Гадамер. Понятийная живопись

реклама
ПОНЯТИЙНАЯ ЖИВОПИСЬ?
ГАДАМЕР Г.
Тому, кто побывал в картинной галерее, где с нзвестной полнотой представлена история современной живописи, например
в парижском Салоне изящных искусств, будет понятно чувство, которое первоначально испытал Гелен, —чувство испуга и
смущения, охватывающее при входе в залы, где висят работы Пабло Пикассо и Хуана Гриса. Что же тут произошло?
Каковы истоки «кубистичсского расчленения формы»? И откуда сила воздействия этих работ, несмотря на неприятное
удивление при их виде, — сила, подобная революции, символизирующей разрыв во времени, с которого как бы начинается
новое летосчисление? Что же такое произошло, что никак не удается забыть? Гелен очень хорошо говорит о призрачной
немоте, которая охватила живопись в постимпрессионистский период. «Картина что-то нам говорит благодаря
устойчивому значению, бла- годаря своему предметному смыслу. Напротив, лишенный смысла орнамент совершенно нем...
Абстрактные картины полностью лишены дара речи, иногда — как в случае с Монд-рианом — от них исходит прямо-таки
гнетущее молчание».
Читая книгу Гелена, чувствуешь, что автор хорошо знает свой предмет. Гелен не ограничивается историкосоциологическим объяснением, сплошь и рядом он берется за рассмотрение вопросов теории искусства, обнаруживая при
этом внушающую уважение осведомленность в со- временной живописи. Эмоциональность, с которой он противостоит
безбрежной комментаторской литературе с характерной для этой последней быстрой сменой поверх- ностных идей,
ассоциаций и аналогий, уступает лишь увлеченности, с которой он держится за наивное пред- ставление, будто
романтическая эстетика гения является альфой и омегой любого эстетического мышления. В связи с этим он, например,
враждебно реагирует на «экспрессионистскую путаницу», в которой усматривает эмоциональную регрессию. Нельзя
сказать, что эта увлеченность ничем не мотивирована и что такой подход угрожает ясности познания. Гелен не стремится
внушить нам ни то, что Эйнштейн и Нильс Бор занимались «объяснением» современной живописи (как поступают те
комментаторы, которые столько же понимают в современной физике, сколько и мы, то есть не понимают ничего), ни то,
что позднебуржуазный, свойственный XIX веку культ гения является вполне адекватным средством для понимания
художественного творчества в современном индустриальном обществе. Очевидно, что это не так, и по двум причинам: вопервых, основанная на понятии гения эстетика по сравнению с художественным мастерством в его действительном
проявлении всегда страдала односторонностью; во-вторых, само художественное творчество в эпоху реактивных
самолетов, массового общества и серийного производства приняло иные формы, чем это было в эпоху почтовых карет и
странствующих ремесленников.
В основе предпринятого Геленом исследования лежит идея возрастающей рациональности изображения. Выбор этой точки
отсчета покоится, по Гелену, прежде всего на методологическом основании. Применимость социологических
представлений возрастает с увеличением внутренней рациональности избранной темы. История живописи развивалась,
утверждает автор, именно в этом направлении. Коннотации, которыми наполнено религиозное искусство, становятся
излишними уже в реалистическом искусстве, поскольку это последнее стремится к простому узнаванию представленного,
как, например, голландский натюрморт. Новая живопись демонстрирует этот чувственный момент, полностью ограничивая
себя «рациональностью глаза». Что конкретно под этим подразумевается, поясняется на примере теории искусства Конрада
Фидлера , который противопоставляет совершенное чувственное освоение вещи функции понятия, господствующей в
практической жизни. После этого Гелен даст превосходный анализ развития новейшей живописи, построенный на
столкновении изображаемого предмета с изобразительной плоскостью. Убедительно выявляется логика такого развития:
конечная победа в этом столкновении остается за изобразительной плоскостью, а предмет подвергается деформации или
даже полному размыванию. Этот анализ представляется мне, в общем, эстетически обоснованным. Правда, различение
