. Иванов Искусство пения. — М.: Голос-пресс, 2006. — С. 37. — 436 с. — ISBN 57117-0124-х
Гусев А. И. Евгений Нестеренко: Творческий портрет. — М.: Музыка, 1980.
Котляров Ю., Гармаш В. Летопись жизни и творчества Ф. И. Шаляпина. В 2-х книгах.. —
Л.: Музыка, 1985. — 15 000 экз.
Вишневская Г. П. «Галина», М.: Вагриус, 2006 — ISBN 5-9697-0281-1
Новая Российская энциклопедия: в 12 т. / Редкол.: А. Д. Некипелов, В. И. ДаниловДанильян, В. М. Карев и др. — М.: ООО «Издательство „Энциклопедия“» Т. 2 А — Баяр,
2005. — 960 с.: ил.
Большая советская энциклопедия
Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и 4 доп.). — СПб.,
1890—1907.
Русскоязычный сайт Дмитрия Хворостовского
Тамара Синявская на сайте Большого Театра
Приложение 2
Лекция – концерт
«Жизнь и творчество русского композитора А.С. Даргомыжского»
Содержание
Вступление
Жизненный и творческий путь
1. Детство и годы учения
2. Знакомство с М.И.Глинкой
3. Первые оперы Даргомыжского.
4. Поездка за границу в 1844 году
5. Опера «Русалка»
6. Опера «Каменный гость»
Список литературы
Вступление
«Хочу, чтобы звук прямо выражал слово; хочу правды»...
Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869) - продолжатель русской музыкальной
классики. Если наследие Глинки олицетворяет собой целостный облик русского
музыкального искусства в пору первого расцвета, то творчество Даргомыжского
открывает новые его стороны, которые еще не развились у Глинки, но получили
первостепенное значение в русской музыке второй половины XIX века.
С творчеством А.С. Даргомыжского в русскую музыку вошли новые художественные
образы, новые идеи. В них утверждалось направление критического реализма. В музыке
первым представителем такого направления стал Даргомыжский, выразитель мыслей
нового поколения. Он разоблачал средствами своего искусства несправедливость
современного общества. Композитору приходилось вести борьбу за утверждение своих
творческих принципов. Главный из них - стремление к жизненной правде, реализму,
достоверности изображаемых человеческих типов. И сами эти типы были новы, необычны
для музыки - русские крестьяне, солдаты, мелкие чиновники, - люди забитые и
униженные.
Для воплощения таких образов требовались особые средства музыкальной
выразительности. Таким средством стал для Даргомыжского речитатив. Близкий к живой
разговорной речи, он позволил композитору создать целую галерею музыкальных
портретов различных человеческих типов. Такая новизна музыкального языка не совсем
была понятна. И, выдерживая яростные нападки противников, композитор выразил свои
творческие устремления. Через всю жизнь пронёс он эту творческую установку. И когда
на склоне лет встретился с новым поколением русских музыкантов, то стал для них
«великим учителем музыкальной правды».
Жизненный и творческий путь.
1.Детство и годы учения.
/слайд №1 – портрет А.С. Даргомыжского/
Александр Сергеевич Даргомыжский – знаменитый русский композитор. Родился 14
февраля 1813 года в селе Троицкое Тульской губернии. Отец его, Сергей Николаевич,
служил в коммерческом банке. Мать, урожденная княжна Мария Борисовна Козловская,
была хорошо образована, её стихи печатались в журналах.
Ранние детские годы будущего композитора прошли в имении родителей в Смоленской
губернии. В 1817 году семья переехала в Петербург. Несмотря на скромный достаток,
родители дали своим детям хорошее домашнее воспитание и образование.
В семье Даргомыжских все любили музыку и играли, что способствовала раннему
развитию музыкальных способностей мальчика. Один из братьев Даргомыжского
прекрасно играл на скрипке, участвуя в камерном ансамбле на домашних вечерах; одна из
сестер хорошо играла на арфе и сочиняла романсы. В этой культурной семье часто бывали
известные в то время литераторы, музыканты, и дети принимали активное участие в
литературно-музыкальных вечерах.
До 5 лет Даргомыжский вовсе не говорил, и его поздно сформировавшийся голос
остался навсегда писклявым и хрипловатым, что не мешало ему, однако, впоследствии
трогать до слез выразительностью и художественностью вокального исполнения.
Образование Даргомыжский получил домашнее, но основательное: он прекрасно знал
французский язык и французскую литературу. В 6 лет стал учиться играть на фортепиано.
Его учитель – Адриан Трофимович Данилевский – известный музыкант и педагог.
Александр Сергеевич делал большие успехи в занятиях. Одновременно он сочинял
различные произведения. Но его новый учитель преследовал и даже уничтожал его
сочинения. Он считал неприличным для русского дворянина заниматься сочинительством
и полагал, что ученик мог бы лучше употребить свое время на заучивание фортепианного
урока. Учился Даргомыжский и пению, и скрипичной игре, участвуя с 14-летнего возраста
в квартете.
