Document 3783957

Федеральное агентство по образованию
Государственное образовательное учреждение
высшего профессионального образования
«Омский государственный технический университет»
Е.А. Мезенцев
История искусства
Часть I. Зарубежное искусство
Учебное пособие
Омск 2008
УДК 659. 1 (075)
ББК 76. 006. 5 я 73
М 44
Рецензенты:
Е.А. Мальцева, канд. искусствоведения, ст. преподаватель кафедры
В.В. Пластун, канд. исторических наук, доцент кафедры отечественной истории,
философии и культурологии ОмГУПС
М 44 Мезенцев, Е.А. История искусства. Часть I. Зарубежное искусство /
Е. А. Мезенцев. – Омск: Изд-во ОмГТУ, 2008. – 112 с.
Настоящее учебное пособие предназначено для студентов, обучающихся по
специальности 030602 «Связи с общественностью», освещает вопросы по истории зарубежного искусства с первобытных времен до наших дней и является
первой частью учебно-методического комплекса по дисциплине «История мировой литературы и искусства».
Печатается по решению редакционно-издательского совета Омского
государственного технического университета.
УДК 659. 1 (075)
ББК 76. 006. 5 я 73
© Е.А. Мезенцев, 2007
© Омский государственный
технический университет, 2007
2
Введение
Искусство – это образ мира и человека, переработанный в сознании художника и выраженный им в звуках, красках, формах. В художественных
образах отражается не только действительность, но и мироощущение, мировоззрение культурных эпох.
Искусство помогает познавать мир, формирует духовный облик людей, их чувства и мысли, их мировоззрение, воспитывает человека, расширяет его кругозор, пробуждает творческие способности.
В повседневном употреблении понятия «искусство» и «художественная
культура» тождественны. Однако «художественная культура» гораздо
объемнее, чем «искусство». Оно включает всю систему искусств в целом,
и каждый его вид в отдельности, сам процесс создания произведений искусства на протяжении многих веков, процесс восприятия искусства, специализированные институты культуры, в которых осуществляется хранение и трансляция художественных ценностей... Всю эту сложную систему
бытия искусства в художественной культуре изучают специальные дисциплины – история искусства, теория искусства, художественная критика.
Изучение истории искусства предполагает познание неких идеалов гармонии и красоты, которое в различные времена воодушевляли художественный гений того или иного народа. Оно предполагает ощущение живой связи искусства с этими чаяниями и устремлениями, чтобы человек
смог распознать в подлинных вершинах художественного творчества давно исчезнувших поколений то вечно прекрасное, что делает их достижениями общечеловеческими, значит, созданными на века.
Искусство нельзя понять вне его взаимоотношений с другими явлениями общественной жизни, с другими формами идеологии, вне его обусловленности материальной основой жизни. Искусство каждой эпохи неразрывно связано с национальной культурой и историческими условиями, с
уровнем духовной жизни общества.
История искусства представляет собой сложную, противоречивую картину развития различных национальных школ, стилей, течений, творческих личностей, находящихся во взаимодействии. В своем творчестве художники исходят не только из непосредственных впечатлений, наблюдений и изучения окружающей их жизни, но также из опыта, веками накопленного человечеством в искусстве; художники то опираются на традиции
национальных школ, то противопоставляют им свое новое понимание явлений действительности.
Первые эстетические мысли об искусстве можно найти в древнейших
восточных трактатах, у античных философов и в религиозных средневековых сочинениях.
3
Родоначальником истории искусства принято считать Дж. Вазари
(1511–1574), итальянского живописца и архитектора, создавшего первый
труд в этой области «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев,
ваятелей и зодчих».
В XVIII веке складывается теория искусства (немецкий просветитель И.
Винкельман) и художественная критика (французский философэнциклопедист, писатель Д. Дидро).
Немецкий философ А. Баумгартен в XVIII веке ввел термин «эстетика»
для обозначения «науки о чувственном знании». Для немецкого философа
И. Канта эстетика – «наука о чувственности вообще». Другое понимание
эстетики как философии искусства в наиболее яркой форме представлено в
немецкой классической философии Г. Г. Гегелем.
В XX веке проблемами искусства занимаются психология, социология,
культурология и многие другие науки.
Изучение истории искусства способствует формированию и развитию
высокого эстетического вкуса, оснащает сведениями и фактами по различным периодам и стилевым направлениям искусства, расширяет кругозор,
знакомит с творчеством выдающихся деятелей мировой художественной
культуры, учит анализировать произведения с точки зрения их образного
решения и средств художественной выразительности.
В данном учебном пособии рассматривается: первобытное искусство;
искусство Древнего Востока; античное искусство, искусство Византии и
искусство Западной Европы от средневековья до ХХ века.
Заданный объем учебного пособия не позволяет, в полной мере, охватить все виды искусства, поэтому основное внимание сосредоточено на
архитектуре, скульптуре, живописи, графике и декоративно-прикладном
искусстве.
Выбор деятелей искусства и художественных произведений обусловлен
их известностью и личными предпочтениями автора.
Учебное пособие является кратким и не претендует на полноту изложения освещаемых вопросов.
4
Раздел 1. Искусство в системе культуры
1.1. Искусство как форма культуры
Искусство – специфическая форма общественного сознания и человеческой деятельности, представляющая собой отражение действительности
в художественных образах, один из важнейших способов освоения мира.
Искусство тесно связано с общественно-социальной структурой общества. Являясь формой отражения бытия, искусство, так или иначе, связано
с наукой, техникой, политикой, моралью и т. д. Основной задачей искусства является – художественное освоение мира. Предметом искусства выступает жизнь во всем своем многообразии, которое перерабатывается и
отражается художником в специфической форме – в художественных
образах.
Предмет и форма отражения действительности в искусства обуславливает его специфическую функцию – удовлетворение эстетических потребностей людей, путем создания произведений, способных доставить
человеку эстетическое наслаждение, духовное обогащение и т. д.
Искусство – явление социальное. Оно участвует в социальном преобразовании общества, оказывая эстетическое воздействие на личность. Специфика искусства заключается в том, что оно осваивает и выражает действительность в художественно-образной форме, которая является результатом конкретной творческой деятельности и одновременно – реализацией
исторического культурного опыта человечества. Сам процесс творчества в
искусстве аккумулирует в себе впечатления, события и факты, взятые из
действительности. Автор перерабатывает весь этот жизненный материал,
воспроизводя новую реальность – художественный мир, путем создания
художественных образов.
Художественный образ – это суть искусства, это чувственное воссоздание жизни, сделанное с субъективных, авторских позиций. Он концентрирует в себе духовную энергию создавшей его культуры и человека, проявляя себя в сюжете, композиции, цвете, звуке, в зрительном толковании.
Художественный образ может быть воплощен в глине, краске, камне, звуках, фотографии, слове и реализовать себя как музыкальное произведение,
картина, роман, фильм и спектакль в целом.
Главной целью искусства является социализация личности и утверждение ее самоценности. Искусство вовлекает человека в круг социальной
жизни, влияя на самые личные стороны человеческого существа.
5
1.2. Социальные функции искусства
Искусство полифункционально. Являясь частью духовной культуры,
искусство играет очень важную роль в жизни общества. Оно познает, воспитывает, предсказывает будущее, оказывает смысловое, почти гипнотическое воздействие на людей, а также выполняет ряд других функций.
Рассмотрим функции искусства более подробно.
Эстетическая функция (искусство как формирование творческого духа
и ценностных ориентации) проявляется в том, что искусство признано
доставлять человеку эстетическое удовлетворение и наслаждение. Искусство строит ценностное сознание человека, учит его видеть жизнь через
образность. Специфическая способность искусства состоит в формировании художественных вкусов, способностей и потребностей человека,
ценностно ориентировать его в мире, пробуждать творческий дух личности, желание и умение творить по законам красоты.
Общественно-преобразующая функция искусства (искусство как деятельность) проявляется в создании художественной реальности и преобразовании реального мира в соответствии с идеалами художника.
Познавательная функция искусства (искусство как знание и просвещение) сближает его с наукой. Художник, как и ученый, стремится понять
смысл жизненных явлений, выявить в случайном, преходящем, наиболее
характерное и типичное. В отличие от науки искусство выражает свои
представления об окружающем мире не посредством отвлеченных понятий, а с помощью конкретных художественных образов.
Воспитательная функция искусства проявляется в формировании
определенного строя чувств и мыслей людей. Это не дидактическое нравоучительство, а формирование эстетического идеала, путем анализа положительных и отрицательных образов. Воздействие искусства направлено на социализацию целостной личности и утверждение ее самоценного
значения.
Информационная функция (искусство как сообщение) проявляется в
специфичности канала связи в искусстве. Искусство служит обобществлению индивидуального опыта отношений и личному присвоению общественного опыта. Художественная информация всегда оригинальна, эмоционально насыщенна, парадоксальна, эстетически богата, ее язык аллегоричен и более выразителен, чем естественный язык.
Коммуникативная функция искусства (искусство как общение) в том,
что искусство выступает как средство художественного общения. Искусство следует рассматривать как знаковую систему со своими кодами и
условностями. Восприятие произведения происходит по законам коммуникации. Художественное общение позволяет людям обмениваться мыслями, приобщает человека к историческому и национальному опыту. Ис6
кусство повышает духовный потенциал и общность человечества, прокладывает пути к взаимопониманию народов.
Художественно-концептуальная функция искусства (искусство как
анализ состояния мира) заключается в его стремлении к глобальному
мышлению, к решению общемировых проблем. Художника интересует
судьба и его героев, и человечества, он мыслит в масштабах истории, с
нею соотносит содержание своего произведения. Художественная реальность концептуально нагружена.
Компенсаторная функция искусства (искусство как утешение) позволяет человеку посредством художественного произведения воссоздать то,
что ушло безвозвратно, то, что еще не стало объектом восприятия или никогда им не станет (фантастика, мифы), восполняя, тем самым иллюзорную потребность человека. Искусство своей гармонией влияет на внутреннюю гармонию личности, способствуя сохранению и восстановлению
психического равновесия.
Функция предвосхищения (искусство как предсказание) проявляется в
том, что интеллект человека способен совершать прыжок через разрыв
информации, обнажать сущность современных и грядущих явлений. Ученый способен делать умозаключения о будущем, а художник – его образно
представить.
Внушающая функция (искусство как внушение) заключается в формировании определенного строя мыслей и чувств, воздействии на подсознание и на всю человеческую психику. Подлинное произведение искусства
представляет собой «сгусток энергии», магическая сила которой возбуждает в нас сложнейшие психические процессы (завораживает).
Гедонистическая функция искусства (искусство как наслаждение) проявляется в том, что художественное произведение способно доставить человеку эстетическое наслаждение. Помимо наслаждения искусство создает
глаз, способный наслаждаться красотой красок и форм, ухо, улавливающее гармонию звуков. Как и эстетическая, гедонистическая функция сопровождает и окрашивает все функции искусства.
В развитии человечества искусству принадлежит действенная роль –
оно дает эстетическую оценку действительности, обнажает уродливые
стороны жизни, воплощает идеал прекрасного, достигая высокой поэтичности, жизненной правды, искусство вдохновляет на подвиги, духовно совершенствует, делает мир чище.
7
1.3. Виды искусства
Искусство существует в конкретных своих видах: литература, театр,
графика, живопись, скульптура, танец, музыка, архитектура, декоративноприкладное искусство, цирк, художественная фотография, кино и телевидение.
Виды искусства (от лат. «species») – это исторически сложившиеся,
устойчивые формы творческой деятельности, художественно реализующие жизненное содержание и различающиеся по способам его материального воплощения.
Многообразие видов искусства обусловлено бесконечным разнообразием окружающей действительности, богатством человеческих органов
чувств, уровнем духовного развития человечества, развитием науки и техники, богатством культурных традиций.
Рассмотрим виды искусства, о которых пойдет речь в данном учебном
пособии, более подробно.
Архитектура (лат. architecture, от греч. аг-chitekton – зодчий, строитель) – зодчество, искусство проектирования и строительства сооружений,
которые организуют пространственную среду для жизни и деятельности
человека. Планировка, возведение городов, застройка различных населенных мест представляют особую область архитектуры – градостроительство. Строительное искусство также формирует и объединяет пространство с помощью элементов естественной природы (садово-парковое искусство). Архитектура отвечает не только утилитарным запросам общества,
но решает также идеологические, социальные и эстетические задачи. Архитектура входит в триаду главных искусств: живопись, скульптура и архитектура. [34]
Скульптура (лат. sculpo – высекаю, вырезаю) – вид искусства, основанный на принципе объемного трехмерного изображения предмета. Различают две основные разновидности скульптуры: круглую, которая свободно размещается в пространстве, и рельеф, где изображение располагается на плоскости, образующей его фон. К произведениям круглой скульптуры, относятся статуя, группа, бюст, статуэтка. Формы и глубина рельефа
варьируются в зависимости от его назначения и положения на архитектурной плоскости. По содержанию и функциям скульптура делится на монументально-декоративную, станковую и скульптуру малых форм. Монументально-декоративная скульптура (памятники, монументы, мемориальные сооружения) всегда рассчитана на конкретное архитектурнопространственное или природное окружение. Станковая скульптура, прямо не связанная с архитектурой, носит более интимный характер. Залы музеев, жилые интерьеры, где ее можно рассматривать вблизи и во всех деталях, являются обычно ее средой. Скульптура малых форм включает широ8
кий круг произведений, предназначенных преимущественно для жилого
интерьера, и во многом сближается с декоративно-прикладным искусством. [34]
Живопись, вид изобразительного искусства, произведения которого
создаются при помощи красок, нанесенных на плоскую поверхность.