искусства идей и реалистического искусства является не столь обязательным, как их общее противопоставление искусству,
свободному от каких-либо коннотаций. Ведь идет ли речь о мифе или о так называемой действительности, любой мимесис
связан с узнаванием, в том числе мимесис мифа и религиозного предания (это понимал уже Аристотель). К этому вопросу
мы еще вернемся при обсуждении проблемы «рефлексии».Во всяком случае, прослеженная Геленом логика раз- вития
лишь в незначительной мере смягчает резкость разрыва, происшедшего в результате кубистического экс- перимента. Здесь
решающее значение у Гелена приобретает другая идея, которую он эстетически обосновывает с большим пылом, хотя, как
мне представляется, и преувеличивает до невероятных размеров. Я имею в виду страстную защиту им peinture concepluclle ,
которая якобы определяет все развитие современной живописи. В этом пункте Гелен следует работе Канвайлера о Хуане
Грисе . Картина (в традиции понятийной живописи) является уже не подражанием видимому миру, но «творит знаковую
структуру изнутри себя самой». Если принять отстаива- емый Геленом тезис, теряет убедительность ставшее при- вычным
выведение кубизма из известного положения Сезанна: все в природе строится в соответствии с формами шара, конуса и
цилиндра. Автор признает, что отказ Пикассо изображать в картине нечто, увиденное из одной единственной точки, ради
искусственно-неправильного изображения «существенных свойств» вещей остается актом революционным. Художники, по
мнению Гелена, предпочли бы вообще пожертвовать природным сходством, чтобы избежать деформации. Это объяснение
представляется мне малоубедительным: новая фацетирующая техника продолжает оставаться изобразительной техникой и
тем самым намеренно шокирует непосредственное образное ожидание.
Этому процессу Гелен даст собственное истолкование. Объяснение кубистической программы он находит в философии
неокантианства, представители которой утверждают, что предметы производятся мышлением, так как, в отличие от Канта,
причисляют пространство и время как априорные категориальные факторы к понятиям рассудка (категориям). Даже если
отвлечься от того, что Канвайлер привлекает эту философскую теорию исключительно с тем, чтобы ин- терпретировать
кубизм (ничто не говорит в пользу того, что сами Пикассо и Брак эту теорию разделяли), загадка по-прежнему остается
неразрешенной. То обстоятельство, что в неокантианстве понятие вещи является лишь отно- ситсльной мыслительной
точкой (некой «бесконечной проблемой»), ни в коей мере непроясняет«знаменитыепарадоксальные нововведения кубистов,
например совмещение в одной картине множества точек зрения на одну и ту же вещь; при этом предполагается, что дело не
в различии точек зрения, а в самой вещи, сущность которой состоит в том, чтобы поворачивать себя различными
сторонами». Так что получается, что фацетирующая техника в живописи является практическим воплощением
гуссерлевской теории предмета восприятия. Верхом абсурда было бы полагать, что кубизм перенес синтез апперцепции на
полотно и что далекое от какой-либо революционности неокантианство перед своей блаженной кончиной произвело
1
величайшую революцию в европейской живописи со времен Джотто. Трудно придумать что-нибудь более
неправдоподобное. Каким образом Гелен приходит к столь фантастическому допущению? Очевидно, виной тому его
положение о «peinture conceptuellc». Кубизм, по Гелену, должен был заложить новые, революционные основания с учетом
«фундаментальных философских идей» для того, чтобы Хуан Грис мог их опорные синтетически применить (в работе
«Математика живописи»), Гелен без обиняков заявляет:«Ясно, как день, что в искусство была перенесена чисто
философская рефлексия». Это утверждение непонятно из-за его двусмысленности. Что в данном контексте означает глагол
«переносить»? То, что на этом утверждении нельзя основывать неокантианскую генеалогию кубизма, думается мне,
косвенным образом следует из ссылки на влияние Стефана Малларме. Или «алхимия слова» Малларме тоже имеет
неокантианское происхождение?
