2 . Барокко

2 . Барокко
Противоречивость и полифоничность социокультурных изменений Нового
времени появились в антитезе, противоположности таких направлений
художественной культуры как барокко и классицизм.
Барокко (букв. Странный, причудливый) – стиль искусства, возникающий в
Италии в конце XVI века, характерный для художественной культуры до
конца XVIII века.
Эстетические принципы барокко:
1) единство, синтез реального и фантастического;
2) зрелищность, контрастность, драматизм – ориентация на эмоциональночувственное воздействие и восприятие произведений искусства;
3) декоративность, контрастность, эффектность в сочетании с мотивами
мученичества, экстатичности, экзальтации;
4) масштабность и многоплановость достигаются через слияние видов
искусства, сочетание его различных форм.
В барочной архитектуре преобладают городские и парковые ансамбли,
особую роль играет фасад и планировка зданий, декоративность оформления.
Ведущими представителями барокко были Л.Бернини, Ф.Борролини,
В.Растрелли. Живопись (представленная в работах Караваджо, П.Рубенса,
А.Ван Дейка и др.) пронизана напряженностью, динамизмом, экзальтацией,
элементами мифологического и аллегорического характера. В литературе (
П.Кальдерон, Т.Тассо, Симеон Полоцкий, М.В.Ломоносов) преобладает
возвышенность, художественная образность, эффектность словосочетаний.
На первый план в художественной культуре выдвигаются музыкальнотеатральные жанры – опера,. Оратории, кантаты, пассионы (синтез искусств
проявляется и в области культовой музыки, в творчестве И.С.Баха).
3 . Гиацинт (Иасент) Риго
Французский живописец Иасент Риго родился в Перпиньяне на реке Тет в семье портного
Хусепе Матиаса Пера Рамона Риго. Это был июльский день1659 года, обыкновенный
город. Никто не знал, что новорожденный Иасент когда-то сможет запросто ходить по
богатым королевским апартаментам и быть любимцем его Величества.
Обучение живописи для маленького Риго началось в отцовской мастерской, сначала с
швейного дела, а позже перетекло в уроки настоящего письма. Первым наставником
Иасента стал Пезе, малоизвестный художник из Монпелье. Азбуку рисования мальчик
прошел к двенадцати годам и был готов к следующей творческой ступени. Легкий на
подъем юноша успел побывать в нескольких городах к моменту поступления в Академию
живописи и скульптуры в столице Франции (1681г.). Среди мест, что произвели на Риго
наибольшее влияние, стали Монпелье и Лион. Причем, в первом он прожил четыре года и
имел возможность лицезреть творения фламандской и голландской школ живописи.
Уже к началу «портретной истории» Иасент Риго демонстрировал узнаваемый стиль и
сочную палитру красок. Полотна завораживали спокойствием и какой-то гармоничной
земной простотой. Здесь не было лишних деталей извне. Строгое повествование и
добротность композиции ни в коем случае не подавляли величия персонажей. Причем,
некоторые портреты художник выполнял в гравюрах. Среди ранних работ («Портрет
гравера Пьера Древе» - 1700г., «Филипп де Курсийон» - 1702г., «Портрет Людовика XIV»
- 1701г. и др.) были те, что стали его визитной карточкой для долгого и счастливого
путешествия среди Великих имен Франции.
4. Портрет Людовика XIV
Гиацинт Риго (1659-1743) - один из ведущих портретистов в период царствования
Людовика XIV и Людовика XV. За годы творческой деятельности Риго создал множество
портретов своих современников. В ранних работах мастера заметно влияние Тициана и
Ван Дейка.
«Портрет Людовика XIV» был написан в 1701. Король-солнце представлен стоящим в
полном вооружении на фоне долины, где разворачиваются боевые действия. Белая
развевающаяся ткань, охватывающая талию модели, своими очертаниями напоминает
цветок лилии - геральдический символ Бурбонов. Портрет показывает монарха на
вершине его могущества.
В течение последующих семи лет в мастерской художника с этой работы было сделано
34 копии. Популярность художника была столь велика, что среди европейских монархов
считалось престижным иметь портрет кисти Риго.
5, 6, 7, 8 слайд. Шарль Лебрен
Родился в Париже, в одиннадцать лет по протекции будущего канцлера Франции Пьера
Сегье поступил в ученики к Симону Вуэ. В возрасте пятнадцати лет выполнял заказы
кардинала Ришельё, был замечен признанным мастером Никола Пуссеном, в 1642
отправился вместе с Пуссеном в Рим. Благодаря стипендии от Сегье Лебрён проработал в
Риме, под началом Пуссена, четыре года.
