Анализ картин художников как средство понимания законов

Анализ картин художников
как средство понимания законов композиции
и развития творческого мышления учащихся
автор Тюрин Анатолий Михайлович,
преподаватель специальных дисциплин Комплекс «Колледж искусств –
специализированная школа-интернат для одаренных детей
музыкально-эстетического профиля»
«Картина – организм сложный: в его рождении и создании
принимают участие как чувственные, так и логические категории. Я
убежден, что только в сплаве любви к жизни способен возникнуть яркий
образный замысел художника»
А.А.Мыльников [с.147]
Художник мыслит образами. Создание художественного образа тесно
связано с отбором наиболее характерного, с подчеркиванием существенных
сторон предмета или явления. Творческое осмысление жизни, явлений,
событий – есть искусство.
Изобразительное искусство – это «визуальное» искусство.
Воспринимая мир, вникая в суть явлений, становясь, мысленно,
участником событий и, пропуская через призму творческого воображения,
художник дает свою версию художественного видения мира.
«Искусство не подделывает, не заменяет реальный мир, а объясняет
его, расширяет и продолжает» К.Ф.Юон [c.145].
Картина несет огромную информацию и здесь нельзя не сказать о
значении произведения искусства для зрителя и человека.
Понимание картины, ее пластического и образного решения, законов
построения – является главным и первостепенным значением для
начинающего художника (учащегося). Ответственность, возлагаемая на
учащихся в процессе становления, огромна. Избрав эту нелегкую, но
почетную миссию, учащийся должен до конца понять роль искусства.
«Полюбить искусство в себе» и овладеть мастерством пластического и
образного решения. «Умейте любить искусство в себе, а не себя в искусстве»
- сказал К.С.Станиславский [c.139].
Здесь нельзя не отметить тот исторический художественный
материал, наследие, которое мы имеем. Искусство формировалось веками,
художники шли в ногу со временем, история вносила коррективы. Менялся
взгляд, менялось творческое мышление, менялись ценности, но искусство не
изменяло своим традициям – быть честным, правдивым и донести до зрителя
свое миропонимание.
Только поняв и изучив искусство в целом, его цели и задачи, законы,
правила, приемы и средства выражения, можно решить собственные
творческие задачи. «Профессия художника требует высочайшей
нравственной, политической и творческой культуры, » - сказал
Б.С.Угаров[c.149].
Становление художника сложный и длительный творческий процесс.
Развитие творческого композиционного мышления является одной из
основных задач в системе подготовки художников-преподавателей и
изучению изобразительного искусства здесь отводится огромная роль.
Язык искусства, в частности живописи, условен (линия, цвет, пятно,
движение). Но в этих условностях таится его великая сила.
Миг жизни в картине тоже условность. Не движутся сани в картине
«Боярыня Морозова», не летят лебеди в картине «В голубом просторе», но в
нашем воображении, сознании все оживает. Мы верим, переживаем,
радуемся. Понять, постичь это – вот главная цель анализа картины.
Вникая в процесс создания картины, в процесс поисков
композиционного решения, пластических и цветовых средств, учащиеся
приучаются осмысливать творческие задачи и начинают понимать наиболее
яркие и верные средства для выражения собственных замыслов. Речь,
конечно, идет не о подражании, а о творческом переосмыслении методов и
приемов работы мастеров, что, безусловно, обогатит арсенал живописнопластических средств учащихся.
М.А.Антокольский: «Надо все изучать и ничему не подражать… Если
невозможно сделать лучше, то старайся делать равносильное, но нисколько
не похожее» [c.144].
Любое художественное произведение содержит в себе определенный
запас знаний. Постигая произведения, мы не только погружаемся в особый
мир, созданный художником, но и сопоставляем его с нашим опытом,
нашими чувствами.
Чем больше человек-художник стремится познать мир и самого себя,
тем более стремится внести в искусство контроль разума, рациональное
начало.
Рационализм в искусстве был связан с желанием художника как-то
управлять стихией эмоций, направлять их действие в необходимое русло. На
определенном этапе развития, в эпоху итальянского Возрождения, он совпал
с попыткой опереться в изобразительном искусстве на строго научные
оптические начала. Художник начинает последовательно, как исследователь,
изучать перспективу и анатомию. Леонардо да Винчи (1452-1519) через
соразмеренность всех частей произведения намеревался показать гармонию
внутреннего мира человека. Казалось бы, произведения такого рода должны
оставлять холодными наши чувства. Но здесь в действие вступает гениальная
лирическая интуиция художника. Она придает убедительность формальной
схеме. Благодаря ей, казалось бы, совершенно ясное произведение
наполняется глубоким и сложным смыслом. Такую вещь можно
последовательно анализировать.