/слайд №2 – портрет А.С.Даргомыжского/
В 20 лет Даргомыжский был уже известен в Санкт-Петербурге, как «сильный пианист»
и композитор. «На 18-ом и 19-ом году, - пишет Даргомыжский, - написано было мною,
конечно не без ошибок, множество блестящих сочинений для фортепиано и скрипки, 2
квартета, кантаты и множество романсов». («Дева и роза», «Каюсь, дядя», «Ты
хорошенькая», «Баба старая» и др. – мало отличающихся от стиля романсов Верстовского,
Алябьева, Варламова, с примесью французского влияния).
2. Знакомство с Глинкой.
В 1827 году началась работа А.С. Даргомыжского в канцелярии. Он быстро
продвигался по службе и в 1829 году становится коллежским регистратором. Закончил
службу в 1843 году, выйдя в отставку титулярным советником.
/слайд №3 – портрет М.И.Глинки/
Существенным фактом в биографии композитора явилось его знакомство в 1833 году с
М.И. Глинкой, который уже готовил к постановке на сцене оперу «Жизнь за царя». Это
знакомство заставило Даргомыжского серьезней относиться к своему дарованию.
Несмотря на разницу лет, оба талантливых композитора скоро сблизились друг с другом и
затем, в течение 22 лет, оставались в самых дружеских отношениях. Общение друзей
заключалось так же и в совместном музицировании. Они проигрывали и разбирали
лучшие произведения музыкальной классики.
В середине 30-х годов Даргомыжский уже известный композитор, автор многих
романсов, песен, фортепианных пьес, симфонического произведения «Болеро». Ранние
романсы его ещё близки к типу салонной лирики или городской песни, что бытовала в
демократических слоях русского общества. Заметно в них и влияние Глинки.
В исполнении ученицы вокального отделения звучит «Колыбельная песня» на стихи М.Я.
Глинка передал Даргомыжскому привезенные им из Берлина от профессора Дена
теоретические рукописи, которые содействовали расширению его знаний в области
гармонии и контрапункта; тогда же он принялся и за изучение оркестровки. Успех оперы
Глинки «Жизнь за царя» внушил Даргомыжскому желание также сочинить оперу.
3. Первые оперы.
/слайд №4 – иллюстрация к книге Гюго «Собор Парижской Богоматери»/
Успех оперы Глинки «Жизнь за царя» внушил Даргомыжскому желание также
сочинить оперу. Он начал было писать «Лукрецию Борджиа», но скоро бросил и
принялся за «Эсмеральду» (на сюжет и либретто В. Гюго из его романа «Собор
Парижской Богоматери»). «Эсмеральда», остающаяся неизданной (рукописная партитура,
клавираусцуг, автограф Даргомыжского, хранятся в центральной нотной библиотеке
Императорских театров в Петербурге; нашелся в нотах Даргомыжского и
литографированный экземпляр 1-го действия), - произведение слабое, несовершенное, не
могущее идти в сравнение с «Жизнью за царя».
Но в нем уже обнаружились особенности Даргомыжского: драматизм и стремление к
выразительности вокального стиля, под влиянием знакомства с сочинениями Мегюля,
Обера и Керубини. Поставлена была «Эсмеральда» только в 1847 г. в Москве и в 1851 г. в
Петербурге. «Вот эти-то восемь лет напрасного ожидания и в самые кипучие годы жизни
легли тяжелым бременем на всю мою артистическую деятельность», - пишет
Даргомыжский.
До 1843 г. Даргомыжский состоял на службе, сначала в контроле министерства двора,
потом в департаменте государственного казначейства; затем он всецело посвятил себя
музыке.
Он занялся сочинением романсов, которые были изданы в 1844 году и доставили ему
почетную известность.
В исполнении учеников вокального отделения звучат романсы «Шестнадцать лет» на
стихи Дельвига, «Я вас любил» и «Ночной зефир» на стихи А.Пушкина.
В 1843 году была написана кантата «Торжество Вакха» на стихи А.С.Пушкина, в 1848
году переделанная в оперу-балет.
4. Поездка за границу в 1844 году
В 1844 году Даргомыжский уехал за границу, в крупные музыкальные центры Берлин, Брюссель, Вену, Париж. Главной целью путешествия был Париж - признанный
центр европейской культуры, где молодой композитор мог бы удовлетворить свою жажду
новых художественных впечатлений. Там он знакомит европейскую публику со своими
сочинениями. Здесь же познакомился с выдающимися европейскими композиторами и
музыкальными деятелями, такими, как Обер, Галеви, Мейербер, и директором
Брюссельской консерватории Фетисом. Эта поездка – второй существеннейший факт его
жизни. Доселе ревностный поклонник французской культуры, Даргомыжский вернулся
домой «истым патриотом», - он привез, подобно Глинке, горячее желание создать
русскую национальную оперу.