Вернувшись в Париж, Лебрён приобрёл новых влиятельных покровителей, в том числе
суперинтенданта финансов Никола Фуке, по заказу которого был написан портрет Анны
Австрийской, а затем перешёл на службу к кардиналу Мазарини.
Лебрён, его протеже, в 1648 году организовал вновь созданную Королевскую академию
живописи и скульптуры, в 1660 — Мануфактуру Гобеленов, в 1666 — действующую по
сей день Французскую академию в Риме.
Лично руководя и Академией, и промышленными цехами, Лебрён непосредственно
повлиял на вкусы и мировоззрение целого поколения художников, став важнейшей
фигурой «стиля Людовика XIV». Сам король разделял и поощрял искусство Лебрена, в
особенности после триумфальных торжеств 1660 года и завершения интерьеров Во-ЛеВиконт в 1661. В том же году он заказал Лебрёну серию полотен из истории Александра
Македонского; первое же из них принесло художнику дворянство и титул «Первого
королевского живописца» (Premier Peintre du Roi), а также пожизненную пенсию.
Въезд Александра Македонского в Вавилон
Въезд Александра Македонского в Вавилон" - одна из 4 больших по размеру картин,
которые были написаны между 1661 и 1673 годами и посвящены походам Александра
Македонского. Художник, директор Академии искусств при Луи XIV, завершил эту
картину в 1665 году. Стоя на колеснице, запряженной слоном, Александр триумфально
въезжает в великолепный Вавилон - так об этом событии 331 года до Р.Х. гласит легенда.
Картины этой серии несут в себе идею о военном мужестве и добродетели монархии. Они
не писались для кого-либо специально. Лебрен писал эти картины, так как любил
эпический жанр. Пока он не заинтересовался декоративной живописью, делая росписи
Зеркальной галереи Версаля, художник считался прежде всего самым ярким
представителем эпического жанра.
9. Рококо
Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — декоративная раковина, ракушка,
рокайль), реже рококо — стиль в искусстве (в основном, в дизайне
интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время
регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко.
Характерными чертами рококо являются изысканность, большая
декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный
орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим
ситуациям, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль
получил в Баварии.
10 . Рококо в живописи
Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в
придворной жизни. Идейная основа стиля — вечная молодость и красота,
галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление
укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль
рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии,
Германии, России, Чехии и др. Это относится и к живописи, и к другим
видам искусства. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и
Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма
цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. Впервые
черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого
главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к
реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Но в его
картинах явно просматривается и новый стиль. Другой, характерной чертой
того времени, была эротика. Создано много картин, изображающих
обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. Крупнейший представитель
рококо во Франции — Франсуа Буше, работавший в жанре портрета и
пейзажа.
11. Жан-Оноре Фрагонар
1732, Грасс — 22 августа 1806, Париж) — французский живописец и гравёр.
Работал в стиле рококо. Создал более 550 картин (не считая рисунков и
гравюр). В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности;
в его пейзажах природа является слишком переиначенной и приукрашенной;
зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя
умно изобретённой композицией, грациозностью рисунка, изящностью и
деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще
большим вкусом исполнения. К числу известнейших принадлежат: «Урок
музыки», «Пастораль» (амуры указывают отдыхающим под деревом
любовникам на циферблат), «Купальщицы», «Спящая нимфа», «Амур,
снимающий сорочку с красавицы» (La chemise enlevée), «Молодой гитарист»;
«Молодая читательница» в вашингтонской галерее искусства;
«Вдохновение» и «Задвижка» в Луврском музее; «Семейство фермера» и
«Поцелуй украдкой» (Le Baiser à la dérobée) в Эрмитаже; «В отсутствии отца
и матери», «Прятки», «Генрих IV и Габриэль» и «Учёные собаки» — в
разных частных коллекциях.
Из гравюр Фрагонара особенно интересны: «Шкаф» (родители девушки
находят возлюбленного дочери, спрятанного в шкафу, собственная
композиция художника; очень редкий лист), «Обрезание» с Тьеполо,
«Антоний и Клеопатра», с Либери, «Вечеря в Эммаусе» с картины Риччи, и
«Сретение Господне» с картины Тинторетто.
12. «Психея показывает сестрам подарки от Амура»
История Амура и Психеи греческого происхождения, но наиболее известна в изложении
римского писателя II века новой эры - Апулея. Она входит в качестве вставной новеллы в
его знаменитый роман «Метаморфозы» («Золотой осел»).