Паоло Учелло (1397-1475) вошел в историю европейского и
итальянского искусства как поэт перспективы.
Рембрандт (1606-1669 ) в своих портретах, в борьбе света и тени,
когда свет и цвет сливаются воедино, в эмоциональной направленности
колорита открывает для нас драматичность восприятия мира своих героев.
Он следует за малейшими движениями их души. Каждый жест, каждый,
выхваченный светом из таинственного глубокого сумрака, взгляд, полон
смысла и неповторимой выразительности. Войдя в этот мир, мы не можем
сразу вырваться из него.
Эдвард Мунк (1863-1941) в своей картине «Крик» прибегает к почти
физиологическим методам воздействия. Изогнутая, извивающаяся как
костер, будто испытывающая все муки ада, женщина действительно
буквально кричит. Краски поразительно резки и тревожны. Художник бьет
по нервам зрителя, словно надеясь пробудить совесть и чувства своих
современников.
Нередко художник воспринимает жизнь сквозь призму
фантастического, необычного. И через гротеск, нарушение жизненных
соответствий вскрывает глубинное значение многих явлений. Таким
мастером был Франсиско Гойя (1746-1828). Гойя смело сопоставлял
обыденность и дьявольщину, средневековую изощренность выдумки с
иронией человека нового времени, безобразное с прекрасным.
Произведение настоящего мастера – всегда законченная концепция
мира. Его жизненный опыт, запас наблюдений, общественная практика – не
результат зеркально - пассивной механической фиксации действительности.
Художник осваивает действительность творчески. Его фантазия помогает
смело проникать в самую сокровенную глубину явления. Находить для
выражения его смысла наиболее подходящую форму.
Вникая в художественные произведения, нужно следить за мыслью
художника, чтобы понять, почему он как-то «по-своему» представил нам
жизнь на картине.
Зачем, например, иногда в картине повышается красочность? Бывает
ли так в жизни? Зачем в картине земля, дерево, здания иногда выглядят
несколько упрощенными: не видно, скажем, листьев, они даны как общая
масса и т.д.
Произведения искусства учат, направляют, помогают сделать
правильный выбор.
Да, несомненно – живопись – искусство молчаливое и неподвижное,
но волшебный дар художника открывает зрителю красоту мира вещей и мира
человеческих чувств осязаемо. Он, словно бы материализует проблемы
нашей духовной жизни во времени и пространстве в системе специфических
для изобразительного искусства средств.
В ежедневном общении с натурой у художника формируется
представление об отдельных предметах и понятиях. Культура видения и
талант здесь едины.
Работа художника – всегда работа композитора. Произведение
большой формы – картина требует от художника напряженного творчества,
способности глубоко мыслить, экспериментировать, сопоставлять, уметь
отбирать нужное, а ненужное игнорировать. В этом сложном процессе
активно действуют не только глаз, но и ум и чувства; не только наблюдение
окружающего, но и знание определенных законов, определенных
изобразительных средств.
Знание законов композиции, правил, приемов и средств выражения,
является, одной из главных задач для начинающего художника (учащегося).
Этому разделу в учебном процессе отводится основное и главное место.
Предмет «Композиция» способствует этому. Анализ же композиции
позволяет понять учащимся законы композиции, средства выражения и
увидеть их практическое применение. Именно поэтому придается такое
большое значение анализу картины.
Разбирать любое произведение искусства необходимо в единстве
содержания и формы. Содержание и форма в искусстве неразрывно
связанные и взаимообусловленные категории, одна из которых указывает на
то, что именно отражено и выражено в произведении (содержание), а вторая
на то как, какими средствами это достигнуто (форма). Здесь надо более
подробно остановиться на композиции картины.
Композиция играет первостепенную роль при создании
художественных произведений. Она представляет собой структуру
художественного образа – это главный организующий элемент
художественной формы, придающий произведению единство и целостность.
Композиция в изобразительной деятельности связана с необходимостью
передать основной замысел, идею произведения наиболее ярко и
убедительно. С помощью композиции художник организует воображаемые и
реальные предметы на плоскости и в пространстве.