Условность живописи заключается в создании трехмерного пространства
на плоскости, передачи объема предметов, перспективы, световоздушной
среды и т. п. Различают станковую и монументальную живопись. Монументальная живопись служит украшением архитектуры, выступает частью
единого ансамбля. По технике монументальной живописи выделяют фреску, мозаику, витраж и т. п. Под станковой живописью понимают произведения, созданные на станке, или мольберте, т.е. собственно картины. В
станковой живописи используются различные техники: энкаустика (живопись восковыми красками), темпера, масляная живопись и др. Кроме
того, для создания живописных произведений используют и иные техники,
более тяготеющие к графике. Это акварель, гуашь, пастель. Тематический
диапазон живописного искусства очень широк. Он нашел отражение в системе жанров (исторический, батальный, бытовой, пейзажный жанры,
портрет, натюрморт и др.). Также к живописи относятся иконопись и
миниатюра. [34]
Графика (франц. graphique – линейный, от греч. grapho – пишу, рисую)
– вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные произведения (разнообразные виды гравюры, литографию, монотипию). По
исполнению графика делится на уникальную, выполненную в единственном экземпляре рукой художника непосредственно на бумаге (реже – пергаменте, шелке и т. д.), и печатную, полученную в ограниченном числе экземпляров путем перевода изображения с печатной формы на бумагу,
вручную или на специальном печатном станке. К уникальной графике относится рисунок, который приобретает значение самостоятельного произведения. К печатной графике следует отнести разнообразные виды гравюры: резцовую, сухую иглу, офорт, меццо-тинто, акватинту, пунктир, мягкий лак, жилло-таж, ксилографию, линогравюру, а также литографию.
Монотипия занимает промежуточное место между уникальной гравюрой и
печатной графикой. По типам и назначению вся графика делится на станковую, книжную, газетно-журнальную, плакатную, лубочную, промышленную и др.). Таким образом, диапазон графики чрезвычайно широк – от
произведений искусства до оформления и маркировки утилитарных предметов. [34]
Декоративно-прикладное искусство – это создание художественных
изделий, имеющих практическое назначение в быту, а также художественная обработка утилитарных предметов (утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, одежда, украшения, игрушки и т. д.). При об9
работке материалов (металл, дерево, керамика, стекло, текстиль и др.) в
декоративно-прикладном искусстве используются литье, ковка, чеканка,
гравирование, резьба, роспись, инкрустация, вышивка, набойка и т. д.
Произведения декоративно-прикладного искусства составляют часть
предметной среды, окружающей человека, и эстетически ее обогащают.
Они обычно тесно связаны с архитектурно-пространственным окружением, ансамблем (на улице, в парке, в интерьере) и между собой, образуя художественный комплекс.
В процессе исторического развития внутри видов искусства формируются их различные подразделения.
Жанр (франц. genre – род, вид), исторически сложившиеся внутренние
подразделения в большинстве видов искусства, специфичные для каждой
из областей художественной культуры. Например в изобразительном искусстве основные жанры определяются, прежде всего, по предмету изображения (портрет, пейзаж, бытовой жанр, интерьер, натюрморт, исторический жанр, батальный жанр) или по характеру интерпретации этого предмета (карикатура, шарж, камерный портрет, историко-бытовой жанр и
т.п.). Поджанры основных жанров могут возникать при дроблении самих
предметов изображения (морской вид, марина – особый вид пейзажа, «завтраки» и «десерты» – разновидности натюрморта). В тех видах пластических искусств, где невозможно выделить предмет изображения, – в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве, дизайне, жанровая классификация замещается типологическими разделениями, основанными на функциях произведения (так, в архитектуре выделяются типы дворца, храма,
жилого дома и т.д., в свою очередь разделяющиеся на множество подтипов).
В ином, узком смысле термином жанр обозначаются произведения
бытового жанра (жанровая картина, жанровая скульптура и т.п.).
Некоторые жанры, порожденные определенными историческими условиями, исчезают, другие претерпевают изменения в процессе исторического развития искусства. Границы между жанрами неустойчивы. Полное выражение жанры получили в станковой живописи, скульптуре и графике.
Помимо видов и жанров в искусстве выделяют стиль.
Стиль (лат. stilus, stylus от греч. stylos – остроконечная палочка для
письма) – устойчивое единство образной системы, выразительных средств,
характеризующее художественное своеобразие тех или иных совокупностей явлений искусства, будь то крупная художественная эпоха, отдельное
художественное направление или манера отдельного художника. Искусство складывается в форму слитя лишь на высокой ступени своего развития.
В искусстве выделят следующие стили: [43, 10–14]
10
романский стиль (от лат. romanus – римский) – самое старое стилевое
направление в западноевропейском искусстве X – XIII вв., проявившееся в
архитектуре и скульптурном декоре, а также в росписях крупных соборов.
Религиозные сооружения романского стиля унаследовали многие черты
римской архитектуры; отличаются монументальностью и рациональностью конструкций, широким использованием полукруглых арок сводов,
опирающихся на колонны, а также многофигурными скульптурными композициями;
готический стиль (от итал. gotico — готский, варварский) пришел на
смену романскому стилю в XIII – XIV вв. и также связан с религиозной
архитектурой, скульптурой и декоративно-прикладным искусством. Для
готических соборов характерны:
 вертикальность композиций,
 великолепная деталировка,
 органическая связь архитектуры и скульптуры,
 стрельчатые арки
 обширные интерьеры с огромными прорезными окнами, украшенными витражами;
 пышный декор с использованием золотой краски, резьбы по дереву,
резной раскрашенной религиозной скульптуры.
Барокко (от итал. barocco – странный, причудливый) – стиль в архитектуре, музыке, живописи, литературе, декоративном искусстве конца XVI –
середины XVIII вв. Для него характерны:
 эстетическая аффектация;
 стремление к величию и пышности;
 богатство декоративных элементов, обычно криволинейных форм;
 повышенное внимание к деталировке,
 подчиненность единому ансамблю.
Классицизм (от лат. classicus – образцовый) – стиль и направление в искусстве и литературе XVII – начала XIX вв., ознаменовавшее возвращение
к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Для этого
направления характерны:
 рационализм, нормативность;
 тяготение к гармонии, ясности, и простоте выражения;
 уравновешенность композиции;
 определенная доля схематизации и идеализации
Основной эстетический постулат классицизма – верность природе,
закономерной разумности мира с объективно присущей ему красотой,
находящей выражение в симметрии, пропорции, мере, гармонии, которые
и должны воссоздаваться в искусстве в совершенном виде.
11
Рококо (от франц. rocaille – раковина) – стиль, который возник во
Франции и наиболее ярко выразился в архитектуре, живописи и декоративно-прикладном искусстве. Определяющие черты стиля:
 стремление к изяществу;
 мелкая деталировка формы;
 прихотливость и уравновешенность декора в интерьерах;
 яркие и чистые краски в сочетании с белым и золотым;
 скульптура и живопись отличаются утонченностью, грациозностью;
уходом в мир фантазии, пасторальных и мифологических сюжетов.
Сентиментализм (от фр. sentiment – чувство) – художественное течение в западноевропейском и американском искусстве и литературе во второй половине XVIII в., сложившееся в результате разочарования в положительной роли «цивилизации» и «царства разума», провозглашенных
идеологами века Просвещения. Не оформившись в художественный метод, сентиментализм представляет собой в искусстве особое умонастроение, меланхолическую мечтательность, склонность к уединенным размышлениям, повышенную чувствительность. Для него характерны обращение к идиллическим картинам природы, к «естественной» жизни поселян и вообще «маленького» человека.
Романтизм – широкое идейное и художественное направление в западной и русской культуре, охватившее все виды искусства и гуманитарную
науку в конце XVIII – начале XX вв. Романтики выступали против формализации искусства и прямолинейно-рассудочного подхода к нему, свойственных классицизму. Они проявляли большой интерес к фольклору, демократическим, народным явлениям средневековому и ренессансному искусству, нередко идеализируя их и наследуя из них не столько мрачную
сторону, сколько сказочный элемент, дух карнавальной вольности, склонность к гротеску.
Реализм (от позднелат. Realis – вещественный, действительный) – термин эстетики, относящийся прежде всего к литературе и изобразительному искусству. Как творческий метод реализм имеет несколько эстетических принципов:
 типизация фактов действительности;
 показ жизни в развитии и противоречиях, носящих общественный
характер;
 стремление раскрыть сущность жизненных явлений без ограничения
тем и сюжетов;
 устремленность к нравственным исканиям и воспитательному воздействию.
Выступая как ведущий метод, прежде всего в живописи и литературе,
реализм ярко проявляет себя в связанных с ними синтетических и «техни12
ческих» видах искусства – театре, балете, кино, фотоискусстве и др. С
меньшими основаниями можно говорить о реалистическом методе в музыке, архитектуре, декоративном искусстве, тяготеющих к отвлеченности
и условности.
Натурализм (от лат. Natura – природа) – творческое направление в литературе, изобразительном искусстве, театре, кино, появившееся в последней трети XIX в. в Европе и Америке под влиянием философии позитивизма. По мнению натуралистов, художник должен отражать окружающий
мир без всяких прикрас, типизации, условностей и табу, с максимальной
объективностью, подчиняясь лишь правде "позитивной", экспериментальной науки. Главные признаки натурализма – подчеркнутая «фотографичность» и деэстетизация художественной формы.
Крайними проявлениями натурализма выступают: появившаяся в результате «сексуальной революции» разного рода порнопродукция; изображение «грязных» сторон жизни и сцен насилия, получивших в народе
меткое обозначение «чернуха». В России с ее традиционной религиозностью, духовностью, патриархальностью натуралистическая школа заметного развития не получила.
Модернизм (от фр. moderne – новый, новейший, современный) – совокупность эстетических школ и течений конца XIX – начала XX вв., характеризующихся разрывом с традициями реализма и других предшествующих художественных направлений. К этому понятию близок авангардизм.
Переход мирового искусства в новое качество, объединяемое понятием
«модернизм», обусловили:
 ощущение общей дисгармонии современного мира;
 отчуждение человека от общества;
 растущая роль в жизни людей абстрактного мышления и одновременно бунт против рационализма в искусстве и стремление отразить
в нем некие трансцендентальные и неуловимые стороны действительности.
Существует большое разнообразие модернистских школ и течений.
Особенно широкое распространение получили: символизм, импрессионизм, экспрессионизм, сюрреализм, абстракционизм, футуризм:
символизм – делает акцент на художественном выражении посредством
неких намеков, символов; на поисках «скрытых реальностей», находящихся за пределами чувственного восприятия; на ассоциативности и иносказательности, на идее самоценности искусства;
импрессионизм – течение во французской живописи, характеризующееся стремлением передать средствами искусства мимолетные впечатления,
вкус к пленэру, богатство красок, психологические нюансы, подвижность
и изменчивость атмосферы окружающего мира;
13
экспрессионизм – получил большое распространение в начале XX в. в
Германии и Австрии. Экспрессионизм провозглашал целью искусства не
передачу впечатлений от действительности, а изображение ее трагической
и хаотической, враждебной человеку сути. Он отказался от ясности и гармоничности формы; тяготел к иррационализму, абстрактному обобщению
и обостренной выразительности;
сюрреализм – одно из важнейших течений, возникшее в 20-х гг. прошлого века и затронувшее почти все виды искусства. Его специфика заключается в преимущественно фрейдистском подходе к творчеству, согласно которому, первоисточником творчества выступает неконтролируемая разумом сфера подсознания; а его методом – чистый психический автоматизм, разрыв логических связей, заменяемых субъективными ассоциациями. Сюрреализм использует эффект абсурдного, несоединимого, провозглашаемого «сверхреальным». В манифесте сюрреалистов содержался
призыв к освобождению художника от «оков» интеллекта, от морали и
традиционной эстетики, понимаемых ими как уродливое порождение цивилизации, закрепостившей творческие возможности человека;
абстракционизм – направление беспредметного нефигуративного искусства; провозгласил в живописи и скульптуре отказ от изображения
форм реальной действительности. Он стремился гармонизировать отвлеченные цветовые сочетания или геометрические формы, плоскости, прямые и ломаные линии, которые должны вызывать самые разнообразные
ассоциации. К абстракционизму близок предвосхитивший его кубизм;
футуризм – течение, проявившееся в живописи и поэзии Италии и
США в 10 – 20-х гг. прошлого века с претензией на создание искусства
будущего под лозунгом нигилистического отрицания всего предшествующего художественного опыта. Его последователи стремились отразить динамизм современной машинной цивилизации; воспевали технический прогресс, войну, насилие, жизнь больших городов, что сводилось в живописи
к хаотическим комбинациям плоскостей и линий, дисгармонии цвета и
формы, а в поэзии – к заумности, насилию над лексикой и синтаксисом.
Конечно, перечисленные разновидности модернистского и авангардистского искусства отнюдь не исчерпывают их разнообразия и отличаются размытостью своих критериев и границ.