Психея – в античной мифологии — простая смертная девушка, наделенная красотой,
возлюбленная бога любви Эрота (Амура), которой было даровано бессмертие.
Сюжет этой картины Фрагонар почерпнул из красивого мифа о любви земной девушки
Психеи и бога любви Амура (скорее всего, он познакомился с ним в пересказе
Лафонтена). На полотне мы видим Психею, показывающую сестрам подарки своего
бессмертного возлюбленного. Сестры отчаянно завидуют ей и думают о том, как бы
разбить ее "незаслуженное" счастье.
Легкое дыхание
Уже в начале 70-х годов XVIII века в художественной среде Франции появилось
выражение "написано а ля Фрагонар". Это значит, что почерк художника в это время стал
уже не только узнаваем, но и пользовался успехом у подражателей. Копировать зримую
манеру фрагонаровских галантных сцен было не так уж сложно - пышная, несколько
декоративная растительность, фарфоровые куколки-персонажи, лукавые Купидоны на
заднем плане. Однако внешние декорации - только малая часть того, что мы, называем
стилем Фрагонара. И совсем не в них, по большому счету, дело, а в стремительности,
одухотворенности, в том, что легче холста, красок и даже воздуха. И копировать это
невозможно. Постоянный творческий поиск не давал Фрагонару остановиться на чемнибудь одном - будь то галантная живопись, сентиментальные семейные сценки или
портреты-фантазии. Неизменным оставалось только одно - его "легкое дыхание". Оно
чувствуется во всех лучших работах Фрагонара.
13. Качели
Полноватый румяный франт с искрящимися глазами, остроумный, обаятельный,
неизменно приветливый и веселый, Фрагонар был истинным сыном галантного XVIII
века. Природа наделила его талантом, фантазией и независимым нравом. Художник
прославился, создавая полотна с любовными, изящно-фривольными сценами, блестяще
выразившими изысканность стиля рококо. Тема любви, лиризм и эротичность, нежные
пастельные тона, детали вроде пышных разлетающихся юбок - все это характерно для
стиля рококо - искусства, призванного прежде всего радовать взгляд.
Сюжет этой очаровательной картины, столь характерной для творчества художника,
игриво эротичен. Юная красавица, взлетев на качелях, в самозабвенном упоении
сбрасывает туфельку. Снизу, из-за кустов, девушкой любуется ее возлюбленный.
Картину заказал Фрагонару барон де Сен-Жюльен, известный свободой своих нравов.
Делая заказ, барон оговорил некоторые особенности композиции. Указав на свою
возлюбленную, он сказал художнику: «Меня на холсте поместите так, чтобы мне были
хорошо видны ножки этой прелестницы». Сброшенная с ноги туфелька - блестящая
находка художника. Эта деталь притягивает внимание зрителя и придает динамизм
композиции.
На фоне густой зелени сада движется пышный силуэт розового платья юной
прелестницы; оно вздувается и разлетается от движения качелей. Это коралловое пятно
сияет переливами красочных нюансов. В игре солнечных бликов каменный бог любви
Купидон кажется живым. Прижав палец к губам, он словно просит нас не выдавать
притаившегося в кустах барона. Пьедестал статуи Купидона украшен классическим
рельефом с изображением трех граций, античных богинь красоты. Два обнявшихся амура
верхом на дельфине изящно вторят любовной теме.
14. «Балерина Мари-Мадлен Гюймар».
Картина французского живописца Жана Оноре Фрагонара «Балерина Мари-Мадлен Гюймар».
Французская балерина Мари-Мадлен Гюймар (Marie-Madeleine Guimard) родилась 27 декабря
1743 года в Париже. В возрасте двенадцати лет Гюймар была зачислена в кордебалет труппы
театра «Комеди Франсез». Через три года Гюймар стала выступать в знаменитом театре Опера.
Этот театр считался «приверженцем» устаревших балетных канонов, однако именно в нем
танцовщицу ожидал первый большой успех. Гюймар снискала славу легкостью,
непосредственностью и кажущейся простотой исполнения танцев в балетных спектаклях. С
середины 1760-х годов Гюймар стала признанной «звездой» французского балета: она исполняла
главные партии в операх-балетах «Римские и греческие празднества», «Нинетта при дворе»,
«Кастор и Поллукс», «Капризы Галатеи». Реформатор французского балета Жан Новерр (JeanGeorges Noerre) поставил с Гюймар в 1763 году балет «Медея и Ясон», пользовавшийся большим
успехом у парижской публики.