«Для того чтобы свободно говорить, нужно знать язык, на котором
говоришь; для того, чтобы излагать свои мысли на полотне, нужно свободно
владеть языком композиции» В.С. Сварог [c.16].
Слово «композиция» происходит от латинского composition, т.е.
сочинение, составление. Создавая картину, художник, действительно занят
сочинением, составлением единого, крепкого, сплоченного целого. При
помощи композиции художник управляет и вниманием зрителя. Он выделяет
главное, обогащает и подчеркивает его и ослабляет излишнюю активность
там, где она не нужна.
Композиции живописных произведений бесконечно многообразны.
По сути дела, каждой картине присуща своя композиция. В одних –
изображение подается как широкая панорама, в других, наоборот, - крупным
планом. Иногда, как монолитный массив, а иногда многофигурно. Есть
композиции характерные глубинным построением, есть формальные,
расположенные в плоскости картины. Композиция способна передавать
динамику, но может выражать и покой, уравновешенность. Она способна
поднять эмоциональный настрой произведения, придать ему лиричность или
драматизм, или торжественность.
Разные образы – разные решения. Они различны по живописи и
пластике и совершенно противоположны по композиции.
Можно задать ряд вопросов:
Каково содержание картины и что хотел выразить автор?
Как решена композиция: спокойна или динамична?
Что в ней является главным?
Вот еще одна огромная роль анализа картины для художника –
задавать себе вопросы и отвечать на них, развивая , тем самым, свое
творческое и композиционное мышление.
Сопоставляя эти общие изобразительные признаки, станет
очевидным, насколько тщательно ищет художник для каждого произведения
особые выразительные средства, ту оригинальность композиции, которую
нельзя заменить другой.
Репин располагает своих «Бурлаков» унылой чередой, текущей из
глубины картины. А глубине этой нет ни конца ни края…Тысячи километров
тянут лямку мужики. Попробуйте изменить формат полотна, сделав его,
допустим, квадратным, и движение ослабнет или совсем остановится. Даже
главная сила картины – исчерпывающие обрисовки характеров – заметно
ослабнет не будь при ней аккомпанирующего окружения: 1 - палящего
солнца; 2 – безоблачного неба; 3 – голого бесконечно текущего берега; 4 –
вереницы измученных людей.
Композиция, живопись, пластика – это язык изобразительного
искусства. Овладеть этим языком – задача художника. Умело используя язык
искусства, художник дает ключ к пониманию своего произведения.
«Первые линии, которыми искусный мастер обозначает свой замысел,
уже содержат в себе зерно, чем будет отличаться это произведение» Э.Делакруа.
Работа над анализом сюжетно-тематической картины
Картина – это единый организм. Её целостное восприятие – основа
высокохудожественного произведения. Практический же анализ
произведений - «деление» (мысленно) этого организма на части. Каждый
раздел анализа позволяет раскрывать глубину художественного
произведения и ход творческой мысли художника. Но, чтобы прочувствовать
произведение, понять, как художник рассуждал, необходимо вникнуть в
содержание произведения, в замысел и образную форму воплощения.
Замысел – это заложенный в произведении смысл, идея,
конкретизация пластического мотива. Возникает на основе миропонимания
художника, жизненных наблюдений, его индивидуального видения. Но
чтобы раскрыть замысел художника, нужны творческие усилия, знания
почерка художника, всех особенностей и условий создания картины (эпохи,
среды и т.д.). Этот момент для учащихся очень важен, т.к. позволяет
расширить их кругозор, выстроить серьезный подход к картине, научить
работать с дополнительным материалом.
Дальнейший анализ картины правильнее повести по пути
собственного творческого мышления при работе над композицией в учебном
процессе. Когда определился замысел, его необходимо замкнуть в
конкретный сюжет.
Сюжет – определенное событие, сцена, взятые художником для
наиболее полного раскрытия темы. Здесь художник должен суметь отобрать
тот единственный в своем роде факт, наиболее полно раскрывающий
содержание картины.
Теперь наступает самый ответственный момент, творческая работа
художника – применение знаний законов, правил, приемов, средств
выражения, его творческого и композиционного мышления. Здесь проявится
индивидуальность решения автора, элемент новизны и, самое главное,
наступит слияние содержания и формы – элемент высокохудожественного
произведения.