Однако неудачное использование еще не подрывает окончательно это сомнительное положение, тем более что загадка
действительно требует разгадки. Нужно разобрать дальнейшую аргументацию Гелена. В качестве главных свидетелей он
выставляет Пауля Клее и Кандинского (потому что в настоящее время мы-де «видим полученные преимущественно
эмпирическим путем, совершенно не освещенные теорией картины»), Гелен несколько покровительственным тоном
признает, что абстрактное искусство может быть усвоено и «чисто художественным» путем, без знания теории, но это
связано с его непритязательностью, и не более того.Здесь, однако, возникает еще одно недоразумение. Спорным пунктом
является не то, возможно ли (и если возможно,то правомерно ли) исследовать связь такого искусства с философскими
теориями, а то, имеют ли эти связи тот смысл, который им здесь приписывается,а именно являютсяли философские
принципы первичными и заполняют ли они задним числом субъективную фантазию художника, осуществляющего что-то
вроде их вариативного применения, Но может оказаться и так, что эти «принципы», даже если они и сопровождаются
соответствующими комментариями, являются не первичными, а вторичными формулировками нового оптико-живописного
«видения». В таком случае они, по сути дела, невыводимы из культа гения и эмоционализма . Обновление живописного
«видения» может быть итогом в высшей степени прозаического опыта работы с цветом, кистью и холстом; причем никто
не оспаривает, что этот опыт проделывается в голове, Как обстоит дело с Паулем Клее? Мы располагаем его ранними
дневниками. В своей интерпретации его творчества Гелен пользуется почти что исключительно лекциями Клее,
прочитанными в Баухаузе в 1921 — 1922 годах, и работами более позднего периода. Не будет ли разумным допустить, что
эти работы отражают потребность художника в теоретической рефлексии, причем художника, уже нашедшего свой стиль,
и что посредством этой рефлексии Пауль Клее стал тем, чем он стал? Ничего не решает и то, что рассуждения Клее во
многом совпадают с тем, что научно исследовалось в гештальтпсихологии. Гелен, однако, не идет так далеко и не
превращает гештальтпсихологию в источник живописи Клее. Утверждать это нельзя и по хронологическим соображениям.
Но еще важнее то, что художник Пауль Клее явно знает намного больше, чем гештальтпсихологи. Кроме того, сам Гелен
подчеркивает, что Пауль Клее «избегал любой жесткой геометризации». Его. интерпретация ; так называемых усиков
средствами гештальтпсихологии так- же кажется мне неудачной. Понятие транспонирования гештальта находится r полной
зависимости от строгого тождества гештальтов, тогда как образ у Клее, напротив, целиком и полностью держится на том,
что подобного тождества не существует. Тут уместно спросить себя: чему могла научить гештальтпсихология создателя
гештальтов такого рода, как Пауль Клее? Экономности художественного выражения? «Понятие «экономность» является
настоящим изобретением гештальтпсихологии» (sic). Говоря серьезно, Гелен здесь всего лишь имеет в виду, что в
гештальтпсихологии было сформулировано нечто такое, что уже «знает» не только художник, но и каждый из нас, когда он
смотрит на картину. Мне представляется в высшей степени неправдоподобным утверждение Гелена, что Пауль Клее
«обнаружил и сразу же стал видоизменять» законы формообразования восприятия. Разве дело заключалось не в том, что
после бесчис-ленных проб и видоизменений, сопровождавших его работу, Клее в конце концов удавалось что-то
абстрагировать. В любом случае я бы предпочел (или это будет чересчур невзыскательно?) побеседовать здесь с Геленом
об «экспериментальной технике» Клее, понимая под этим, что целью всех его экспериментов было формирование, создание
образов, а не познание законов их формирования. Это справедливо даже применительно к таким высокорациональным
построениям, как современная техника музыкальной ком- позиции. Композитор, как и художник, работает (как, например,
в случае инструментовки) с целостными качества- ми, которые не поддаются «вычислению» (пусть даже принцип
композиции предельно рационален, как в двенадцатитоновой музыке). Не следует путать рациональность материала, с
помощью которого осуществляется композиция, с рациональностью самой композиции.