Одно из лучших произведений того времени является лирическая исповедь «И скучно,
и грустно» на стихи Лермонтова. В этом романсе передаётся глубокое горестное чувство.
Поездка за границу сыграла большую роль в формировании Даргомыжского как
художника и гражданина.
Отзывы заграничной печати по поводу исполнения сочинений Даргомыжского на
частных собраниях в Вене, Париже и Брюсселе содействовали некоторой перемене
отношения к Даргомыжскому дирекции театров.
/слайд №5 – портрет А.С.Пушкина/
После поездки композитор углубляется в изучение сборников народной поэзии, песен,
этнографических исследований. Он обращается к трагедии А.С.Пушкина «Русалка».
Работа над оперой, под влиянием неудач, продвигалась очень медленно. Добившись
постановки оперы «Эсмеральда», она быстро сошла со сцены. Опера «Торжество Вакха»
совсем не была принята дирекцией театра. Даргомыжский снова замкнулся в круг своих
поклонников, продолжая сочинять вокальные ансамбли и романсы, тогда же изданные и
сделавшиеся популярными. Кроме того, он давал уроки пения. Число его учеников и в
особенности учениц (он давал уроки бесплатно), огромно. Он полушутя говаривал: «Не
будь на свете певиц – не стоило бы быть и композитором».
5. Опера «Русалка».
Новый импульс творчеству Даргомыжского дал шумный успех грандиозного концерта
из его сочинений, устроенного в Петербурге в зале Дворянского собрания 9 апреля 1853
г., по мысли князя В.Ф. Одоевского и А.Н. Карамзина. Принявшись вновь за «Русалку», в
1855 году композитор ее закончил. 4 мая 1856 опера года поставлена в Мариинском
театре Санкт-Петербурга.
По жанру "Русалка" - лирико психологическая бытовая драма. В центре оперы трагическая судьба крестьянской девушки Наташи и её отца (мельника), обманутых
Князем.
Автор с любовью рисует портреты главных героев. Музыкальный образ Наташи
окрашен в лирические тона; вокальная партия построена на мягких, распевных
интонациях, напоминающих городскую бытовую песню. Перед зрителем предстаёт
искренняя, любящая девушка. После измены Князя она с горя бросается в реку, и во
второй половине действия это уже другая Наташа - Русалка, царица Днепра, которая
мстит своему обидчику.
/слайд №6 – Ф.И.Шаляпин в роли Мельника/
Партия отца героини, добродушного старика, не лишённого чувства юмора, основана
на народно бытовых интонациях. Потеряв дочь, он сходит с ума, и те же самые
интонации, но уже в изменённом виде звучат жутковато.
В записи звучит ария Мельника в исполнении Ф.И.Шаляпина.
/слайд №7 – Князь и Наташа/
Образцом новаторского письма Даргомыжского является дуэт Князя и Наташи. Музыка
развивается непрерывно. Смену душевных состояний передают смена темпа и ритма,
оркестровой фактуры, тональные отклонения и модуляции. Образ Наташи раскрывается в
новом плане, раскрывается страстность и глубина ее натуры в противоположность образу
Князя – эгоистичному и безвольному. Музыка точно и тонко передаёт психологические
нюансы, например показную нежность Князя к Наташе или внезапные проблески
сознания у мельника.
В записи звучит Дуэт Князя и Наташи.
Драматическую линию сопровождают хоровые сцены. Первое действие, например,
включает цикл из трёх песен, которые поют крестьяне, - лирической протяжной "Ах, ты,
сердце", более подвижной "Заплетися, плетень" и плясовой "Как на горе мы пиво варили".
В основу оперы легла русская народная песня. Новое в «Русалке» - её драматизм,
комизм (образ Мельника) и яркие речитативы.
Опера выдержала до 1861 г. всего 26 представлений, но возобновленная в 1865 г. с
Платоновой и Комиссаржевским, имела огромный успех и с тех пор сделалась
репертуарной и одной из любимейших из русских опер. В Москве «Русалка» поставлена
впервые в 1858 г. Первоначальный провал «Русалки» подействовал на Даргомыжского
удручающе; по рассказу его приятеля, В.П. Энгельгардта, он намеревался сжечь
партитуры «Эсмеральды» и «Русалки», и только формальный отказ дирекции выдать эти
партитуры автору, якобы для исправления, спас их от уничтожения.