Помимо видово-жанрово-стилистического принципа классификации
искусства существует и так называемая современная классификация, выделяющая следующие разновидности искусства:
изобразительное искусство воздействует на человека визуально то есть
через зрительное восприятие. Произведения изобразительных искусств
имеют материальную предметную форму и не меняются во времени и пространстве. К ним относятся: живопись, скульптура, графика, монументальное искусство, декоративно-прикладное искусство;
14
музыка – вид искусства, рассчитанный на слуховое восприятие и отличающийся прямым и особо активным действием на чувства людей. Главным выразительным средством здесь выступает звук, мелодия, полифония,
ритм, композиция, гармония. В отличие от всех видов изобразительного и
словесного искусств, музыка не воспроизводит видимых картин мира и
лишена смысловой конкретности. Поэтому ее считают подлинно общечеловеческим, универсальным «языком», не требующим перевода. По сравнению с произведениями всех видов искусства музыкальные творения
практически не уничтожаемы, они созданы в идеальной форме;
синтетические искусства – это такие виды художественного творчества, которые представляют собой органическое слияние или относительно свободную комбинацию разных видов искусств. К ним относятся: 1) театр (драматический и оперный), объединяющий литературу, актерское мастерство, живопись, музыку, декоративно-прикладное искусство; 2) балет,
использующий естественную пластику человеческого тела и сочетающий
себе танец, музыку, живопись, скульптуру; 3) эстрадное искусство, представляющее разнообразный набор номеров, – конферанс, пение, декламацию, танец, иллюзионизм, акробатику; цирк со спортивным и смеховым
элементом. Синтетическое искусство не следует путать с синтезом искусств, когда, например, архитектурное сооружение украшено скульптурой,
живописью и т. д.;
технические искусства в своих развитых формах возникли в XV в. с
создания художественных клише. Процесс продолжился благодаря созданию фонографа, фотографии, немого кино. В XX в. появились звуковая,
цветная и стереоскопическая кинотехника; электроника. В наши дни к
наиболее распространенным видам технических искусств относятся: фотоискусство, искусство кино, мультипликация, телевидение, компьютерные аудио- и видеотехнологии;
декоративно-прикладное искусство – одно из самых древних. Оно обслуживает практические нужды человека, одновременно удовлетворяя его
основные эстетические потребности. Сфера декоративно-прикладного искусства: от эстетического оформления предметов повседневного пользования (посуды, различного рода инструментов, мебели, тканей, личного
холодного и огнестрельного оружия) до художественной организации архитектурно-парковых ансамблей. Сюда же относятся: оформление интерьеров декоративными росписями, декоративной скульптурой, барельефами,
плафонами, вазами; художественно выполненная одежда, ювелирные
украшения, искусство макияжа, парикмахерское искусство.
В истории художественной культуры наряду с усилением расхождения
и выявления специфики каждого вида искусства, протекает и встречный
процесс – синтез различных видов искусства. Можно выделить следующие
способы взаимодействия видов искусства между собой:
15
синкретизм – это нерасчлененное, органическое единство разных видов
искусства (первобытное искусство);
соподчинение – доминирование одного вида искусства над сотрудничающим с ним другим видом (архитектура и живопись, органная музыка с
готическим собором);
коллаж – это «склеивание» отдельных элементов разных искусств (мистерии в средние века);
симбиоз – когда несколько видов искусства равноправно взаимодействуют, сливаясь в нечто новое (опера);
снятие – это когда один вид искусства становится основой другого (литературная основа хореографии, балета; театр и музыка, литература, архитектура, графика, танец и т. д.);
трансляционное сопряжение – когда один вид искусства становится
средством передачи другого (телевидение, кино и фотография – театр, эстрада, балет).
Взаимодействие различных видов искусства – явление полезное для самого развития искусства. Но оно имеет свои пределы, его грани исторически подвижны и изменчивы. Существование различных видов искусства
вызвано тем, что ни одно из них своими собственными средствами не может дать всеобъемлющую художественную картину мира.
Контрольные вопросы
Что такое искусство? Дайте определение.
Что является предметом искусства?
Какие функции выполняет искусство в системе духовной культуры
человека?
4. Какие виды искусства вам известны?
5. В чем заключаются сложности позиционирования дизайна в системе
искусства?
6. Дайте определение понятию «стиль» в искусстве.
7. Перечислите основные стили и направления в искусстве.
8. Что способствует появлению новых видов искусства?
9. Чем обусловлено появления модернизма?
10. Назовите способы взаимодействия видов искусства между собой.
1.
2.
3.
16
Раздел 2. Первобытное искусство
Искусство первобытного общества развивалось в течение очень длительного времени в Австралии и Океании, Африки и Америки. В Европе и
Азии его возникновение восходит к ледниковому периоду, когда большая
часть Европы была покрыта льдом.
Древнейшие этапы развития первобытной культуры, когда впервые появляется и искусство, относятся к палеолиту, причем непосредственно искусство появилось лишь в позднем палеолите. Позднее искусство достигло
большого расцвета. Более поздние этапы развития первобытного искусства
относятся уже к мезолиту, неолиту и ко времени распространения первых
металлических орудий.
Хронологию наскального искусства эпохи верхнего палеолита следует
расположить следующим образом (градация довольно условна):
Ориньяк-перигор (40000–25000 лет до н.э.). Момент наибольшего
распространения палеолитического искусства – от самых восточных районов Сибири до Средиземноморья. Самые выразительные примеры живописи данного периода сосредоточены в пещере Ласко (Дордонь, Франция).
Солютре (25000–15000 лет до н.э.). Период господства высокого рельефа, выполненного в технике углубления окружающей поверхности.
Наиболее характерные произведения найдены на стоянке Ле Фурне дю
Дьябль (Франция).
Мадлен (15000–10000 лет до н.э.). Период создания изображений, отличающихся наивысшим реализмом. Самый значительный памятник искусства – ансамбль пещеры Альтамира (Испания).
Эпипалеолит и мезолит (10000–8000 лет до н.э.). Периоды, в которые
художественное творчество практически не получило дальнейшего развития. Результаты ограничиваются предметами мобильного искусства. Исключение составляет левантийское искусство, живопись севера Африки.
Неолит (8000–7000 лет до н.э. – середина IV тыс. до н.э.). Эпоха керамики, изменения художественных ориентиров, попытка передать иллюзорный облик окружающего мира средствами искусства. Иберийское, левантийское, тассильское искусство, главный герой которого – человек общественный, включённый в социальные отношения, член определённой
группы, занятый охотой, участвующий в битвах, обрядах и ритуалах. Геометрическая стилизация и условность в изображении как отличительная
черта искусства неолита. Неолитическая скульптура. Ранняя керамика.
Гончарное ремесло. Менгиры и мегалиты как самые ранние архитектурные памятники прошлого. (Карнак, Стоунхендж). Дольмены – коллективные погребения с каменным сводом и курганом.
17
Примерами ранних произведений первобытного искусства являются
схематические контурные рисунки звериных голов на известняковых плитах, найденные в пещерах Ла-Ферраси (Франция). Эти изображения очень
примитивны, но в них видны зачатки представлений первобытных людей
об окружающем мире.
Древние поселения (стоянки), состоявшие из нескольких жилищ располагались под навесами скал, в гротах и пещерах. Яркий пример тому является «большой дом» родовой общины из поселения Костенки I, около
Воронежа, (35x16 м).
Именно в таких жилищах обнаружены вырезанные из кости, рога или
мягкого камня небольшие по размерам (5–10 см) скульптурные фигурки,
изображающие женщин с гипертрофированными женскими формами (палеолитические венеры). Первобытные скульпторы довольно верно передавали общие пропорции фигуры, тщательно передавали детали прически,
татуировки, а черты лица не изображали вовсе. (Статуэтки из Виллендорфа в Австрии, из Ментоны и Леспюга, деревен Костенки и Гагарино на
Дону).
В наскальных изображениях первобытные художники чаще всего
изображали животных. Наиболее древние из этих изображений еще очень
схематичны. Обычно изображения нанесены на камень резьбой или прочерчены по сырой глине. Как в скульптуре, так и в живописи в этот период
передаются только самые главные особенности животных: общая форма
тела и головы, наиболее заметные внешние приметы. (Ниндаль, Ла Мут,
Кастильо).
Изображения человека встречаются крайне редко. (Рельефы из стоянки
Лоссель во Франции).
В мадленском искусстве наблюдается более глубокое понимание и
восприятие жизни. Стенные росписи этого времени были найдены с 80–90х гг. 19 века в пещерах южной Франции (Фон де Гом, Ласко, Монтиньяк,
Комбарелль, пещера Трех братьев, Нио и др.) и северной Испании (пещера
Альтамира).
Наряду с живописью, исполненной красной, желтой и черной красками, среди произведений мадленского искусства встречаются рисунки, вырезанные на камне, кости и роге, барельефные изображения, и редко круглая скульптура.
Охота занимала чрезвычайно важное место в жизни первобытного человека, поэтому изображения зверей встречаются чаще всего: бизоны,
олени, носороги, мамонты, пещерные львы, медведи и тд.
В мадленский период изображения стали гораздо более конкретны и
жизненно правдивы, чем в более поздние периоды. Первобытный художник теперь ясно понимал строения и формы тела, умел правильно передать
не только пропорции, но и движение животных. (Изображения бизона и
18
оленя из грота Лортэ и Верхней Ложери, мамонта и медведя из пещеры
Комбарелль во Франции).
Наибольшим художественным совершенством среди памятников искусства мадленского времени отличаются прославленные росписи в пещерах Ласко и Фон де Гом во Франции, Альтамира в Испании.
Это контурные рисунки, изображающие красной или черной краской
профиль животного, со штриховкой поверхности тела отдельными линиями, передающими шерсть. Впоследствии фигуры стали полностью закрашиваться одной краской с попытками объемной моделировки. Вершиной
палеолитической живописи являются изображения животных, выполненные двумя или тремя красками с различной степенью тональной насыщенности. В этих больших (около 1,5 м) фигурах нередко использованы естественные выступы и неровности скал.
Повседневные наблюдения за зверем, изучение его повадок помогли
первобытным художникам создать изумительно яркие художественные
произведения. Меткость наблюдения и мастерская передача характерных
движений и поз, четкая ясность рисунка, умение передать своеобразие облика и состояния животного – всем этим отмечены лучшие из памятников
мадленской живописи. Таковы изображения раненых бизонов в Альтамирской пещере, ревущего бизона в той же пещере, пасущегося северного
оленя, медлительного и спокойного, в пещере Фон де Гом (Франция), бегущего кабана в Альтамире (Испания).
В росписях пещер встречаются преимущественно единичные изображения животных, чаще всего никак не связаны одно с другим.
Люди в мадленских росписях не изображаются, за исключением редчайших случаев (рисунок на куске рога из Верхней Ложери), где показаны
люди, замаскированные под животных во время охоты.
Одновременно с развитием росписей и рисунков на кости и камне в
мадленский период развиваются скульптуры из камня, кости и глины, и,
вероятно, из дерева.
Замечательные образцы скульптуры, выполненные из кости, найдены в
пещере Мае д'Азиль (Франция) и вылепленные из глины (пещеры Тюк
д'Одубер и Монтеспан) изображения бизонов, медведей, львов и лошадей.
Эти скульптуры, выполненные с большим сходством, иногда даже, повидимому, покрывались шкурами и имели не скульптурные, а приставленные настоящие головы (фигура медвежонка из пещеры Монтеспан).
Наряду с круглой скульптурой в это время исполнялись и изображения
зверей в рельефе. (Убежища Лё Рок, Франция).
Новый этап развития первобытного искусства, отражающий глубокие
изменения в представлениях человека об окружающей действительности,
связан с периодами мезолита, неолита и энеолита (медный век).
19
Наряду с охотой и рыболовством все большее значение стали приобретать земледелие и скотоводство. С этим временем связано изобретение лука и стрел, затем – глиняной посуды, а также появление новых типов и
усовершенствование техники изготовления каменных орудий. Позднее
наряду с господствующими каменными орудиями появляются отдельные
предметы из металла (преимущественно из меди).
В это время человек овладевал все более разнообразными строительными материалами, учился возводить новые типы жилищ. Совершенствование строительного дела подготовляло сложение архитектуры как искусства.
Большие изменения в этот период произошли и в изобразительном искусстве: нарастает схематизация и, одновременно, повествовательная
сложность, приводящая к попыткам передать действие, событие. Наряду с
изображением животных в искусстве этого времени все более значительную роль начинает играть изображение людей в сценах охоты или военных столкновений. Деятельность людей, коллектива древних охотников
становится теперь центральной темой искусства. Новые задачи потребовали и новых форм художественного решения – более развитой композиции,
сюжетного соподчинения отдельных фигур, некоторых, пока еще довольно
примитивных приемов передачи пространства.
В этот период происходит развитие геометрического орнамента. (Триполъские сосуды).
Последний этап истории первобытного общества характерен возникновением первых рабовладельческих государств. Появился новый, ранее невиданный тип архитектурных сооружений – крепости.
Особенно характерны так называемые циклопические крепости, стены
которых складывались из огромных грубо отесанных глыб камня.
Наряду с оборонительными сооружениями на поздних этапах развития
первобытного общества широкое развитие получили сооружения совсем
иного рода, так называемые мегалитические (то есть выстроенные из громадных камней) постройки – менгиры, дольмены, кромлехи.
Дольмены – по одной из версий это гробницы, построенные из поставленных стоймя огромных камней, перекрытых сверху одной или двумя
каменными плитами. Сооружения такого характера иногда находятся
внутри погребальных курганов и могут иметь несколько камер.
Наиболее сложными мегалитическими постройками являются кромлехи. Примерами такого типа сооружений являются святилища Эвбери и
Стонхендж в южной Англии. Истинное назначение этих сооружений
определить сложно.
Менее значительными в этот период были успехи скульптуры (если
можно так назвать). Чаще всего встречаются менгиры – вертикально стоящие одиночные камни – далекие предшественники позднейших памятни20
ков монументальной скульптуры. Грубо высеченные каменные статуи,
крайне схематично изображающие человека, большей частью женщину,
распространены во Франции в Крыму в Южной Сибири)
Дальнейшее развитие получили в этот период художественные ремесла: украшения из золота, посуда, изделия из кости, рога, кожи и дерева.
Контрольные вопросы
В какой период начинается художественная деятельность человека?
В чем проявляется синкретизм первобытного искусства?
Каковы хронологические рамки первобытного искусства?
Какие виды искусства начинают оформляться в эпоху первобытного общества?