Особую угрозу для тезиса Гелена о peinture conccptuelle представляет то, что он сам считает, что творчество Кандинского и
Мондриана — еще двух свидетелей — поддается лишь психологической интерпретации, настолько «приватным» видится
ему их «понятийное искусство». Теоретические работы Кандинского были, правда, нацелены на создание «учения о
гармонии в живописи», но, по собственному выражению Гелена, на этом пути он сделал «всего лишь первые шаги», а его
«художественная практика содержала в высшей степени аутические компоненты». По-моему, с точки зрения тезиса о
понятийном искусстве это явное petitio principii. Кроме того, эстетико-герменсвтическая попытка сделать методологически
продуктивным совместный анализ некоторых картин Кандинского и его собственных к ним комментариев даже самого
Гелена весьма и весьма разочаровывает; «Некто изобретает язык исключительно для собственного употребления, язык этот
представляетсяизобретателю столь ясным и логичным, что он начинает выражать себя на нем, — хотя никто и не понимает
ни слова...»
А что можно извлечь из свидетельств Мондриана? Сам он, теоретически оценивая свое творчество, выводил свое
аскетическое искусство плоскостей и линий из кубизма, а потом возвышал его до космической метафизики. Но Гелен вовсе
не намерен следовать дедукции Мондриаиа, который . писал: «При непосредственном обнажении ритма и редукции
естественных форм и цветов субъект утрачивает свое зна;-чение в изобразительном искусстве». Поразительным образом
Гелен переворачивает это недвусмысленное высказывание Мондриана с ног на голову: «Он [Мондриан ] показывает, как с
этих пор со всех высот и глубин, из всех источников и пропастей в искусство вливается субъективность». Это явным
образом означает, что и у Мондриана речь идет о «сугубо пршитюм наитии». С видите льсти уст ли все это в пользу
существования pcinturc conceptuelle или же говорит лишь о внутреннем противоречии, которое это понятие в себе
заключает?
Мне представляется, что ключом к чрезвычайно зашифрованной аргументации Гелена является вводимое им понятие
«рефлексивное искусство». В нем он усматривает то специфически новое, что принесла с собой современная живопись:
«достичь непосредственно через картину свойственного нашему времени состояния хронической рефлексивности». Это
2
совершается либо через воплощение» картины при сохранении ее предметного характера, либо через расшатывание самого
механизма узнавания, как у сюрреалистов. Оба пути ведут к «рефлексивному искусству». Гелен указывает на ряд эффектов
современной живописи, которые он толкует как соответствующие ситуации хронической рефлексивности в современной
культуре. Он полагает, что непосредственное, неразорванное высказывание стало для нас непереносимым, хотя этому и не
противоречит наша любовь к наивному искусству прошлого. Ибо само такое искусство, по контрасту, превратилось для нас
в «рефлексивно-значимое».
В противоположность сказанному, мне хотелось бы напомнить, что эстетические процедуры издревле считались
«рефлексивными». Кант с полным на то правом говорил о «рефлексивном вкусе» в отличие от непосредственных чувственных предпочтений, и ота «эстетическая» рсфлсксив- ность представляется мне связанной даже не с тем, что сам я
(«Истина и метод», S, 78 и сл.), характеризуя переходный период от XVIII к XIX веку, назвал «точкой зрения искус-р ства».
Зритель аттического театра, который участвовал в религиозном празднестве и выступал в качестве ценителя искусства,
одновременно получал — на самых различных уровнях — рефлексивное удовольствие от представляемой на сцене «игры с
мифом», И в этом смысле я не вижу принципиального различия между аттическим драматургом и таким
свсрхрефлексивным поэтом, как Эзра Паунд, проиэведения которого состоят из тысяч скомпонованных поэтических форм
и формул. Усложнились лишь предпосылки понимания и предпосылки получения удовольствия. Пред-варительная
оформленность материала сделалась настолько более духовной, что в композиции появляется нечто от монтажа. Однако
рефлексивное эстетическое удовольствие, а, которое из композиции извлнкается, по-моему, принципи- ально не
изменилось. Великой эпохе в истории европейской живописи, начинающейся с Ренессанса, знаком подобный феномен
духовного наслаждения, поскольку она — на раз-личных уровнях — также связана с потребностью в роскоши и
украшении (как в церкви, так и при дворе) и вместе с тем имеет общерелигиозный смысл.