15. Франсуа Буше
французский живописец, гравёр, декоратор. Яркий представитель художественной
культуры рококо.
Создал многочисленные серии гравюр, иллюстрировал книги Овидия, Боккаччо, Мольера.
Работал во многих видах декоративного и прикладного искусства: создавал декорации для
опер и спектаклей, картины для королевских шпалерных мануфактур; выполнял
орнаментальные росписи изделий севрского фарфора, расписывал веера, исполнял
миниатюры и т. п.
Творчество Буше-живописца исключительно многогранно, он обращался к
аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и
фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи,
портреты.
Буше был удостоен множества почестей, включая звание придворного художника (1765
год). Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур,
частных особняков Парижа. Фаворитка Людовика XV маркиза де Помпадур, которую он
запечатлел на нескольких портретах, была его поклонницей. В последние годы жизни был
директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем
короля»[4]. Лучшие работы Буше отличаются необыкновенным очарованием и
совершенным исполнением.
16. Рождение Венеры
Франсуа Буше любил писать картины на мифологические темы. Картина «Рождение
Венеры» написана по древнегреческим преданиям о Венере и Зевсе.
Из мифов древней Греции считается, что Венера была дочерью Юпитера и Дионы, богини
влаги; по мнению других — родилась из морской пены. Этот сюжет часто изображали
художники. Первыми ее обнаружили океанические нимфы. Она лежала, как в колыбели,
на большой голубой волне, и они отнесли ее в свои коралловые пещеры, где нежно
ухаживали за ней и учили с большим старанием. Когда воспитание Венеры было
завершено, морские нимфы решили, что пришло время представить ее богам, и подняли
ее на поверхность моря, где тритоньи, океаниды и нереиды окружили богиню, громко
восхищаясь ее красотой, и предлагали жемчужины и отборные кораллы, чтобы она могла
себя ими украсить.Потом они уложили ее на большую волну и вверили заботам Зефира,
нежного южного ветра, который и отнес ее на остров Кипр.
17. Завтрак
Картина французского живописца Франсуа Буше «Завтрак». В жанровых сценах в
интерьере художник Буше с большим мастерством не только передает детали
изображаемых будуаров, костюмы персонажей — дам, занятых туалетом и беседой со
служанками, модниц, рассматривающих платья и готовых заняться примеркой нарядов,
расположившихся за столом матерей или гувернанток с детьми, — но и умеет придать
сцене занимательность, объединить всех общим настроением («Завтрак», 1739, Музей
Лувр, Париж; «Дама за туалетом», 1742, Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид; «Модистка»
или «Утро», 1746, Национальная галерея, Стокгольм).
18. Юпитер и Каллисто
В картине "Юпитер и Каллисто" Буше обратился к "Метаморфозам"римского писателя
Овидия, пересказавшего миф о боге Юпитере, который, влюбившись в нимфу Каллисто и
желая ее соблазнить, принял облик богини Дианы. Художник интерпретирует
чувственный эпизод античной мифологии в характерном для рококо поверхностном,
игривом духе. Грациозные, изящные фигурки его античных героинь похожи на
фарфоровые статуэтки.
Нимфа Каллисто была спутницей и подругой богини-охотницы Артемиды (в римской
мифологии — Дианы) . Все спутницы богини, как и сама Диана, должны были хранить
девственность. Зевс (в римской мифологии — Юпитер) , приняв облик Дианы, соблазнил
Каллисто (от их союза родился Аркад) . Узнав об этом, Диана превратила Каллисто в
медведицу. Аркад, который не знал этого, пытался убить на охоте свою мать. Зевс
предотвратил это убийство, превратив Аркада и Каллисто в созвездия Малой и Большой
Медведицы.
19. Рококо в архитектуре
Архитектурный стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715—1723) и
достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней
до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко или, точнее сказать, его
видоизменением, соответствовавшим жеманному, вычурному времени. Он не внёс в
архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не
стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным
образом, достижение декоративной эффектности.
В созданиях архитектуры рококо прямые линии и плоские поверхности почти исчезают
или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом
виде ни один из установленных орденов; колонны то удлиняются, то укорачиваются и
скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и
прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные
кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом;
крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с
помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых
расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые
линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и
другими подобными предметами.
В рококо, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах,
пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо
напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных
такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных
камней (рокайль) и т. п.