5. Какого типа изображения характерны для палеолита?
6. Перечислите основные способы нанесения изображения.
7. Назовите основные сюжеты палеолитического искусства.
8. Назовите основные сюжеты неолитического искусства.
9. Что такое дольмены? Менгиры?
10. Назовите время появления изображений животного? Человека?
«Сюжетной» композиции?
1.
2.
3.
4.
21
Раздел 3. Искусство Древнего Востока
Постепенное развитие производительных сил и разделение руда создали в рамках первобытного общества необходимые условия для перехода к
рабовладельческому строю, который был исторически необходимым и
имел по сравнению с предыдущей эпохой прогрессивное значение в развитии человеческого общества, послужив основой дальнейшего роста производительных сил и культуры. В плодородных долинах Нила, Тигра и Евфрата возникли первые государства.
В этот период возникла письменность и были разработаны разные ее
системы (иероглифы, клинопись и др.); появились зачатки научных знаний
в области математики, астрономии, медицины; зародились элементы философских воззрений.
Египетские пирамиды, зиккураты Месопотамии, дворцы и храмы не
только возвеличивали небесных и земных владык, но являлись свидетельством высокой художественной одаренности древних народов, достижением их гигантского коллективного труда.
В Древнем Востоке получили развитие скульптура и живопись, существовавшие в большинстве случаев в синтезе с монументальным зодчеством, а также прикладное искусство. Синтез изобразительных искусств, в
котором доминирующее значение имела архитектура, был особенностью и
вместе с тем существенным достижением художественной культуры древневосточных народов.
Характерной чертой изобразительного искусства Древнего Востока
явилась выработка канонов художественного изображения, которые в
дальнейшем и тормозили развитие искусства, но на ранних этапах способствовали сложению и совершенствованию мастерства древневосточных
художников. Было выработано и получило развитие определенное понимание пластической формы, композиции, ритма. Художники научились
изображать события в их связи и единстве. Значительный технический
прогресс в искусстве обусловили серьезные успехи в овладении материалом архитектуры, скульптуры и живописи.
3.1. Искусство Древней Месопотамии.
На юге Междуречья в начале III тысячелетия до н. э. возникли древнейшие рабовладельческие города-государства – сначала Шумер, а позже
Аккад. Во II тысячелетии до н. э. вавилонский царь Хаммурапи подчинил
22
своей власти Шумер и Аккад. Так образовалось Вавилонское царство. На
севере, по среднему течению Тигра, находилось другое рабовладельческое
государство – Ассирия.
Основные этапы развития искусства Месопотамии:
 Шумерская цивилизация (начало III тысячелетия до н.э., города
Обейда, Урук, Эриду)
 Аккадская цивилизация (середина III тысячелетия до н.э., город Аккад)
 Шумеро-Аккадская цивилизация (конец III тысячелетия до н.э., города Сузы, Лагаш, Урук)
 Первая Вавилонская Империя (XVIII–XVI вв. до н.э., город Бабилум)
 Ассирийская империя (XIV–VII вв. до н.э., города Хорсабад, Ниневия)
 Вторая Вавилонская (Нововавилонская) Империя (VI–IV вв. до
н.э.)
Древняя Месопотамия по праву может считаться колыбелью человеческой цивилизации. Ограниченное число сохранившихся памятников искусства и письменных источников во многих случаях не дает возможности
исчерпывающе объяснить все явления искусства. Особенно сложно представить ранние периоды развития искусства, но все же достаточно данных,
чтобы проследить пути развития искусства Древней Месопотамии.
Искусство Шумера и Аккада
Наиболее древней и лучше всего изученной культурой является культура племен и народов, проживавших в городах Обейда, Урук, Эриду.
О древнем храмовом зодчестве шумерийских городов дают представление развалины храма в Эль-Обейде (2600 г. до н.э.) посвященного богине
плодородия Нин-Хурсаг. Храм стоял на высокой платформе, сложенной из
плотно утрамбованной глины. Стены платформы и святилища были расчленены вертикальными выступами, подпорные стены платформы были
обмазаны в нижней части черным битумом, а вверху побелены и таким
образом членились также и по горизонтали. Создавался ритм вертикальных и горизонтальных сечений, повторявшийся и на стенах святилища,
правда в несколько иной интерпретации. Здесь вертикальное членение
стены прорезывалось по горизонтали лентами фризов.
Вдоль стены, в нишах между выступами стояли выразительные медные
23
фигурки идущих быков. Выше поверхность стены украшали три фриза,
находившиеся на некотором расстоянии один от другого: горельефный с
выполненными из меди изображениями лежащих бычков и два с плоским
мозаичным рельефом, выложенным из белого перламутра на черных шиферных пластинках.
Основным строительным материалом построек Месопотамии служил
кирпич-сырец, значительно реже обожженный кирпич. Конструктивной
особенностью монументального зодчества было идущее от 4 тысячелетия
до н.э. применение искусственно возведенных платформ, что объясняется,
возможно, необходимостью изолировать здание от сырости почвы, увлажняемой разливами, и вместе с тем, вероятно, желанием сделать здание видимым со всех сторон.
Другой характерной чертой, основанной на столь же древней традиции,
была ломаная линия стены, образуемая выступами. Окна, когда они делались, помещались в верхней части стены и имели вид узких щелей. Здания
освещались также через дверной проем и отверстие в крыше.
Шумерийцами был создан зиккурат – своеобразный тип культовых построек, в течение тысячелетий занимавший видное место в архитектуре
городов Передней Азии. Зиккурат возводился при храме главного местного божества и представлял высокую ступенчатую башню, сложенную из
кирпича-сырца; на вершине зиккурата помещалось небольшое сооружение, венчавшее здание, - так называемое «жилище бога». Своей монументальностью зиккурат напоминает пирамиды Египта.
Большим совершенством в Древнем Шумере отличалась металлопластика и другие виды художественного ремесла. (погребальный инвентарь
«царских гробниц» 27 - 26 вв. до н.э.). В гробницах найдены также образцы мозаичного искусства, среди которых лучшим является так называемый «штандарт»: две продолговатые прямоугольные пластинки, укрепленные в наклонном положении наподобие крутой двускатной крыши,
сделанные из дерева, покрытого слоем асфальта с кусочками ляпис-лазури
(фон) и раковинами (фигуры).
Лучшим образцом скульптурного рельефа Шумера является стела Эаннатума, получившая название «Стелы Коршунов». (25 в. до н.э.). Человеческие фигуры одинаковы, статичны, их разворот на плоскости условен:
голова и ноги повернуты в профиль, в то время как глаза и плечи даны в
фас. Возможно, такая трактовка объясняется (как и в египетских изображениях) стремлением показать человеческую фигуру так, чтобы она воспринималась особенно наглядно.
Большую ценность для истории искусства имеют памятники глиптики,
то есть резные камни – печати и амулеты. Они часто заполняют пробелы,
вызванные отсутствием памятников монументального искусства, и позво24
ляют полнее представить развитие искусства Двуречья. Печати-цилиндры,
относящиеся ко времени Шумера, весьма разнообразны. Излюбленными
сюжетами являются мифологические, чаще всего повествуют о Гильгамеше – герое непобедимой силы и непревзойденной смелости. Встречаются
печати с изображениями на темы мифа о потопе, о полете героя Этаны на
орле к небу за «травой рождения» и др.
Для печатей-цилиндров Шумера характерна условная, схематичная передача фигур людей и животных, орнаментальность композиции и стремление заполнить изображением всю поверхность цилиндра. Как и в монументальных рельефах, художники строго придерживаются расположения
фигур, при котором все головы помещаются на одном уровне, отчего животные представлены стоящими на задних лапах. Часто встречается на цилиндрах мотив борьбы Гильгамеша с хищными животными.
В искусстве Аккадского царства получили развитие реалистические
тенденции. Одним из лучших произведений этого времени является победная стела царя Нарамсина, повествующая о его победе над горными
племенами.
В изображениях появляется единство и ясность композиции, создается
впечатление движения и пространства, появляется пейзаж, реалистичность
в трактовке человеческих фигур.
Новые черты приобретает и круглая скульптура, (голова Саргона I) –
суровая реалистичность в передаче черт лица, тщательная проработка элементов боевой амуниции.
В печатях времени Аккада одним из основных сюжетов остается Гильгамеш и его подвиги. Характер миниатюрных рельефов тот же, что и в монументальном рельефе – симметричное расположение фигур, четкость и
ясность в композицию, стремление естественно передать движение, тела
людей и животных моделированы объемно, подчеркнута мускулатура, в
композицию введены элементы пейзажа.
Искусство Вавилона и Ассирии
На многих архитектурных и скульптурных памятниках вавилонян и ассирийцев видны следы раскраски. Глазурованные кирпичи из облицовки
зданий до сих пор сохранили свои яркие цвета. Поэтому, хотя у нас нет
картин того времени, написанных на стенах или досках, мы все же имеем
некоторое представление и о живописи древних жителей Междуречья.
Археологические раскопки (особенно в царских могилах) свидетельствуют о высоком уровне развития ювелирного искусства.
Памятников изобразительного искусства Древнего Вавилона до нас дошло очень мало. Лучшим из сохранившихся произведений вавилонского
25
искусства является диоритовый рельеф, венчающий свод законов царя
Хаммурапи (1792–1750 гг. до н.э.). На стеле изображен бог, сидящий на
троне и царь Хаммурапи, принимающий жезл и магический круг – символы власти. Фигура царя меньше фигуры бога, изображение канонически
скованно и торжественно.
Зданий времен Хаммурапи не сохранилось. Но благодаря раскопкам
можно судить, как выглядел Вавилон VII–VI вв. до н. э. Город был обнесен высокой зубчатой стеной с башнями и воротами. Главные ворота богини Иштар имели форму арки и были облицованы глазурованными кирпичами. На синем фоне изображены фантастические белые и желтые драконы и быки. За воротами находился храм бога Мардука с семиэтажной
ступенчатой башней – зиккуратом. который был основной архитектурной формой вавилонских храмов.
О высоком искусстве вавилонских архитекторов свидетельствуют развалины висячих садов, украшавших дворец царя Навуходоносора II (VI в.
до н. э.), которые он возвел для своей любимейшей жены. Высокие сводчатые арки из кирпича были расположены уступами друг над другом, образуя террасы. Поверх кирпича налит асфальт, на котором помещались
свинцовые плиты, а на них насыпана земля и посажены деревья и кусты. В
безлесной Вавилонии висячие сады производили необыкновенное впечатление. Недаром древние греки считали их одним из семи чудес света.
К северу от Вавилона, в Ассирии, археологи также раскопали несколько
городов, где были царские дворцы. И если каждый город был хорошо
укрепленным местом, то дворец можно было назвать крепостью в крепости. Столица Саргона II (VIII в. до н. э.) так и называлась Дур-Шаррукин,
что значит Крепость Саргона. Дворец стоял на высоком, искусственно
насыпанном холме. Фасад дворца, его толстые стены были укреплены
большими выступами, а в образованных ими нишах стояли статуи. Две из
них одинаковы – это два могучих великана, каждый из которых держит одной рукой льва, как котенка. По-видимому, это изображен Гильгамеш, победивший страшного льва.
По бокам у входа во дворец стояли огромные статуи крылатых быков
с человеческими головами – шеду – стражи, охраняющие дворцовые врата
(712 – 707 до н. э.). Каждый, кто подходил ко дворцу видел шеду в фас –
голову, грудь и две ноги. Смотрящему на шеду в профиль, начинало казаться, что бык шагнул вперед. Ассирийский скульптор добился этого,
сделав быку пять ног! Спереди видны две ноги, а сбоку – четыре. А если
бы не пятая нога, то в профиль бык казался бы треногим.
Особую нарядность придавала дворцу облицовка стен разноцветными
глазурованными кирпичами. На синем или голубом фоне были изображены белые и желтые розетки, листья, цветы, деревья, животные. Но, самы-
26
ми интересными и произведениями были ассирийские рельефы, украшавшие стены дворцов.
Ассирия была могущественной военной державой, ее походам и завоеваниям не было конца, поэтому и на дворцовых рельефах изображены в
основном военные сцены, прославлявшие царя-полководца. Все сцены реалистичны, человеческие фигуры изображены в профиль, особенно привлекает внимание сильно подчеркнутая мускулатура рук и ног.
Эти памятники являются бесценным источником для изучения истории,
жизни и быта древних, давно исчезнувших народов.
3.2. Искусство Древнего Египта
Древний Египет – один из самых древних и высокоразвитых очагов
культуры, возникший в Северо-Восточной Африке, в долине реки Нил.
Плодородные почвы, достаточное количество строительного материала
(песчаника, известняка, гранита, базальта, диорита и алебастра), богатые
месторождения золота и меди способствовали зарождению развитой цивилизации.
Уже в 5-4 тысячелетии до н. э. началось сооружение оросительных каналов, что привело к появлению номов – крупных территориальных объединений раннеземледельческих общин. Система древнеегипетских номов,
сформировавшаяся в 4 тыс. до н.э., оставалась основой административного
деления Египта до самого конца его существования.
Создание единой системы ирригационного земледелия стало предпосылкой для возникновения в Египте централизованного государства со
столицей в городе Мемфис. Египетское предание приписывает заслугу
объединения страны первому фараону I династии – Мине. С этого времени
в Египте начинается эпоха т. н. Раннего царства, которое охватывает период правления I и II династий (достоверные сведения об этом периоде очень
скудны).
Сакральный (священный) характер древнеегипетской культуры проявляется в ее глубочайшей символичности. Основными символами являлись:
сфинкс; фараоны; боги Ра, Осирис, анкх; пирамиды.