Мне представляется спорным также и тот тезис Гелена, что как таковая рефлексивность удовольствия от современного
искусства выше, чем от искусства прошлого. Я сказал бы скорее, что иной стала стихия, в которой осуществляется такая
рефлексия: более бедной в смысловом отношении и поэтому более формальной. Я не считаю также, что и «наивность»
картин старых мастеров является предметом наивного же рефлексивного удовольствия. Разве предмет удовольствия — это
не исключительный результат напряженного взаимодействия формы и смысла, структурирующего эти картины? Эффекты
современного искусства, создающего иллюзию реальности, как и эффекты барочной живописи, скажем у Тьеполо, Гелен
совершенно справедливо отличает от грубого, намеренного обмана и защищает их как иллюзорность чисто эстетического
свойства; подобно аналогичным эффектам коллажей, они представляют собой частные в техническом отношении формы
всеобщего эстетического эффекта — разрушения интенции ожидания. Подобное нарушение интенции ожидания, без
сомнения, является частью любого эстетического возбуждения. Это верно уже в отношении античной драмы. Как и
сегодня, «в нашем распоряжении имеются средства и эффекты, цель которых — создание смыслов, противоположных уже
существующим. В эстетической области превращение чего-то в свою противоположность менее всего является
изобретением Гегеля, Видимо, и польским и русским эстетикам, взгляды которых известны мне, к сожалению, только в
изложении Уеллека и Уоррена, был известен закон эстетического воздействия, который проявляется здесь в своей
особенной, обусловленной технической цивилизацией приватной форме,
Сомнительным кажется мне и то, что ход мысли, находящий выражение в слопс «освобождение», п достаточной мере
ухватывает специфику современного искусства. В другом месте Гелен совершенно верно показал, насколько «освобождающим» является устойчивость основной традиции. При этом он явно исходил из ситуации отсутствия такой традиции.
Тезис об освобождении через упразднение смысла, с помощью которого в книге Гелена характеризуется современное
искусство, строится, как я думаю, на противостоянии вековой романтической традиции, ищущей освобождения от прозы
жизни в поэтическом преображении в «царстве идеального». Пока влияние непрерывной антично-христианской
культурной традиции оставалось определяющим, от искусства требовалось отнюдь не создание высшего смысла или даже
новой мифологии, а добросовестное изображение добрых старых содержаний, среди которых протекала жизнь. От
искусства, следовательно, не ждали некоего освобождения от гнета действительности. Вопрос же о том, обладает ли
категория освобождения, как это утверждает Гелен, еще и антропологической всеобщностью, я оставляю открытым. В
пользу этого своего утверждения он приводит много аргументов. Но может ли избыточность жизни быть адекватно
постигнута при по-мощи механического равновесия гнета и освобождения?И даже если понять традицию прежде всего в
функции освобождения, остается еще непроясненной специфичность со-временного искусства: в контексте наличного
дефицита традиции в нашем романтически неромантическом мире искусство должно освободиться нс только от прозы
жизни, но еще и от мировоззренческой перенапряженности ее романтического просветления. Об этом, мне кажется,
говорит и то, что открытие заново искусства барокко в последние десятилетиясовпадает с упразднением сентиментальнопсихологического искусства XIX века современностью.Мне хотелось бы также, и я охотно это признаю, под влиянием
множества эстетических и социологических теорий искусства, на которые ссылается Гелен, расставить акценты несколько
иначе. На мой взгляд, руководящая идея «образной рациональности» подвергается искажению, когда рациональность
начинает означать конструктивное построение на оснопс приложения принципов заранее з л готовлен ной теории.
Сравнение с возвращением Декарта к idee simple (что к тому же было всего лишь теоретической формулировкой нового
метода, примененного Галилем) приводит Гелена к неверной оценке отношения теории и ее применения в области
живописи.Конструктивное построение, бесспорно, является основой современной техники.В технике предварительная
калькуляция, заготовка частей и монтаж существенно отличаются от соответствующих процедур ручного труда. В
произведенных обычным способом вещах, в том числе в архитектурном стиле, «виден» способ их производства. И разве
нечто подобное не может найти отражения и в живописи? И разве не может это .не отражаться на ее самоинтерпретации?