/слайд №8 – портрет А.С.Даргомыжского/
В период, непосредственно следующий за «Русалкой», Даргомыжский создает свои
наиболее замечательные и характерные вокальные композиции: драматическую песню
«Старый капрал», комическую песню «Червяк», балладу «Палладин», романсы – «Мне
все равно», «Мне грустно», «Расстались гордо мы» и ироничную краткую повесть
«Титулярный советник». Эти вокальные пьесы были новым шагом вперед в истории
русского романса после Глинки и послужили образцами для вокальных шедевров
Мусоргского, написавшему на одном из них посвящение Даргомыжскому – «великому
учителю музыкальной правды».
/слайд №9 – портрет М.П.Мусоргского/
В исполнении учеников звучат романсы «Мне грустно» на стихи М.Лермонтова и
«Расстались гордо мы» на стихи В.Курочкина.
К этому же периоду относятся его оркестровые фантазии: «Малороссийский казачок»,
«Баба-Яга», «Чухонская фантазия».
В биографии последующего периода существенными являются два факта: вторичное
путешествие в Европу (1864-65 года), где Даргомыжский сумел с успехом
продемонстрировать свою музыку перед заграничной публикой, и затем – сближение с
содружеством «Могучей кучки», наиболее прогрессивной группой музыкантов того
времени.
/слайд №10 – «Могучая кучка»/
6. Опера «Каменный гость».
/слайд №11, 12 – эскизы декораций к опере «Каменный гость» /
Вскоре по возращении из-за границы, Даргомыжский приступил к составлению своего
важнейшего произведения – оперы «Каменный гость», написанная на текст одной из
«маленьких трагедий» Пушкина. Эта опера явила собой необычайно смелый творческий
поиск. Вся она написана речитативом, в ней нет ни одной арии и лишь две песни - будто
островки среди речитативных монологов и ансамблей.
В записи звучит ария Лауры в исполнении Т.И.Синявской.
/слайд №13 – портрет А.С.Даргомыжского/
Не останавливала творчества и болезнь Даргомыжского. В последние недели он писал,
лежа в постели, карандашом. В течение нескольких месяцев опера была почти закончена.
5 января 1869 года композитор умер. Смерть помешала дописать музыку лишь к
последним 17 стихам. По завещанию Даргомыжского докончил «Каменного гостя»
Ц.Кюи; он же написал вступление к опере, заимствовав из нее тематический материал, а
оркестровал оперу Н.А.Римский-Корсаков. Стараниями друзей опера была поставлена в
Санкт-Петербурге на сцене Мариинского театра 16 февраля 1872 года.
Значение «Каменного гостя», завершающего реформаторские идеи Даргомыжского,
несомненно. В опере композитор, как и Вагнер, стремится осуществить синтез драмы и
музыки, подчиняя музыку тексту. Музыка течет непрерывно, без всяких повторений.
Достигнуто это отказом от симметричных форм арий, дуэтов и прочих закругленных
ансамблей. Даргомыжский сосредоточил музыкальную выразительность на вокальных
партиях. Он создал вокальный стиль, лежащий между кантиленой и речитативом, особый
певучий или мелодический речитатив. В этом вокальном стиле и заключается заслуга
композитора.
/слайд №14 – «Некрополь мастеров»/
Даргомыжский всю свою жизнь неуклонно и с необычайным своеобразным талантом
вел вперед вокальную романсовую и оперную музыку и довел её до высокой степени
правды и совершенства выражения.
Заключение.
Роль Даргомыжского в истории русской музыки очень велика. Продолжив начатое
Глинкой утверждение в русской музыке идей народности, реализма, он своим
творчеством предвосхитил достижение последующих поколений русских композиторов
XIX века - членов «Могучей кучки» и П.И.Чайковского.
Творчество Даргомыжского, одного из первых классиков русской национальной
композиторской школы, ознаменовало наступление поры блестящего расцвета и полной
зрелости русского музыкального искусства. Его бессмертные творения остаются
высокими образцами национальной и мировой музыкальной культуры.
Художественные новаторские достижения Даргомыжского нашли своё продолжение в
современной музыке: созданный им жанр оперы - народной бытовой музыкальной драмы,
его метод социально заострённых и психологически разработанных характеристик, новые
формы «союза» музыки и слова, оперы и драмы. С вокальным творчеством
Даргомыжского связаны многие новаторские черты опер Прокофьева и Шостаковича, а
также камерной вокальной музыки различных советских композиторов.
Историческое значение Даргомыжского в русской музыке определяется богатством
жизненного содержания и художественной свежестью его произведений, тем вкладом,
который он внес в русское музыкальное искусство первой половины XIX века.