Композиция.
Работа над композицией – это фактически вся работа над
произведением, а анализ произведения – есть анализ того, как замысел
художника воплотился в композиционном решении.
Первый закон композиции – закон цельности, произведение
воспринимается как единое целое, т.е. как мы уже говорили: ни прибавить,
ни отнять, - единое пятно.
Композиция означает сочинение, составление. Учащимся, прежде
всего, надо выяснить, какими композиционными приемами художнику
удалось установить взаимосвязь частей картины (фигур, предметов,
элементов пейзажа, интерьера и т.д.).
Надо уяснить расположение основных элементов картины,
выбранную точку зрения, центр композиции, уровень горизонта. Понять,
добился ли художник, и какими средствами уравновешенности,
неподвижности или движения, а так же, определив, каков характер этого
движения, ритмический строй движения.
Но с чего начать?
Несомненно, с главного. Главным в картине, бесспорно, является
сюжетно-композиционный центр, смысловой центра, раскрывающий
содержание картины. В произведении все подчиняется ему. Вот здесь и поле
деятельности для начинающего художника. Можно задать себе ряд
вопросов?
Как решена композиция?
Что в ней является главным (центром композиции)?
Где размещен центр и почему?
Какова конструктивная идея?
Центр композиции Учитывая закон цельности, учащимся необходимо
понять, как автор подчиняет все части композиции сюжетнокомпозиционному центру. Здесь необходимо сказать о распределении масс в
картине, о линейной схеме построения композиции, линии горизонта (взгляд
художника в картине), перспективное размещение масс в картине с учетом
линии горизонта.
Конструктивная идея – схема, позволяющая объединить в одно
целое все компоненты будущего произведения и, в первую очередь, центр
композиции.
Определить, понять конструктивную идею очень важно. Художник
долго и целенаправленно ведет поиск наибольшее убедительного
художественного образа и композиционной цельности.
Схемы конструктивных идей для каждой отдельно взятой композиции
различны, что, несомненно, несет в себе печать индивидуальности и
новизны.
Левитан «Околицы» и Дейнека «Окраины Москвы» реализуют свои
образные замыслы предельно скупыми средствами. Они упрощают форму,
обогащают цвет, очищают композицию от мимолетного засорения
подробностями.
Попробуем мысленно дополнить чем-нибудь эти композиции или
изъять из них что-то – и образ распадется. Вообразите, например, что в
ворота «Околицы» въезжает лошадка, впряженная в телегу, и состояние
вечернего покоя нарушится, превратится в иллюстрацию.
Но в любом произведении есть главное, которому подчиняется
второстепенное по законам цельности (сюжетно-композиционный центр).
Вот здесь и поле деятельности для начинающего художника.
Можно задать те вопросы, которые мы уже задавали:
Как решена композиция?
Что в ней является главным (центром композиции)?
Какова конструктивная идея?
Формат. Теперь, несомненно, надо остановиться и на формате
картины (квадрат, прямоугольник), его расположение (вертикально,
горизонтально), для передачи замысла и остроты сюжета важна
оправданность формата.
Пример: горизонтальный вытянутый и ассоциации от формата
(широта, движение), вертикальный (полет, величествинность,
монументальность), квадрат (покой, тишина, замкнутость).
Приемы композиции.
Передача монументальности
Передача пространства
Горизонталь вертикаль
Диагональные направления
Знание правил и нахождение их в анализируемой композиции
позволяет понять, почему художник взял именно такой формат, почему
расположил движение по диагонали, почему разместил главное в данном
месте и как подчинил главному второстепенное.
Движение. (Закон типизации).
Главные черты закона типизации – это движение в пространстве и во
времени.
В пространстве:
Путем размещения в формате (движение по диагоналям).
Перспективное сокращение масс.
Усиление светом, цветом, тоном.
Ритм (динамичность).
Во времени:
Чтобы добиться ощущения движения, необходимо в изображаемом
событии найти и выделить кульминационный момент, содержащий признаки
предыдущего и намек на последующее развитие данного сюжета. Отсутствие
этой черты закона типизации непременно ведет к застылости композиции, в
которой лишь внешне имитируется движение.
Создание художественного образа.
Типичность характеров и типичность обстоятельств, в которых
развивается действие. Учащимся необходимо понять, как через характерные
черты передается типическое, через единичное – общее. Это и есть создание
обобщенного образа.