Сфинкс как олицетворение тайной премудрости – универсальный символ цивилизации Древнего Египта. Представая в облике фантастического
существа с человеческой головой на теле льва, он раскрывает загадку
сущности человека, которая мыслилась египтянам как сочетание духовного и природного естества, мыслительной и физической силы.
27
Фараоны в Древнем Египте считались потомками и наместниками богов, призванными устанавливать божественный порядок и вершить справедливость на земле. Правитель обладал беспредельной властью.
Символом божественного происхождения и земной власти становятся
пирамиды, в которых покоятся тела умерших фараонов: пирамиды Джосера и Снофру (ансамбль в Гизе).
Вселенная, по представлениям египтян, была создана богом солнца Ра,
родившимся из бутона голубого лотоса – символа жизни. Из уст Ра вышли
первые боги, а из его слез появились люди. Обожествление растений и
особенно зооморфизм (культ животных) – характерные особенности их
религии.
Священный атрибут богов, знак их мудрости и власти – анкх (так называемый египетский крест с петлей, "ключ Нила"). Он символизирует жизнь
как точку сообщения между мирами — божественным и земным, духовным и материальным. Анкх выражает идею бессмертия человеческого существования. Смерть рассматривается как переход к иной, лучшей жизни.
Огромное влияние на развитие духовной и материальной культуры Древнего Египта оказал культ мертвых.
Идея бессмертия, неуничтожимости человеческой сущности нашла
наглядное воплощение в произведениях литературы ("Тексты саркофагов",
"Книга мертвых", "Беседа разочарованного со своей душой"), в скульптуре
(золотая маска фараона Тутанхамона, статуи Рамсеса II в Абу-Симбеле), в
живописи (росписи гробниц в Фивах, Луксоре) и в архитектуре (пирамиды
фараонов Хуфу, Хафра и Менакура).
Искусство у египтян рассматривалось как один из актов деяния богов, а
потому божественное и священное. Понятия «познание», «овладение»,
«изображение» выступали у египтян как синонимы.
Эволюция понятия «искусство» в Египте происходила в несколько этапов:
 искусство как подлинное умение красноречия (Древнее Царство);
 искусство как техника, умение, мастерство, «искусство сделанной
вещи» (Среднее Царство);
 как оценка профессионального мастерства (Новое Царство).
В Древнем Египте использовалось понятие «нефер» (nfr) – обозначающее впечатление удовольствия, получаемое от музыки, танца, искусно
сделанной вещи. Понятие nfr связано с восприятием и ощущением, несущими в себе критерий прекрасного (аналог греческого понимания эстетического).
Дошедшие до наших дней литературные произведения: «Книга мертвых» – первое «литературное» произведение Египта, в которой содержаться знания о власти и общественной организации, его верованиях и ритуа28
лах; «Сенухет-египтянин» – энциклопедия политической и светской жизни
Древнего Египта.
В истории искусства Египта выделяют следующие периоды:
 додинастический (5000 – 4000 лет до н.э.);
 Древнее царство (3000 – 2300 лет до н.э.);
 первый распад Египта (2300 – 2050 лет до н.э.);
 Среднее царство (2050 – 1700 лет до н.э.);
 второй распад Египта (1700 – 1580 лет до н.э.);
 Новое царство (1580 – 1070 лет до н.э.);
 поздний период (1070 – 332 лет до н.э.);
 греко-римский период (332 г. до н.э. – 1395 г. н.э.).
Искусство Древнего Царства
Период правления III –VIII династий называется Древним Царством,
продолжавшееся на протяжении большей части 3 тысячелетия.
Развитие каменного зодчества привело к возведению гигантских погребений – пирамид, строившихся в течение всего периода Древнего царства.
Первая монументальная ступенчатая каменная пирамида в Саккара с
большим комплексом построек вокруг принадлежит фараону III династии
Джосеру. Архитектором этого комплекса считается зодчий Имхотеп
Однако самые великие и известные всему миру еще в древности как
чудо света пирамиды находятся вблизи от Каира, в Гизе – пирамиды, возведенные царями 4 династии – Хуфу (Хеопсом), Хафра (Хефреном) и Менкаура (Микерином).
Возле каждой из пирамид располагался верхний, заупокойный храм,
соединявшийся длинным каменным проходом с нижним, у границы разлива Нила. Рядом с храмом при пирамиде Хафра возвышается Большой
Сфинкс, почти полностью вырубленный из скалы. Предположительно лицо Большого Сфинкса является портретом самого Хафра. Около царских
пирамид появлялись большие некрополи, состоявшие из каменных гробниц – мастаб (мастабы вельмож Ти, Птаххотепа, Мерерука). Помещения,
предназначенные для посещения гробницы, украшались раскрашенными
рельефами и сопроводительными иероглифическими надписями.
Очень интересен храм царицы Хатшепсут, вырубленный в скале, в котловине Дейр-эль-Бахри (архитектор Сененмут). Зодчий Сененмут. Храм
расположен на трех террасах, соединенных пандусами и обрамленных колоннами и столбами. Въезд на первую террасу охраняли сфинксы. Внутренние стены заупокойного храма покрыты рельефами.
29
При строительстве использовали различные материалы: необожженный
кирпич – для жилищ и дворцов, камень – для священных построек, храмов
и гробниц.
В египетской архитектуре наблюдается тесная связь с природой, гармоничное сосуществование с географическим контекстом.
Скульптурные и рельефные изображения воплощали в себе то, что хотел видеть и иметь владелец гробницы после смерти, рассматривались как
приют жизненной энергии умершего. Статуи владельца гробницы воплощали его Ка – «двойника» умершего. Самыми известными являются портретные скульптуры Хемиуна, Каапера, Каи, Анххафа, Рахотепа и Нофрет.
Характерными чертами египетской скульптуры были: отсутствие
портретного сходства; закон фронтальности; закон осевой симметрии; монументальность; идеализация («красота молодости как символ вечности»);
написанное имя как придание индивидуальности портрету. («Сельский
староста», «Колоссы Рамзеса II», «Тутмос I», «Жрец Каапер», «Бюст Эхнатона»).
Наиболее употребительными материалами для скульптуры в период
Древнего Царства были: мрамор, дерево и покрывающаяся эмалью глина.
Среднего и Нового Царства – известняк, сланец, диорит, базальт, красный
гранит, обсидиан, порфир, реже древесина или металл. Так же использовали золото, стекло, медь при отделке и инкрустации статуй.
Основные типологии скульптурного изображения: персонажи божественного сана (сидячие и стоячие); люди низшей социальной категории;
конкретные типы людей (профессии); семейные группы.
В этот же период складываются каноны древнеегипетского изобразительного искусства: правила изображения человеческой фигуры; понимание пространства и композиции; техника живописи (темпера); цвет как носитель ценностей, представляющих суть вещей, за рамки своей декоративной функции; «иерархический взгляд»; максимальный натурализм при
изображении животных; большая лёгкость в линиях и большая степень
свободы в формах и композиции при изображении низших социальных
слоёв.
В изобразительном искусстве преобладал высокий рельеф, барельеф и
расписной рельеф. «Музыкантши» (роспись гробницы Нахт), роспись саркофага Гет-мут, «Охота на гиппопотамов», «Жертвоприношение» (рельеф
в гробнице Саккара).
Около 2200 до н. э. Египет распадается на независимые и даже враждующие между собой номы.
30
Искусство Среднего царства
Период Среднего царства характеризуется усилением позиций местных
князей – номархов, при дворе которых развиваются местные художественные школы. В среднем Египте (Бени-Хасане, Меире, Асьюте, Эль-Кабе,
Эль-Берше) сохранились богато декорированные росписями и рельефами
гробницы номархов, отказавшихся от прежней формы погребения – мастаб. В погребальном ритуале также происходят значительные изменения:
каждый умерший отождествлялся с богом Осирисом; на стенках саркофагов появляются «Тексты саркофагов» – заклинания, отражающие представления египтян о загробном мире.
При фараонах XII династии переживает бурный расцвет египетская
скульптура. Лучшими примерами могут служить портретные скульптуры
Сенусерта III и Аменемхета III. Крупных построек фараонов Среднего
царства сохранилось немного: храм Ментухотепа I в Дейр-эль-Бахри в Фивах, часовня Сенусерта I в Карнаке (Фивы), руины пирамид (правда, более
скромных, чем в Древнее царство) и мощных крепостей на границе с Нубией, позволяют представить масштабы монументального зодчества.
Очень ценным сведением является сообщение Геродота о Лабиринте (вероятно, это был заупокойный храм), построенном Аменемхетом III близ
Иттауи – резиденции фараонов XII династии.
Период Среднего Царства заканчивается нападением гиксосов – воинственные племена кочевников-скотоводов, захвативших Египет.
Искусство Нового царства и позднего периода
С момента освобождения Египта от гиксосов ведется отсчет третьего
периода его расцвета – эпохи Нового Царства (1555–80 гг. до н.э., время
правления XVIII династии).
Это была эпоха наивысшего культурного расцвета древнего Египта.
Возводятся грандиозные храмовые комплексы, посвященные богу Амону,
Хонсу и богине Мут в Карнаке и Луксоре.
Складывается новый тип храмового сооружения, существовавшего до
конца древнеегипетской истории: священная аллея процессий, уставленная
с обеих сторон сфинксами; пилоны (превратные башни храма); перед пи-
31
лонами возвышались огромные статуи фараона и деревянные мачты с
пестрыми флагами.
Для времени Нового царства характерно появление светских мотивов
в архитектуре: изощренная проработка деталей; украшенность рельефами
и росписями; большое количество скульптур.
Наивысший подъем египетского искусства совпал с царствованием
Аменхотепа III. Заупокойный храм Аменхотепа III, от которого сохранились лишь два сфинкса и колоссы Мемнона, намного превосходил по величине все заупокойные храмы предшествующих и последующих фараонов Нового царства.
Высоким мастерством исполнения отличалась мелкая пластика и художественное ремесло. (Статуэтки жреца Аменхотепа и жрицы Раннаи, резные ложечки в форме обнаженных девушек, фигурные сосуды, мебель,
украшения и т. п.).
При Аменхотепе IV (Эхнатоне) вслед за религиозной реформой фараона, происходят изменения в изобразительном искусстве. Меняется подход
к изображениям самого фараона и его подданных, ставших более реалистичными и индивидуальными. Блестящим примером искусства данного
периода могут служить портреты царицы Нефертити, Эхнатона, их дочерей и царедворцев.
С приходом второго фараона XIX династии, Рамсеса II, начинается новый этап в развитии древнеегипетской культуры. В Фивах возводится заупокойный храм Рамессеум. Во многих храмах были проведены масштабные работы, в результате которых храмы приобрели множество гигантских
статуй фараона и новые грандиозные дополнения.
В 332 г. до н.э. Египет был завоеван Александром Македонским. Великий полководец основал в дельте Нила, на берегу Средиземного моря, город, названный его именем – Александрию, в которой располагалась знаменитая Александрийская библиотека.
Вклад Древнего Египта в развитие мировой цивилизации огромен:
изобретение папируса, алфавитного письма, солнечного календаря, принцип деления суток на 24 часа, определение площади круга и др. Масштабы
сохранившихся сооружений Древнего Египта и сегодня поражают воображение. Заложенные в Египте художественные каноны оказали значительное влияние на всю последующую художественную культуру.
Отголоски египетской художественной культуры отчетливо проявляются в великой древнегреческой культуре крито-микенского периода,
ставшей, в последствии, основой всего мирового искусства.
Контрольные вопросы
32
Что такое зиккурат? Кудурру?
Как изображались люди и животные в искусстве Шумер?
Назовите основной строительный материал архитектуры Междуречья.
4. Объясните термин «ушебти».
5. Какие строительные материалы использовали зодчие Древнего
Египта?
6. Когда были построены классические пирамиды?
7. Из каких материалов изготавливалась скульптура в Древнем Египте?
8. Какой тип рельефа был распространен в Древнем Египте?
9. Какие изменения произошли в искусстве Египта в эпоху Амарна?
10. Что такое «гипостильный зал»?
1.
2.
3.
33
Раздел 4. Античное искусство
4.1. Искусство Древней Греции
Культура Древней Греции и Древнего Рима при всем своеобразии каждой обладают рядом общих черт и имеют общее название – античная
культура.
Понятие «античность» появилось в эпоху Возрождения, когда итальянские гуманисты ввели термин "античный" (от лат. antiguus – древний)
для определения греко-римской культуры, древнейшей из известных в то
время. Неповторимая античная культура стала основой европейской культуры. Литература, искусство, философия Древней Греции стали отправной
точкой в развитии культур других народов, населявших Европу. Древняя
Греция провозгласила человека мерой всех вещей, прекрасным и совершенным творением природы. Во всех сферах духовной и социальнополитической жизни проявился гений Греции – в поэзии, архитектуре,
скульптуре, живописи, политике, науке и праве. Греция подарила миру целую плеяду блестящих имен: в драматургии – Эсхил, Софокл, Еврипид; в
написании истории – Геродот, Фукидид; в математике – Пифагор; в философии – Демокрит, Платон, Аристотель и др..
Для античной культуры характерен рациональный подход к пониманию
мира и в то же время эмоционально-эстетическое его восприятие, стройная
логика и индивидуальное своеобразие в решении социально-практических
и теоретических проблем.
В развитии культуры Древней Греции выделяют несколько этапов:
 крито-микенский период (III – II тыс. до н.э.);
 гомеровский период (XI – IX вв. до н.э.);
 архаический период (VIII – VI вв. до н.э.);
 классический период VI – III вв. до н.э.;
 эллинистический период III – I вв. до н.э.