Как верно писал В. В. Стасов, «Даргомыжский во всю жизнь Глинки был постоянно
достойным его товарищем и художественным спутником. После смерти Глинки он еще
более сблизился с ним по духу и, несомненно, для потомства будет иметь нераздельное с
ним значение». Композиторская деятельность Даргомыжского заключала в себе
существенные предпосылки нового подъема русской музыкальной культуры,
наступившего в 60-70-е годы. Представители молодого поколения - балакиревцы и
Чайковский - еще более расширили и углубили реалистические творческие принципы
Глинки и Даргомыжского. В своих громадных достижениях - в том числе в развитии
драматических типов оперы, лирических и характерных жанров камерной вокальной
музыки, ариозного и речитативного вокального письма - они опирались не только на
творчество Глинки, но и на художественные открытия Даргомыжского, которые явились
«новым словом» в истории русского музыкального реализма того времени.
В сочинениях последних лет Даргомыжский предстает художником нового времени эпохи 60-х годов, и многое роднит его музыку с произведениями композиторов «Могучей
кучки» и Чайковского. Этому сближению способствовала прогрессивность творческих
позиций Даргомыжского, свойственное ему чувство нового, перспективность его
новаторских стремлений и исканий, развивавшихся в русле русского реалистического
искусства середины XIX века. Справедливая оценка художественных достижений
композитора заключена в отзыве Мусоргского о Даргомыжском как о «великом учителе
музыкальной правды». На нотах одной из своих песен, посвящённых Даргомыжскому,
Мусоргский сделал следующую надпись: «Великому учителю музыкальной правды».
Список литературы
- Пекелис М. С. Даргомыжский и его окружение. Т. 1—3. — М.: 1966—1983.
- Медведева И. А. Александр Сергеевич Даргомыжский. (1813—1869). — М., Музыка,
1989. — 192 с., вкл. (Русские и советские композиторы). — ISBN 5-7140-0079-X.
- Самоходкина Н. В. Оперный стиль А. С. Даргомыжского : Учебное пособие. — Ростов
н/Д: Издательство РГК им. С. В. Рахманинова, 2010. — 80 с. — (Библиотека методической
литературы).
- «Анализ вокальных произведений». О.П.Коловский. Изд. «Музыка», Ленинград, 1988 г.
- «Музыкальная литература». В.Н.Владимиров. С.Б. Оксер. Государственное музыкальное
издательство. М.1956 г.
- «Русская музыка XIX века». Л.С. Третьякова. Изд. «Просвещение». М. 1982 г.
- «Русская хоровая литература (Очерки)». С.В.Попов. Государственное музыкальное
издательство. М. 1963 г.
- «Хоровая литература». И.М.Усова. Изд. « Музыка», М.1976 г.
- Левашёва О., Келдыш Ю., Кандинский А. История русской музыки. Том 1. Изд.
«Музыка», Москва. 1972 г.
- Мархасев Л. «Серенада на все времена». Книга о русском романсе и лирической песне.
Ленинград.1988 г.
- Страницы истории русской музыки. Статья Беляновой Г. Основные закономерности
формообразования в опере Даргомыжского «Каменный гость». М., «Музыка». 1973 г.
Ссылки
- Даргомыжский Александр Сергеевич — статья из Большой советской энциклопедии
- Даргомыжский // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и 4
доп.). — СПб., 1890—1907.
- Биография Даргомыжского на сайте Музыкальный справочник
Музыкальные фрагменты
- «Колыбельная песня»муз.А.Даргомыжского, сл. М.Я.
- «Шестнадцать лет» муз.А.Даргомыжского, сл. Дельвига
- «Я вас любил» муз.А.Даргомыжского, сл. А.Пушкина
- «Ночной зефир» муз.А.Даргомыжского, сл. А.Пушкина
- ария Мельника из оперы «Русалка»в исполнении Ф.И.Шаляпина
- Дуэт Князя и Наташи из оперы «Русалка»
- «Мне грустно» муз.А.Даргомыжского, сл. М.Лермонтова
- «Расстались гордо мы» муз.А.Даргомыжского, сл. В.Курочкина
- ария Лауры из оперы «Каменный гость» в исполнении Т.И.Синявской.
Приложение 3
Литературно-музыкальная композиция
в рамках
лектория для учащихся вокального отделения
Тема:
Лермонтов и музыка
Содержание
1.Литературно-музыкальная композиция
2.Список музыкальных произведений
3.Список литературы и ссылок
4.Видеопрезентация
(Слайд №1 - портрет Лермонтова.)
Сцена погружена в полумрак. Лишь слабое мерцание свечи на столике у авансцены
освещает фигуру чтеца. Он перелистывает книгу, затем прислушивается к звукам
музыки, долетающим из-за кулис.
(Звучит Ноктюрн ми бемоль мажор Шопена.)
Старый московский дом на Малой Молчановке, который занимала Елизавета
Алексеевна Арсеньева со своим внуком Мишей Лермонтовым, угомонился и затих.
Узкий и темный коридор, куда выходили господские спальни, был погружен в
сонную тишину.
В конце коридора при слабом свете ночника дремал старый слуга.