Передача характерной обстановки через черты, жесты, элементы
одежды (пейзаж, интерьер определенной эпохи или времени).
Средства выражения:
Колорит (цвет) – является первым впечатлением от картины (богатый
колорит, тонкий колорит, темный или светлый, насыщенный, интенсивный),
эмоциональный заряд – мощное оружие в руках художника-живописца.
Художник, переводя замысел на язык живописи, решает задачи, от
которых зависит живописный образ. Можно проследить как колорит работы
раскрывает содержание, усиливает эмоциональную нагрузку, переводит
взгляд зрителя.
Контрасты:
Тональные контрасты (основы выразительности).
Передача глубины, пространства.
Передача объема.
Передача состояния.
Необходимо понять, как тоновые контрасты дополняют и усиливают
сюжет картины.
Цветовые контрасты (символика цвета).
Цвет является наиболее специфическим для живописи выразительным
средством. Его экспрессия, способность вызывать различные чувственные
ассоциации усиливает эмоциональность изображения, обусловливает
изобразительные, выразительные и декоративные возможности живописи.
Цветовая композиция обеспечивает определенное колористическое единство
произведения, влияет на ход его восприятия зрителем, являясь существенной
частью его художественной структуры.
Пластические приемы:
Мазок (широкий, трепетный, резкий).
Пятно (мягкое, жесткое).
Это манера письма, почерк художника, его индивидуальный язык
живописца. Учащийся, анализируя картину художника, изучает почерк
автора, оценивает, насколько он убедителен, следит за характером мазком
художника (движением, силой мазка, угасанием и т.д.). Здесь уместно сказать
и о стилизации, переосмыслении натуры. В силу своего опыта, творческого
мышления художник находит самые выразительные средства в живописи.
Благодаря правильно найденным выразительным средствам, произведения
оживают, затрагивают зрителя, который невольно становится участником
данных событий, переживает или радуется вместе с художником.
Практический анализ картины В.Сурикова «Боярыня Морозова».
1. Работа над замыслом картины. Воплощение замысла в
конструктивной идее. Поиск главного – центра композиции, его движения в
пространстве.
2. Подчинение главному (центру композиции) остальных частей
композиции.
3. Определение линии горизонта в картине (глаза Морозовой).
4. Движение в пространстве (основа замысла картины).
Схема движения для цельного восприятия
картин
Усиление движения центра композиции (слева – бегущий мальчик, справа – княжна
Урусова)
Взаимная согласованность всех частей композиции для передачи движения, которое
усиливает наклон основных масс картины.
5. Тоновое движение в картине
Движение масс темного.
Движение масс светлого
6. Планы в картине и их движение в пространстве.
7. Цвет в картине (подчинение цвета конструктивной идее движению).
Красный – основной цветовой акцент в картине. Цвет символизирует волю, борьбу,
жизнь. Он усиливает движение масс в картине, выражает скорость.
Желтый и его оттенки охватывает всю картину и вносит беспокойство. Символизирует
желание свободы, открытость, независимость.
Голубой цвет растекается по картине, раздвигает ее пространство и замедляет движение
во времени. Символизирует духовность, чистоту и искренность.
Масса белого цвета преобладает в картине, символизируя чистоту, истину и
одновременно отрешенность и одиночество.
Черный цвет придает картине ощущение веса и глубины. Символ скорби, религиозности
и отвержения. Центральное пятно (Боярыня Морозова) черного цвета – выражение протеста,
способность терпеть лишения.
Литература
А. А. Мыльников, цитата по изданию «Школа изобразительного
искусства», М., «Изобразительное искусство», 1986г., 171с.
К.Ф.Юон, цитата по изданию «Школа изобразительного искусства»,
М., «Изобразительное искусство», 1986г., 171с.
К.С.Станиславский, цитата по изданию, «Школа изобразительного
искусства», М., «Изобразительное искусство», 1986г., 171с.
Б.С.Угаров, цитата по изданию, «Школа изобразительного искусства»,
М., «Изобразительное искусство», 1986г., 171с.
М.А. Антокольский, цитата по изданию, «Школа изобразительного
искусства», М., «Изобразительное искусство», 1986г., 171с.
В.С. Сварог, цитата по изданию Е.В.Шорохов «Основы композиции»,
М., «Просвещение», 1979г., 301с.