Крито-микенский период
Греческое искусство возникло не сразу, как Афродита из морской пены. У него была длительная предыстория. В конце XIX и в XX века, раскопки археологов в Греции и на острове Крит приоткрыли ранний этап античной культуры. Ее центром в конце III и середине II тысячелетия до н. э.
был остров Крит, а несколько позже – та часть Греции, где находится город Микены. В целом культуру этого периода называют крито-микенской
или эгейской.
34
На Крите найдены остатки обширных «дворцов» в Кноссе и Фёсте. Эти
комплексы построек расположены на разных уровнях, соединяются между
собой лестницами, коридорами, некоторые уходят под землю. Самым
грандиозным сооружением является Кносский дворец, общая площадь которого – 24 тысячи квадратных метров.
Стены Кносского дворца покрыты многочисленными фресками, с
изображениями быка. Очевидно, бык играл особую роль в укладе жизни
критян, возможно и в их религии.
Встречающиеся изображения людей некоторыми чертами похожи на
египетские, т.е. четко прослеживается «закон фронтальности». Правда эти
изображения более свободны и изящны, нежели в Египте (Царь-жрец 16 в.
до н.э.).
В конце XV века до н. э. Крит, вероятно, постигла катастрофа. Его города превратились в развалины. Критская культура перестала существовать, но еще около трех столетий близкая ей микенская культура развивалась на греческом материке. Правда, она значительно отличалась от критской – росписи суше, а архитектура более сурова.
В критских поселениях не было крепостных стен, военных укреплений.
Микенский и Тиринфский дворцы – это уже настоящие крепости. Они
воздвигались на высоких холмах и окружались стенами, сложенными из
огромных каменных глыб. Такую кладку стен греки впоследствии назвали
«циклопической». По их мнению, только сказочные великаны-циклопы
могли поднимать такие камни (Львиные ворота в Микенах).
Суровая жизнь, постоянные войны заставляли людей микенской эпохи
строить крепости. Древняя Троя и великая Троянская война, о которой
рассказано в «Илиаде» Гомера, оказывается, не является вымыслом. Археолог Шлиман обнаружил останки Трои на побережье Малой Азии.
Приблизительно в XI веке до н. э. начинается смутный период греческой истории: его основным фактом историки считают вторжение в Грецию северных племен – дорийцев, что фактически остановило развитие
искусства эпохи, которую принято называть «гомеровской», X–VIII века
до н. э.
До нас дошло мало памятников гомеровского периода. Наиболее ярко
оно проявилось в керамических вазах, расписанных геометрическим орнаментом, а также в терракотовых и бронзовых статуэтках.
Крито-микенское искусство было прекрасной прелюдией греческого
искусства, за которой последовала длительная пауза, а в VII–VI столетиях
до н.э. складывается уже вполне отчетливые и цельные стилистические
черты греческой архаики.
35
Архаический период
Поэмы Гомера, созданные примерно в X в. до н. э., были записаны
именно в этот период: VIII–VI вв. до н. э., получивший название «архаического» от греческого слова «архе», что переводится как «древний».
Архаика – это ранний этап развития греческого искусства и общества,
отражающий основные принципы родового сознания, характерного для
людей того времени. Вся греческая культура этого периода была синкретична. Синкретизм – нерасчлененность различных сфер и явлений культуры. Искусство, религия, медицина, производительная деятельность были
не обособлены друг от друга. Синкретизм архаического мышления лежит
и в основе понятия космоцентризма, когда родовая община воспринималась как тождественная космосу.
Огромное значение имели мифы (в переводе с греч. – «предание»,
«сказание») – предания, которые воплощали представление человека о
происхождении мира, о явлениях природы, о богах и героях. Это определенный способ познания мира.
В период VIII – V вв. до н.э. проходила Великая колонизация – освоение греками побережья Средиземного, Черного и Мраморного морей. В
этот же период проходило формирование греческого полиса – городагосударства. Наиболее крупными полисами были Афины, Спарта, Коринф,
Аргос, Фивы.
Окончательно сложился греческий пантеон богов. Для религии греков
характерным стал политеизм с множеством богов и верховным богом –
Зевсом.
Важным фактором культурного развития Греции были олимпийские
игры, проводившиеся с 776 г. до н. э., раз в четыре года в Олимпии в честь
Зевса и продолжались пять дней.
От гомеровского и раннеархаического периода до нас дошла расписная
керамика со строгим геометрическим орнаментом. Вначале это были простые линии и концентрические круги, позднее – более разнообразные мотивы с изображением людей и животных (надгробный кратер из Динилона, VIII в. до н. э.)
В конце VII – начале VI вв. до н. э. в греческой культуре происходят
значительные изменения. Бессюжетный орнамент постепенно утрачивается, появляется монументальная культура. К VI в. до н. э. оформляется архитектурный ордер в его дорическом и ионическом вариантах, расцветает
гончарное искусство. Поражает богатством и разнообразием форм греческая керамика. Гончары из Коринфа придумали чернофигурную технику
росписи сосудов, а афинские мастера предложили более сложную по изготовлению красно-фигурную керамику.
36
Скульптура периода религиозна и является выражением отношений
человека с Богом. Цель этого искусства – не удовлетворение эстетических
потребностей человека, а ответ на его религиозные запросы. Появляются
два основных типа одиночной скульптуры – обнаженного юноши (курос –
бог вечной молодости и силы) и задрапированной девушки (кора – девушка в хитоне или плаще, которую также отождествляют с богиней вечной
юности Персефоной) с характерной улыбкой, названной архаической.
Улыбки на их лице носят ритуальный характер. Куросы являются предельным обобщением человеческого тела. Лицо моделировалось крайне
схематично, оно лишено каких-либо эмоций, индивидуальных черт.
Уже на заре греческого искусства скульптурные изображения богов
отличаются от изображения человека только эмблемами. Искусство периода архаики характеризуется поисками формы, выражающей эстетический
идеал прекрасного телом и духом гражданина полиса
К концу VI в. до н. э. культура начинает утрачивать синкретический
характер. Как самостоятельные сферы выделяются религия, искусство и
философия. Искусство по-прежнему носит религиозный характер, но уже
начинает выходить за рамки религии. Важной становится тема гражданственности. Это связано с формированием новой системы общественных
отношений. На смену общинному строю приходят государственные, поместные отношения, которые получают максимальное развитие в классический период.
Классический период
Этот период связан с формированием индивидуального сознания, появление которого было обусловлено развитием полисов.
Полис – город-государство, типичная для Древней Греции форма социально-экономической и политической организации общества. Полисы являлись центрами становления и развития философии, науки, литературы,
искусства и архитектуры.
Именно полисная идеология утверждает одним из основных принципов жизни и искусства антропоцентризм, который полагает, что человек
находится в центре вселенной. Он является мерой всего, даже боги становятся антропоморфными. Храмы строят соразмерными человеку.
Вырабатывается принцип золотого сечения, согласно которому любая
конструкция (здание, скульптура и т. д.) делится на три части, где меньшая
часть так относится к двум остальным частям, как эти две части относятся
к целому. Идеальными в этом отношении являются пропорции Парфенона
– главного храма афинского Акрополя. Акрополь (с греч. «великий город»)
– укрепленная часть греческих городов, господствующая над нижней ча37
стью города, где находились городские святыни. Акрополь считается вершиной древнегреческой архитектуры, символом эпохи наивысшего расцвета и могущества Афин. Он включает ряд сооружений – пропилеи, храм
Ники Антерос. Парфенон (зодчие Иктин и Калликрат 447–432 гг. до.
н.э.) – храм, посвященный верховному богу Олимпа Зевсу. Уже в древности он был признан вершиной античного зодчества. Его колонны (8 по фасадам и 17 по бокам) чуть наклонены внутрь и на своей поверхности имеют канелюры, что придает храму легкость, устремленность вверх (то, что
отсутствовало у древних храмов). Недалеко от Парфенона был построен в
ионическом стиле другой великолепный храм Афинского Акрополя –
Эрехтейон, со знаменитым портиком кариатид.
Замечательна была и греческая скульптура, правда, она уцелела лишь
частично в обломках и фрагментах. Большинство статуй известно нам по
римским копиям, которые исполнялись во множестве, но не передавали
красоты оригиналов. Темы рукопашных схваток, состязаний в беге, метании диска научили ваятелей изображать человеческое тело в динамике.
Архаическая застылость фигур была преодолена. Выдающимися скульпторами этого периода являлись:
Фидий (начало 5 в. до н.э.) был одним из выдающихся скульпторов,
работы которого отличают монументальность, стремление к гармонии,
пропорциональности, созданию идеальных образов богов и людей. Таковы
его статуи «Афина-Промахос», «Зевс в Олимпии», «Афина-Парфенос».
Под руководством Фидия исполнено скульптурное убранство Парфенона.
Творчество Фидия – одно из высших достижений мирового искусства, его
образы сочетают жизненность с возвышенной классической гармонией и
красотой.
Мирон (сер. 5 в. до н.э.) – ярчайший новатор. В статуях атлетов он передавал не только движение, но и переход от одной стадии движения к
другой («Дискобол», «Афина и Марсий»);
Поликлет (вторая половина 5 в. до н.э.) – младший современник Мирона, который никогда не изображал быстрых движений и мгновенных состояний. Его бронзовые фигуры находятся в спокойных позах легкого
размеренного движения («Дорифор», «Раненая амазонка»). Поликлет был
автором трактата «Канон», где он теоретически установил законы пропорций человеческого тела;
Пракситель (ок. 390–330 гг. до н.э.), который не любил изображать
мускулистые торсы атлетов. Его, как и ваятелей его круга, влекла нежная
красота женского тела с мягкими формами. Изображая мужчин, он предпочитал тип отрока. Единственным уцелевшим подлинником Праксителя
считают мраморную статую "Гермес с Дионисом", найденную в Олимпии;
38
Скопас (4 в. до н.э.), прославившийся своими многофигурными композициями. Он был не только скульптором, но и архитектором («Менады»,
мавзолей в Галикарнасе);
Итак, классическая культура, созданная городом-полисом, была своеобразным зеркалом жизни полиса. Она была монументальна, антропоцентрична, гармонична, гражданственна, стремилась воспитывать в человеке
совершенный дух и развить совершенное тело (калокагатия). Постепенно
развитие товарно-денежных отношений в Греции привело к распространению частной собственности на землю, вытеснявшей античную форму собственности – экономическую основу города-государства (полиса). Все заметнее развивается индивидуализм, стремление, прежде всего к личному
благополучию, а не к общественному благу; постепенно исчезает дух патриотизма.
В эту эпоху жили два выдающихся античных философа – Платон и
Аристотель, оказавших большое влияние на развитие как философии, так
и христианской теологии. Большую роль Аристотель сыграл в развитии
греческой системы образования, основной задачей которого считал
научить человека мыслить, дать фундаментальные знания в различных областях науки и жизни.
В пластических искусствах духовная стойкость и энергия уступают место драматическому пафосу или лирической созерцательности. Большой
шаг в сторону «натуральности» сделал последний великий скульптор греческой классики Лисипп (вторая пол. 4 в. до н.э.). Он работал исключительно в бронзе, создавая статуи и скульптурные группы в динамических
состояниях, в сложных действиях. Лисипп создавал скульптуры людей более легкими, с удлиненными пропорциями. В портретных бюстах Сократа
и Александра Македонского он выразил сложную внутреннюю жизнь человека.
В целом, под воздействием кризиса полиса в IV в. до н.э. происходят
принципиальные сдвиги, поиски новых путей развития культуры, зарождаются тенденции, получившие свое завершение в эпоху эллинизма.
Эллинистический период
Рубежом эпох в развитии древнегреческой культуры стал поход на Восток Александра Македонского. Наступила эпоха эллинизма.
В архитектуре уделяется большое внимание строительству новых городов с множеством общественных сооружений. Строятся палестры
(частные гимнастические школы для мальчиков), стадионы, библиотеки,
бани. Появляются и такие специфические сооружения, как знаменитый
39
Фаросский маяк в Александрии и Башня Ветров в Афинах.
Эпоха эллинизма оставила ряд великих памятников искусства. Высшими достижениями скульптуры стали: Афродита Милосская, Ника Самофракийская, алтарь Зевса в Пергаме. Продолжают развиваться тенденции, наметившиеся в греческой скульптуре IV в. до н.э. Появляется повышенный интерес к личности, ее эмоциям. Характерные черты скульптуры того времени – динамичность и выразительность.
Древнегреческая культура оказала огромное влияние на развитие европейской цивилизации: достижения греческого искусства частично легли
в основу эстетических представлений последующих эпох; философия
Платона и Аристотеля, предопределила развитие средневековой теологии
и философии нового времени; до наших дней в своих основных чертах
дошла греческая система образования; древнегреческая мифология и литература уже много лет вдохновляют поэтов, писателей, художников,
композиторов.
Значение древнегреческой культуры столь велико, что недаром мы
называем времена ее расцвета «золотым веком» человечества.
4.2. Искусство Древнего Рима
Искусство этрусков
Римское искусство является составной частью античного. Во времена
своего высшего расцвета Древний Рим объединял все Средиземноморье,
включая Грецию. Влияние Рима распространялась на значительную часть
Европы, Северную Африку, Ближний Восток и др. Центром этого огромного государства была Италия.
Опираясь на греческое искусство и искусство этрусков, Древний Рим
смог развить их достижения, внеся нечто новое, присущее только римскому государству.
Археологические раскопки позволили обнаружить многочисленные памятники культуры этрусков: гробницы с настенными росписями, саркофаги, погребальные урны, оружие, ювелирные изделия, домашнюю утварь,
терракотовую и бронзовую скульптуру. Высокий уровень культуры этрусков проявился в самых разных областях. Этруски первыми начали строить
каменные здания, возводить купольные своды, делать четкую планировку
улиц, пересекавшихся под прямым углом, активно использовали ремес-
40
ленную и строительную технику, изобрели римские цифры и латинский
алфавит.