Если бы он подошел сейчас к спальне 16-летнего воспитанника Благородного
пансиона и прильнул к двери, то услышал бы характерный скрип гусиного пера, шорох
бумаги и невнятное бормотание, из чего совершенно резонно бы заключил, что юный
Мишель опять сочиняет. Но спит, примостившись в глубоком кресле, усталый слуга, и
чадит, догорает лампада. Спит старый барский дом. Спит его строгая хозяйка. Никто не
помешает в эту ночь поэту…
А он сидит в каком-то сладостном оцепенении перед листком исписанной
бумаги и в который уже раз вспоминает прошедший вечер. И даже не весь вечер, а лишь
тот час, когда в компании друзей по Благородному пансиону слушал знаменитого
гитариста Михаила Высоцкого…
(Звучит «Фантазия » для гитары Иванова-Крамского (в записи)
...Взяв в руки листок со стихами, Лермонтов задумался. Сумел ли он, хотя бы
отчасти, выразить те неожиданные, сильные и неведомые прежде чувства, которые
пробудила в нем игра знаменитого виртуоза...
Что за звуки! Неподвижен внемлю
Сладким звукам я,
Забываю вечность, небо, землю,
Самого себя.
Всемогущий! Что за звуки! Жадно
Сердце ловит их,
Как в пустыне путник безотрадной
Каплю вод живых!
И в душе опять они рождают
Сны веселых лет
И в одежду жизни одевают
Все, чего уж нет.
Принимают образ эти звуки,
Образ милый мне;
Мнится, слышу тихий плач разлуки
И душа горит в огне...
(«Что за звуки! Неподвижен внемлю».)
(Музыка, звучавшая на фоне стихов, постепенно затихает.)
Оплывшая свеча на столе, да пустые, словно вымершие улицы за окном
показывали, что время перевалило далеко за полночь. Но юному поэту не спалось. Он
думал о том, как велика власть музыки над душами людей, - власть, перед которой
бессильна воля всех монархов и диктаторов. Недаром античные философы видели в
музыке «венец всех искусств»: ведь ей доступна и красочная образность живописи и
философская глубина поэзии. Поэты – те же переводчики, только они знают, как
немыслимо трудно перевести богатейший и неуловимый язык чувств на ограниченный
язык слов и понятий.
Что за звуки! Жадно
Сердце ловит их,
Как в пустыне путник безотрадной
Каплю вод живых!
...С какой же поры сердце поэта стало жадно ловить эти звуки? Да чуть ли не с
детства.
(Слайд №2 - портрет Лермонтова в детстве.)
«Когда же мне было три года, - вспоминал поэт, - то была песня, от которой я
плакал: теперь я не могу вспомнить, но уверен, что если бы услыхал ее, она произвела бы
прежнее действие. Ее пела мне, помнится, покойная мать»...
Если сегодня мы перечитаем стихи, дневники и письма Лермонтова, то увидим,
как велика была роль музыки в творческой судьбе поэта.
(Слайд №3 – имение в Тарханах.)
С самого раннего детства он слышал множество песен. И в Тарханах – имении
бабушки, где прошли первые тринадцать лет жизни поэта, и в имениях ее братьев в
Саратовской и Симбирской губерниях, куда бабушка приезжала вместе с внуком.
Как богат и щедр на песню русский человек! И какое в них великое
разнообразие: песни колыбельные и хороводные, плясовые и любовные, протяжные и
величальные, а еще ямщицкие, солдатские, разбойничьи...
Пели в народе и старинные песни про татарский полон, про Ивана Грозного, про
казацкого атамана Степана Разина.
И вот в тетрадях Лермонтова стали появляться такие стихи, как «Атаман»,
созданные на основе народных песен о Степане Разине, и поэтическая обработка песни
«Про татарский полон», «Русская песня», «Русская мелодия», «Грузинская песня» (с
припиской 15-летнего поэта: «Что-то подобное слышано мной на Кавказе»).
Точно так же была создана и «Казачья колыбельная песня». Эти стихи
Лермонтов написал в станице Червленой на Тереке, вдохновленный пением молодой
казачки...
(Звучит «Казачья колыбельная песня» в исполнении ансамбля вокалистов)
Эта песня вернулась в народ и долго еще пелась в станицах терских казаков в
том неизменном виде, в котором она вышла из-под пера поэта. А это верный признак того,
что Лермонтов остался верен стилю и самому духу народных песен.
Наиболее полно музыкальные склонности поэта проявились в годы учения в
Благородном пансионе при Московском университете. Здесь он обучается игре на
скрипке, фортепиано и флейте, знакомится с произведениями Бетховена, Вебера,
Керубини, Алябьева. Особенно покорила поэта титаническая бетховенская музыка.