В любом случае основное положение Гелена, согласно которому современная живопись нуждается в комментарии,
кажется мне крайне сомнительным. И доказывает ли оно приоритет теории перед художественной практикой? Разве можно
доверять этому положению, если, как в случае с Кандин- ским и Мондрианом, теория привела не к пониманию, а как раз к
непониманию картин этих художников? Критика романтического понятия гения ведет, как мне кажется, к
противоположной крайности. Как можно серьезно относиться, например, к предположению Гелена о том, что на
художника Франца Марка повлияло учение Икскюлля об окружающей среде, обосновываемому следующим образом:
«Обычно людям не приходит в голову рисовать животных как они есть, как сами они видят мир и ощущают свое
существование в нем». Но ведь Гелен сам до этого убедительно показал, что здесь налицо внутриэстетическое развитие.
3
Разве центрирование пространства картины через позицию наблюдателя к тому времени не было уже упразднено
живописью того же периода (Пикассо и другими художниками)? Временами создается впечатление, что Гелен путает
«логику процесса» с логикой дедуктивной теории. И как можно было написать о Маке (в противоположность Марку) такое:
«...у него тем не менее нельзя обнаружить никакой логики процесса, у него все дело в эксперименте»? Разве одно
действительно противоречит другому? Здесь мне хотелось бы переставить акценты и выдвинуть положение о примате
эксперимента и вытекающей из него логики. Сам Гелен с явным одобрением цитирует слова Макса Эрнста: «В качестве
последнего предрассудка, жалкого обломка мифа о сотворении мира, европейская культура получила в наследство легенду
о творческой силе художника. Одним из первых революционных актов сюрреализма были нападки на этот миф в самой
резкой форме сюрреалисты решительно настаивали на чисто пассивной роли «автора» в структуре поэтического
вдохновения...». Мне думается, что это положение имеет принципиальное значение, далеко выходящее за пределы
сюрреализма.
Словосочетание «индивидуальное самовыражение» является наивным анахронимом: так нельзя было выразиться до 1750
года и его стало невозможно осмысленно употреблять после 1920 года . Так что я охотно подписываюсь под всем тем, что
Гелен в духе нашего века пишет о значении эксперимента. Он прекрасно пишет об оптическом concetto и доязыковой
сфере. Но я вновь перестаю его понимать, когда он цитирует высказывание художника Бернхарда Шульце о своем
творчестве, поясняя, что «имманентное использование случайности», о котором говорит художник, повышает
«наукообразие» живописи. Когда одна случайность вызывает к жизни новые случайности и так до тех пор, пока все не
«приходит в норму», глазное здесь то, что одна единственная случайность «совершенно непредвиденным образом
порождает новые случайности». Я сомневаюсь, что такого рода высказывание дает основание утверждать, что «старые
эмоциональные запасы иссякли». Да разве вдохновение не было из- начально устроено примерно так же (и лишь
мыслилось совершенно иначе)?
В этом русле я бы так сформулировал вклад исследования Гелена в социологию искусства: трезвомыслящая философия
расчетливого индустриального мира приблизилась к познанию подлинного способа художественного производства. Это
производство не исключает определенных взаимовлияний, что не столько означает конструктивное управления
художествснным производством с помощью теории, сколько свидетельствует о новом соотношении картины и образного
ожидания. Что касается единичного здесь-бытия индивида в индустриальном обществе, мне представляется
знаменательным тот факт, что он вполне осознанно поддерживает ряд связей, жесткая логка которых ощущается им как
цепная реакция случайностей. Разве могло это не найти отражения в искусстве нашего времени? Из этого следует, что
специфика современных «образцов времени» впервые проявляется тогда, когда их удастся (опираясь на большие познания
Гелена) освободить от навязанного им идеала наукообразия и применить к современной живописи (понятийной или
непонятайной) древнюю, но нестареющую мерку — способность не нуждаться в комментарии.
4
Скачать