В искусстве этрусков большое место занимают гробницы. Ни у одного
народа древности культ мертвых не занимал такого места, кроме египтян.
Большой интерес представляют росписи этрусских гробниц. Они рисуют богатую картину потустороннего мира, стройную, развитую и очень
сложную систему религиозно-мифологических представлений. Изобразительному искусству этрусков присущ глубокий реализм. Этрусская живопись – это панорама повседневной жизни, сцены заупокойного культа
(росписи в Тарквинии). Портреты на крышках саркофагов и погребальных
сосудов с пеплом умершего, очень реалистичны.
Этруски изобрели особую технику обжига керамики и полировки ее до
черноты – «буккеронеро».
Первый храм римлян и главную их святыню – храм Юпитера, Юноны и
Минервы на Капитолии – создали этруски. Эмблема Рима – бронзовая статуя волчицы, по приданию вскормившая братьев Ромула и Рема – основателей Рима, так же принадлежит этрускам.
Значительное влияние на искусство этрусков оказали греки. Этруски
подражали им в формах и орнаментах керамики, строили храмы по греческим образцам, этрусские божества приобретали черты греческих.
Временем основания Рима традиционно считается 753 г. до н.э. По легенде, его основателями стали два брата-близнеца – Ромул и Рем. Убив
Рема, Ромул стал правителем нового города. Далее, по преданию, Римом
правили семь царей, причем трое последних были этрусского происхождения. По преданию, этрусское господство в Риме кончилось в 510 г. до н.э.
В результате восстания против последнего царя Тарквиния Гордого Рим
становится аристократической рабовладельческой республикой.
Искусство Римской республики
На формирование культуры Римской республики большое влияние оказала более высокая греческая культура. В IV в. до н.э. начинают распространяться греческий язык и некоторые греческие обычаи. В то же время
происходит замена старого этрусского алфавита греческим, более подходящим к звукам латинского языка. В обращение входит медная монета.
Начиная с III в. до н.э. большое влияние на римскую религию начала
оказывать греческая, вплоть до отождествления римских богов с греческими. Греческий Зевс у римлян перевоплотился в Юпитера, Афродита – в
Венеру, Арес – в Марса, Геркулес – в Геракла и т.д.
41
Римское искусство как самостоятельное явление проявляется только с
IV – III вв. до н.э. Поначалу оно выступает исключительно в утилитарных
формах – дороги, водопроводы, мосты. Практичность и утилитарность выступает как основа мировоззрения римского искусства.
После завоевания Греции римляне, в полной мере, получили доступ к
классическому греческому искусству. Они безжалостно грабили города,
увозя из них картины, статуи, драгоценные поделки. В последнее столетие
Республики Рим был буквально наводнен произведениями эллинских
творцов. Римские скульпторы изготавливали копии с подлинников скульптур Мирона, Фидия, Поликлета, Праксителя, Скопаса, Лисиппа. Большинство «греческих» скульптур, дошедших до наших дней, по сути, являются
римскими.
Массовое копирование тормозило развитие собственно римской скульптуры.
Собственный вклад в развитие скульптуры римляне внесли в области
реалистического портрета. Истоки римского скульптурного портрета берут
начало в этрусском погребальном портрете. Портретные статуи получают
доминирующее значение в римской скульптуре, именно в них проявляется
ее своеобразие.
Бронза и мрамор являлись основными скульптурными материалами.
Римляне создали новый тип статуи – тогатус – образ делового человека,
гражданина Республики, облаченного в тогу, а так же бюсты, отличавшиеся суровой простотой и отточенной правдивостью образов. («Брут», «Оратор», бюст Цицерона).
Постепенно Рим превращался в художественный центр, столицу мира,
куда съезжались мастера из Греции, Сирии, Египта, не находя работы на
родине.
Впечатляющими были достижения римлян в области архитектуры. Первоначально основные типы римского храма, были заимствованы у греков –
периптер, псевдопериптер, ротонда.
Центром Рима был Форум – это новый тип центральной площади, центр
деловой, политической и торговой жизни, где располагались сенат, суды,
архив, тюрьма, главные храмы, трибуна для ораторов. Форум располагался
у подножия Капитолия – главного из семи холмов. Форум постепенно обрастал не только зданиями, но и статуями почетных римских граждан, военными трофеями полководцев. В архитектуре римляне стремились подчеркнуть идею силы, мощи, величия. Для нее характерны монументальность, пышность отделки, стремление к строгой симметрии, интерес к
утилитарным сторонам архитектуры.
В творческом гении римлян было высоко развито конструктивное начало. Вместо существовавшей прежде конструкции зданий вводится новая.
Ее основу составляют узкие кирпичные стенки, между которыми залит би42
тый щебень с бетоном (смесь извести и вулканического пепла). Бетон –
тоже римское изобретение. Благодаря новой технологии строительства
многие римские строения дожили до наших дней.
Римские архитекторы разработали новые архитектурные конструкции:
арки, своды, купола; наряду с колоннами использовали столбы и пилястры. Появляются новые типы общественных зданий: базилики, где совершались торговые сделки и вершился суд; амфитеатры, где устраивались
гладиаторские бои; цирки, в которых происходили соревнования колесниц;
термы – сложный, архитектурный комплекс, включавший банные помещения, библиотеки, места для игр и прогулок (некоторые вмещали до 3,5
тысяч человек).
Возникает новый тип монументального сооружения – триумфальная
арка – строившаяся в честь знаменательных побед. Возводятся дороги, акведуки, фонтаны.
Искусство Римской империи
Конец I в. до н.э., начало II в. н.э. – время расцвета римского государства, которое превращается в огромную империю, включавшую Восточное
Средиземноморье, Северную Африку, большую часть Европы.
В этот период создаются новые храмы, дворцы, термы, театры, цирки,
и т. д. Стены, потолки общественных зданий, дворцов императоров и богатых домов частных лиц, украшались фресковой росписью. Основным способом украшения полов являлась мозаика. В развитии римской фресковой
живописи можно проследить следующие стили: инкрустационный стиль,
архитектурный, «египтизирующий», фантастический стиль.
В I – II вв. н.э. появляется два самых известных римских архитектурных памятника:
Колизей (от лат. colosseus – громадный) – амфитеатр Флавиев (75-80 г.
н.э.) – самый большой амфитеатр античного мира, вмещавший около
50000 зрителей, наблюдавших за травлей зверей и гладиаторскими боями;
Пантеон – храм всех богов (115 – 125 г. н. э.). Это величественная ротонда, перекрытая полусферическим кессонированным куполом с центрическим световым отверстием. Это самый большой в архитектуре древнего
мира купол (43,2 м), который опирается на массивные стены, в нишах которых были установлены статуи богов и императоров. Пышная отделка,
перегруженность деталями, цветовая пестрота в интерьере в интерьере
Пантеона характерны для архитектуры Древнего Рима периода Империи.
В скульптуре наступает период «Августовского классицизма». Идеализация и героизация, пафос и полуобнаженность – отличительные черты
римской скульптуры. В скульптурном портрете эпохи Империи выделяют
43
следующие стадии развития: интерес к личности и тонкая характеристика
человеческих чувств (портреты Виспасиана, Вителлия); стремление к идеалу (портрет любимца императора Антиноя); сатирический обличительный пафос и беспощадное разоблачение (Филипп Аравитянин); жестокая и
грубая образность.
Римляне первыми в Европе установили бронзовую конную статую императора Марка Аврелия (170 г. н. э.), выдающегося римского императора,
философа, представителя позднего стоицизма. Они были изобретателями
исторического рельефа (Алтарь мира, рельеф колонны императора Трояна
107-113 гг.).
В конце II начале III в. н.э. в Римской империи начинается кризис. Причиной тому послужили частая смена императоров, отделение провинций,
огрубление нравов, пессимизм, эпидемии, голод, землетрясения, официальное признание христианства (вердикт Константина в 313 г.), вторжения
варваров в Римскую империю (начиная с III века), раздел Римской империи на Западную и Восточную (395 г.). В 476 г. происходит захват и разграбление Рима варварами, что приводит к падению Римской империи.
Этот год традиционно считается концом древнего мира, античности,
началом средневековья.
Культурное наследие Древнего Рима колоссально. Это латинский язык
который на протяжении многих лет средневековья и нового времени был
языком всех образованных людей. Он до сих пор используется в научной
терминологии. На основе латинского языка возникла целая группа романских языков, на которых говорят народы значительной части Европы.
Римская архитектура, опиравшаяся на греческие и этрусские каноны,
стала основой европейской архитектуры эпохи Возрождения и нового
времени.
Самым выдающимся достижением римлян является правовая система.
Римское право и сегодня изучается в любом юридическом ВУЗе как обязательная дисциплина.
Также следует отметить, что Древний Рим был колыбелью христианства – религии, объединившей все европейские народы и в огромной степени повлиявшей на судьбы человечества.
Римская культура, первоначально опиравшаяся на культуру этрусков,
впитала все лучшее из Древней Греции, создала неповторимую античную
культуру, ставшую основой европейской культуры.
44
Контрольные вопросы
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
11.
12.
13.
14.
15.
Какие периоды развития античного искусства вы знаете?
Назовите главный центр развития скульптуры в крито-микенскую
эпоху.
Какое архитектурное сооружение Крита стало прообразом Лабиринта в мифах о Минотавре?
Назовите школы древнегреческой скульптуры.
Назовите основные черты древнегреческой архитектуры.
Кто и когда построил храм Пантеон?
Чем отличается скульптура Древней Греции и Древнего Рима?
Перечислите специфические черты искусства этрусков.
Какие нововведения произошли в архитектуре Древнего Рима?
Что такое «акведук»? «терма»? «триумфальная арка»?
Что такое Колизей? Как переводится это слово?
Какой конный монумент римского времени сохранился до наших
дней?
Какие строительные материалы использовали римские мастера?
Как проявляются религиозные верования в античном искусстве?
Где и почему сохранилась настенная живопись эпохи античности?
45
Раздел 5. Искусство средних веков
5.1. Искусство Западной Европы в эпоху средневековья
Исторический период, именуемый средними веками, не имеет общепринятых хронологических рамок. Во многом это определяется различием
взглядов на своеобразие и место данной эпохи в истории западноевропейских стран, культуру их народов.
Долгое время сохраняется взгляд на средневековье как на провал в
культурном развитии между античностью и новым временем. Развитие
культуры в данный период шло очень медленным, но оно все-таки было.
Принято считать, что период средневековья начинается с V века (с момента падения Западной Римской империи в 476 г.) до конца XV века
(формирование культуры Возрождения).
Философско-идеологическим стержнем средневековой культуры выступал теоцентризм – представление о том, что Бог является высшей реальностью, центром всего мироздания, всего происходящего на земле. Это
и определило дуализм средневековой культуры: разделение всего сущего
на божественное (небесное) и греховное (земное); на светское и народное.
Основная цель средневековой, религиозной по своей сущности культуры, – это воспитание сильного духа в человеке, способного пройти мимо
искушений земной жизни и заслужить тем самым во время Страшного Суда прощение и право на жизнь в раю.
Культура средневековья направлена на преодоление греховной сущности человека: всё телесное отбрасывается как бесполезное, лишённое вечного начала, мешающее укреплению духа.
Понятие «средневековье» подразумевает особый тип экономики, способ производства, государственной и социальной структуры, безраздельное господство религии и соответствующую систему духовных ценностей,
искусство, особый тип личности.
В средневековом искусстве можно выделить следующие периоды:
 дороманское искусство (VI – X вв.);
 романское искусство(XI – XII вв.);
 готическое искусство (XIII – XV вв.).
46
Дороманское искусство
В конце V в.н.э. Западная Римская империя прекратила свое существование. Внутренние раздоры, войны, восстания рабов ослабили некогда могучее государство. Древний Рим не смог противостоять натиску пришлых
племен (римляне называли их варварами). Варвары разрушили многие
римские города, храмы, памятники искусства. Культура, которую завоеватели принесли с собой, находилась на более низком уровне развития, чем
римской. Варвары не умели столь искусно, как римляне, строить каменные
здания, крайне редко и примитивно изображали в искусстве человека, но
зато с исключительным мастерством изготавливали изделия из металла,
дерева, кости. Орнаменты и украшения чаще всего представляли собой
фигуры борющихся друг с другом фантастических животных, чудовищ и
птиц (так называемый «Звериный стиль»). Эти образы были порождены
мифологическим сознанием и народной фантазией и долго сохранялись
впоследствии в западноевропейском средневековом искусстве.
Художественные традиции древних греков и римлян, казалось, навсегда
были забыты. Скульптура, каменная архитектура переживали упадок. По
сравнению с античностью этот период культуры можно расценивать как
несомненный регресс. Произведения искусства были лишены изящества, в
них преобладал культ грубой физической силы, изображения были плоскими, без теней.
Архитектура дороманского периода несёт на себе следы общего относительного застоя в развитии экономики и культуры западноевропейских
стран. С развитием феодальных отношений постепенно складываются новые типы укреплённого жилища феодалов, монастырские комплексы и
развивается культовое строительство, в котором встречаются как центрический тип композиции (главным образом – баптистерии), так и базиликальный. Ведущее место в формировании западного средневекового храма
занимает базилика. Своими истоками средневековая базилика уходит в
позднеримскую архитектуру, когда начал складываться тип раннехристианского храма. Среди них построенная Константином базилика св. Петра в
Риме, 330г. и ряд последовавших за ней храмов в Риме и других городах
(базилика св. Павла в Риме, IV-V вв., базилика св. Аполинария в Равенне,
VI в., и др.). Они представляли собой фронтально-осевую композицию с
вытянутым по основной оси пространством, разделённым двумя или четырьмя рядами колонн на три-пять нефов. В глубине среднего нефа, где
устанавливался алтарь, делалась апсида, а для расширения предалтарного
пространства, предназначенного для духовенства, часто устраивался поперечный неф – трансепт. Перед зданием иногда устраивался окружённый
галереями двор – атриум, посреди которого стояла чаша для обряда крещения.