(Слайд №4 - портрет Бетховена)
Через несколько лет после окончания лицея,описывая в «Панораме Москвы»
вид Кремля с колокольни Ивана Великого, Лермонтов сравнит звон колоколов с «чудной,
фантастической увертюрой Бетховена, в которой густой рев контрабаса, треск литавр, с
пением скрипки и флейты, образуют одно великое целое... О, какое блаженство внимать
этой неземной музыке, взобравшись на самый верхний ярус колокольни Ивана Великого и
думать, что весь оркестр гремит под вашими ногами, и воображать, что все это для вас
одних, что вы царь этого невещественного мира...
(Звучит 1часть 3-й симфонии Бетховена. Слайд №5 – колокольня Иванв Великого.)
Тонкая музыкальность поэта проявилась в особом строе его стихов, в их
певучих интонациях и богатой ритмике. А как глубоко и верно чувствовал Лермонтов
выразительные возможности каждого звука родной речи!
Стихотворение «Русалка», к примеру, построено с опорой на сонорные, самые
певучие согласные – л, н и р.
Русалка плыла по реке голубой,
Озаряема полной луной;
И старалась она доплеснуть до луны
Серебристую пену волны.
Эта аллитерация, словно музыкальное созвучие, проходит через все строфы
стихотворения, придавая ему лирически смягченную звучность и таинственноприглушенный колорит.
Совсем иные образы вызывает фонетический строй стихотворения «Бородино».
(Слайд №6,7,8- картины Бородинской битвы)
Тембр и тональность создаются насыщением стиха звуками З,Р,Т,Ж. Тончайший
поэтический слух позволяет Лермонтову не просто рассказать о Бородинской битве, но
воссоздать ее реальный звуковой образ.
Поэт Андрей Белый отметил, что «Бородино» построено по музыкальному
принципу – через все стихи «явно проходят две темы: описание мужества русских
сопровождает звук А, а французы представлены звуком У; далее начинаются чудесные
схватки звуков, тончайшая звуковая нить создает изысканный контрапункт»…
Звучал булат, картечь визжала
Рука бойцов колоть устала,
И ядрам пролетать мешала
Гора кровавых тел.
………………………
У наших ушки на макушке!
Чуть утро осветило пушки
И леса синие верхушки –
Французы тут как тут.
Забил снаряд я в пушку туго
И думал: угощу я друга!..
(Звучит русская народная песня «Бородино»в исполнении хора мальчиков)
(Слайд №9 - портрет Лермонтова)
И в разговорной речи, и в стихах для поэта важен не только смысл слова, но и
его интонация.
Причем интонация часто оказывается более значимой, чем сами слова…
Есть речи – значенье
Темно иль ничтожно,
Но им без волненья
Внимать не возможно.
Как полны их звуки
Безумством желанья!
В них слезы разлуки,
В них трепет свиданья..
(«Есть речи – значенье»)
Звуковое богатство поэзии Лермонтова и ее музыкальность стала источником
высокого вдохновения для многих поколений русских и советских композиторов.
«Читая всякую строку, вышедшую из-под пера Лермонтова, - писал Белинский, будто слушаешь музыкальные аккорды и в то же время следишь взором за потрясенными
струнами, с которых они сорваны рукой невидимой.. Свежесть благоухания,
художественная роскошь форм, поэтическая прелесть и благородная простота образов,
энергия, могучесть языка, алмазная крепость и металлическая звучность стиха, полнота
чувства, глубокость и разнообразие идей, необъятность содержания – суть родовые
характеристические приметы поэзии Лермонтова и залог ее будущего великого
развития»…
Первым из русских композиторов, кто верно уловил и передал дух и смысл
лирики Лермонтова, был его современник Александр Варламов.
(Слайд №10 - портрет А.Варламова.)
В его «лермонтовских » романсах – искренних, ярких и взволнованных –
ощущался мятежный порыв, жажда действий, борьбы.
С особенной полнотой это проявилось в романсе «Парус», где достигнуто
полное единение поэзии и музыки…
(Звучит романс А.Варламова «Парус» в исполнении ученицы вокального отделения.
Слайд №11,12,13 - паруса, море.)
Новое, более широкое понимание личности поэта и образного мира его поэзии
проявилось в творчестве Даргомыжского. Композитор первым обратился к воплощению
социально-филосовской лирики Лермонтова, к поэзии «обличения и протеста».
(Слайд №14 - портрет А.Даргомыжского.)
…В течение нескольких лет и Даргомыжский и Лермонтов были частыми
гостями в доме Карамзиных в Петербурге, где встречались многие знаменитости русского
артистического мира.
Надолго в памяти посетителей карамзинского кружка остался апрельский вечер
1840 года, когда хозяева и гости провожали Лермонтова во вторую ссылку на Кавказ. Вот
как вспоминает об этом один из современников:
«Друзья и приятели собрались проститься с юным другом своим и тут,
растроганный вниманием к себе и непритворной любовью, поэт, стоя у окна и глядя на
тучи, которые ползли над Летним садом и Невой, написал стихотворение. Когда он
кончил писать, его окружили и попросили прочесть стихи. Поэт оглядел всех грустным
взглядом выразительных своих глаз и задумчиво стал читать: «Тучки небесные, вечные
странники…»
Когда он кончил, глаза были влажны от слез. Тем временем тройка, которая
увозила Лермонтова в ссылку на Кавказ, уже подъехала к подъезду…»
Вскоре после гибели поэта Даргомыжский, как бы вспоминая его проводы в
доме Карамзиных и созданные там стихи, написал свой первый «лермонтовский»
романс…
Одна из замечательных особенностей вокального творчества Даргомыжского
заключалась в обостренно-чутком отношении композитора к поэтическому слову, к
тончайшим нюансам авторской интонации.
«Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды», - провозглашал
Даргомыжский. И мелодии его романсов доносят до нас живой голос Лермонтова, его
дыхание, биение его сердца…
(Звучит романс А.Даргомыжского «Мне грустно» в исполнении ученицы вокального
отделения.)
Идейная направленность творчества Даргомыжского была целиком
унаследована композиторами «могучей кучки» - страстными борцами за народность и
реализм русской музыки. Глава этого союза композитор Балакирев на долгие годы связал
свое творчество с наследием Лермонтова.
(Слайд №15 - портрет М.Балакирева.)
Особенно близкими оказались Балакиреву те стихи поэта, которые воспевали
Кавказ – «край свободы и вольной стихии». Композитора волновала его величественная
природа, яркие и самобытные характеры горцев, их темпераментная музыка.
В своих романсах композитор тонко воспроизводит эмоциональный строй,
особенности национальной мелодики и ритма, а иногда даже пытается воссоздать
звучание народных восточных инструментов.
(Звучит романс Балакирева «Песня Селима»(в записи). Слайд №16,17 - виды Кавказа.)
(Слайд №18 - портрет Лермонтова.)
Лермонтовская лирика вдохновлялаБалакирева и Чайковского, РимскогоКорсакова и Аренского, Рубинштейна и Рахманинова.
Поэтическое слово Лермонтова было так притягательно для композиторов, что
многие из его стихов перекладывались на музыку по нескольку десятков раз. Так,
например, известно более тридцати песен на стихи «Казачьей колыбельной», 25 романсов
написано на стихи «Слышу ли голос твой», 22 романса на стихи «Нет, не тебя так пылко я
люблю» и «После разлуки твой портрет…»
При жизни поэта были опубликованы лишь немногие из его стихов, да и то
малыми тиражами. Но по закону большой поэзии они проникли в самую глубь народной
среды. Там стихи Лермонтова обретали новую жизнь – передаваясь из поколения в
поколение, многие из них превращались в песни.
Широкую известность получили в народе «Бородино», «Казачья колыбельная»,
«Выхожу один я на дорогу».
В этих песнях отразился такой образ поэта, который может подсказать лишь
любящее сердце…
(Звучит романс «Выхожу один я на дорогу», муз. Е.Шашиной (в записи).)
2.Список музыкальных произведений
1. Иванов-Крамской «Фантазия » для гитары
2.Шопен. Ноктюрн ми бемоль мажор
3. Русская народная песня «Казачья колыбельная песня»
4.Бетховен Симфония №3, 1часть
5. Русская народная песня «Бородино»
6. А.Варламов «Парус»
7. А.Даргомыжский «Мне грустно»
8.М.Балакирев «Песня Селима»
9.Е.Шашина «Выхожу один я на дорогу»
3.Список литературы и ссылок
Андроников И. Музыкальность Лермонтова. – «Советская музыка», 1964, №10.
Лермонтов М.Ю. Собр. Соч. в 4-х томах. М. – Л., 1961.
Паустовский К.Т. Разливы рек. М., 1965.
Раввинова-Бас Л. Музыку он любил с детства. – «Музыкальная жизнь», 1961, №3.
Эйгес И. Музыка в жизни и творчестве М. Ю. Лермонтова. – «Литературное
наследство», т. 45-46.
4.Видеопрезентация
Слайд №1 – портрет Лермонтова.
Слайд №2 – портрет Лермонтова в детстве.
Слайд № 3- имение Тарханы.
Слайд № 4- портрет Л. ван Бетховена.
Слайд № 5- вид колокольни Ивана Великого.
Слайд № 6, 7, 8 – картины Бородинской битвы.
Слайд № 9- портрет М.Лермонтова.
Слайд № 10- портрет А.Варламова.
Слайд № 11, 12, 13 – парусник, море.
Слайд № 14- портрет А.Даргомыжского.
Слайд № 15-портрет М.Балакирева.
Слайд № 16, 17 – виды Кавказа.
Слайд № 18-портрет М.Лермонтова.