47
В дальнейшем развитии этот тип базилики совершенствовался путем
увеличения площади для алтаря и размещавшегося перед алтарем хора, а
также появлением перед основным залом дополнительного помещения –
нартекса, куда допускались люди еще не принявшие христианства.
Наряду с базиликальными строились и так называемые зальные храмы,
в которых, в отличие от базилики, средний неф не имел значительного
превышения над боковыми.
По мере образования новых «варварских» королевств постепенно формировались средневековая культура и искусство. Франкский король Карл
Великий, создатель огромной державы, стремясь окружить свою власть величием и блеском, короновался в Риме и даже пытался возродить при своем дворе некоторые римские обычаи.
В эпоху Каролингов (династия франкских королей, виднейшим представителем которой был Карл Великий) развернулось каменное строительство. Храмы и дворцы, для сооружения которых нередко использовали
остатки старых античных зданий, украшались росписями и мозаиками.
Большинство каролингских памятников погибло. До наших дней сохранилась дворцовая церковь – капелла в Ахене (ок. 798–805 гг.).
Культура эпохи Каролингов находилась под определяющим воздействием церковных христианских представлений о мире. Уже в раннем
средневековье стали складываться строгие правила изображения священных сюжетов, обязательные для всякого художника.
О творчестве художников этой эпохи можно судить по изделиям из
слоновой кости и драгоценных металлов, бронзовым статуэткам, и главным образом рукописным книгам с иллюстрациями – миниатюрам. Эти
рукописи создавались по заказам императоров, крупных феодалов и епископов в специальных мастерских – скрипториях, существовавших при
дворе и в крупных монастырях. Каролингские миниатюристы умело изображали человеческую фигуру, пейзажи, архитектурные сооружения. Иллюстрации каролингских книг выполнены пером, темперой, гуашевыми
красками, нередко использовалось золото.
Начиная с X в. культурными центрами средневековой Европы становятся монастыри. Монахи переписывали книги, многие из них были строителями и художниками. Роскошные книги, украшенные миниатюрами, создавались на протяжении X в., например, в немецких монастырях Рейхенау, Фульде и др. А в мастерской немецкого епископа Бернварда Хильдесхеймского отливали скульптурные изделия из бронзы. Самым знаменитым памятником, созданным там, были бронзовые двери для церкви
Санкт-Михаэльскирхе в Хильдесхейме (1008–1015).
48
Романское искусство
В начале XI в. по всей Европе развернулось строительство каменных
зданий. Постройки XI – XII вв., а за тем и все изобразительное искусство
этого времени позднее получили название романских. Этот термин был
введен в XIX в. французскими археологами, которые обнаружили черты
сходства культовых зданий с постройками Рима. Поэтому предложено
условно назвать европейское искусство X – XII вв. романским.
Архитектура в романском искусстве играла ведущую роль. Особыми
типами зданий являлись рыцарский замок, монастырским ансамбль, храм.
Эти сооружения имели массивные стены, узкие окна, высокие башни. По
соседству с ними располагались хижины крестьян.
Архитектура замков не отличалась особым изяществом. Храмы тоже
были весьма массивны. Первоначально их строили с плоскими потолками,
позднее перекрывали внутренние помещения каменными полукруглыми
сводами. Чтобы своды не обрушились, строили массивные тяжелые стены.
Интерьеры храмов украшались фресками, экстерьеры – рельефами (часто
раскрашенными), стены храмов – ткаными коврами, с сюжетами даже нерелигиозного содержания.
Возведение соборов означало рождение городов. Собор был не только
зданием для молитвы, в нем проходили народные собрания горожан. Собор царствовал над городом. К характерным образцам романской архитектуры относятся: собор Нотр-Дам в Пуатье; соборы в Тулузе, Велезе, Арне;
соборы в Оксфорде, Винчестере и т. д.
Романская архитектура отличается большим разнообразием форм. В
ней наблюдается множество направлений, существовавших в различных
областях Западной Европы и отражавших местные традиции и художественные вкусы. Европейскими центрами романского искусства являлись:
Нормандия и Бургундия во Франции, Наумбург и Вормс в Германии, Венеция, Тоскана, Флоренция, Пиза в Италии, Сеговия в Испании, Дерхем и
Иль в Англии. В городах, прилегающих к Адриатическому побережью,
заметно было влияние византийской архитектуры.
Важнейшим очагом экономической и культурной жизни Франции в
романский период была расположенная в центре страны Бургундия, где
особенно влиятельной была власть римской церкви. Ее центр – крупнейший монастырь в Клюни, оказал большое влияние на развитие романского
типа храма. В течение X – XI вв. здесь была построена огромная базилика
и рядом с ней развился монастырский комплекс, характерный для романского периода. К бургундской школе относится и церковь Магдалины в
Везлэ (начало XII в.) – характерный пример романского храма.
Южные и юго-западные районы Франции (Прованс, Лангедок, Овернь,
Аквитания), сохраняя в романский период связи со странами Средиземно49
морья, Италией и Византией, выработали свои архитектурные традиции и
конструктивные приемы. Здесь получил широкое распространение зальный тип храма с одним или тремя нефами. В конструкциях арок и сводов
появилась стрельчатая форма, распространившаяся затем в другие районы
страны. В разработке фасадов заметно стремление к пластическому богатству, декоративному и скульптурному многообразию форм. В Провансе
главные порталы церквей обильно украшались скульптурой (церковь СенТрофим в Арле).
Памятники северных районов Франции более просты и строги. Наиболее крупные сооружения здесь обычно базиликальные, трехнефные,
двухъярусные, перекрытые цилиндрическим сводом в главном нефе и
крестовыми в боковых. Украшающий фасады мотив аркатуры приобретает вертикальную устремленность, предвосхищая характер декоративного
убранства готики (церковь Тринита в Кане, 1070 г.)
Романские храмы Германии отличаются особой массивностью и простотой форм. Среди них выделяются: церковь Михаила (XI в.), и церковь
Годерхардта (XII в.) в Гильдесгейме, соборы в Шпейере (XI-XII вв.),
Майнце (XI-XIII вв.), Вормсе (XI-XIII вв.) и др.
Характерные для немецкой романики идеи величия императорской
власти нашли выражение в строительстве императорских дворцов.
Книжная миниатюра (аббатство Райхенау и Трир) и искусство литья
переживали расцвет в оттоновский период (вторая половина X – первая
половина XI вв.). В эпоху зрелого романского стиля большое распространение получила каменная скульптура.
Романские постройки Италии отличаются пластичностью и нарядной
легкостью форм. Здесь в наибольшей степени на архитектуру воздействовало античное наследие. В разработке фасадов и интерьеров применялись
классические формы (аркады, колоннады, античные детали и т.п.), иногда
использовался в облицовке мрамор с орнаментальной инкрустацией различных цветов, получили многообразную разработку легкие арочные галереи и т.п. Наряду с базиликальными зданиями (церковь Сан Миниато во
Флоренции, 1013 г.; собор в Пизе, начат в 1063 г.) широкое распространение получили центрические здания баптистериев (баптистерий СанДжованни во Флоренции, 1059 г. баптистерий в Пизе, начат в 1153 г.).
В Испании в романский период широко развернулось строительство
замков-крепостей и городских укреплений (в Авиле, 1088–1091 гг.). Культовая архитектура часто следовала французским «паломническим» прототипам (собор в Саламанке), но в целом отличалась сравнительной простотой композиционных решений (обычно без хора и развитого трансепта),
тяжёлыми, нерасчлененными массами, напоминающими крепостную архитектуру. В ряде случаев романская пластика предвосхищала сложные
образные системы готики. Сохранились (преимущественно в Каталонии)
50
росписи, отмеченные грубоватой и суровой выразительностью, лапидарностью рисунка и интенсивностью колорита.
В романскую эпоху формируются монастырские комплексы, включавшие помимо храмов сакристии (помещения для облачения духовенства), трапезные, больницы, библиотеки, странноприимные дома, пекарни,
конюшни и другие здания и помещения. Все основные здания группировались вокруг внутреннего двора – клуатра, обычно примыкавшего к боковому фасаду церкви. Монастырские комплексы оказывали прямое воздействие и на градостроительную структуру, особенно если они возводились на окраине старых городов. Однако активное развитие самых укрепленных городов началось в следующую, готическую эпоху (с XIII в.).
Для романского периода характерен тип замкнутого укрепленного жилища феодала – замка, обычно возводившегося на возвышенном и труднодоступном для противника месте. Уже к X в. сложился тип укрепленного
жилища в виде башни донжона, окруженного валами и рвом. Первый этаж
предназначался для хозяйственных служб и кладовых, второй служил жилищем феодала и верхний отводился для челяди и охраны.
С конца XI в. форма донжона усложняется: для жилища феодала начинают строить отдельное здание, оставляя за донжоном функции оборонительного сооружения, служащего феодалу убежищем при взятии противником оборонительных стен. Архитектура замков отличалась суровой
простотой. Массивные стены и башни, узкие окна, общее выражение
неприступности составляли его типичные черты. Территория замка окружалась каменной крепостной стеной с башнями. В систему оборонительных сооружений часто входили рвы, ворота с надвратной башней и другие
виды укреплений. Замки обычно строились из камня или кирпича с толстыми стенами и щелевидными окнами.
Для росписи и скульптуры романского периода характерны:
 плоскостное двухмерное изображение;
 обобщенность форм;
 нарушение пропорций в изображении фигур;
 отсутствие портретного сходства с оригиналом;
 напряженная духовная выразительность;
 строгость и нередко крайняя наивность изображения.
В романской живописи и скульптуре центральное место занимали темы, связанные с представлением о безграничном и грозном божьем могуществе («Христос во славе», «Страшный суд»). В строго симметричных
религиозных композициях преобладала фигура Иисуса Христа, апокалиптические видения, «Страшный суд», сцены борьбы между ангелами и сатаной за человеческую душу, которые со временем принимали более свободный и динамичный характер.
51
Для романской пластики типичны монументальная обобщённость
форм, отклонения от реальных пропорций, благодаря которым человеческий образ часто становится носителем преувеличенно экспрессивного
жеста или частью орнамента, не теряя при этом напряжённой духовной
выразительности. Во всех видах романского искусства важную роль играл
орнамент, геометрический или составленный из мотивов флоры и фауны
(типологически восходящих к произведениям «звериного стиля»). Общая
образная система романского стиля, на зрелой стадии тяготевшего к универсальному художественному воплощению средневековой картины мира,
подготовила свойственное готике представление о соборе как своеобразной «духовной энциклопедии».
За пределами Европы очагами романского стиля были замки, возведённые крестоносцами в XII – XIII вв. в Палестине и Сирии (замок Крак
де Шевалье, XII – XIII вв.) Отдельные черты романского стиля проявились
в искусстве Древней Руси (например, в архитектуре и пластике владимиро-суздальской школы).
Таким образом, в XII веке романский стиль выступает как первый
общеевропейский художественный стиль.
Готическое искусство
В конце XII в. на смену романскому искусству пришел новый стиль –
готический. Названия «готическое искусство», «готика» (от итал. gotico,
буквально – готский, т.е., относящийся к германскому племени готов) возникли в Италии в эпоху Возрождения. Первоначально этим термином
именовали все средневековое искусство, считая его порождением варварского племени готов, которое некогда разрушило Рим. В настоящее время
готическим называют искусство главным образом Западной Европы конца
XII — XIV в.
В эпоху готики появляются новые культурные центры средневековья –
города. Появление их во многом изменило жизнь общества. В городах зародилась наука, расцвели художественное ремесло, рыцарская поэзия и
народная сатира. Борьба городов встречала поддержку со стороны центральной королевской власти, стремившейся к объединению разрозненных феодальных владений в единое государство.
Готическое искусство, сменившее романский стиль, оставалось культовым по назначению и религиозным в своих основах. Оно было соотнесено
с вечностью, с Божественным мирозданием. Моделью этого мироздания,
символом Вселенной и сводом знаний о ней стал готический собор, сложная каркасная конструкция которого, весь художественный строй, соче52
тавший торжественное величие со страстной динамикой, изобилие пластических мотивов со строгой системой их соподчинения, выражали как идеи
небесной и земной иерархии, так и величие творческих сил человека. Готический собор – это целый мир.
Представление о мрачности готических соборов сильно преувеличено.
Ни снаружи, ни внутри они не кажутся подавляющими: живописные, динамические, они воплощают собой Небесный град на земле, устремлённостью вверх они ещё раз напоминают человеку о том, к чему он должен
стремиться, что цель его существования – обретение Града Небесного.
Собор был и главным средоточием готического искусства – скульптуры
и живописи (преимущественно витражей). В готической скульптуре застылость романских статуй сменилась подвижностью фигур, динамичной
открытостью пластики, в которой переплелись лиризм и трагическая аффектация, возвышенная духовность и острые жизненные наблюдения,
фантастический гротеск и сатирическая образность.
Соборы возводили мастера-каменщики на центральных площадях городов на средства горожан. Храм был не только культовым сооружением, но
нередко центром общественной жизни. Перед собором устраивались городские сходки, в самом здании совершались важные государственные акты, читались лекции студентам университетов.
Зодчие готических соборов были искуснее романских строителей. Они
сумели выделить в здании его строительный каркас, облегчить конструкцию, добиться того, что стена перестала быть основной несущей конструкцией. Аркбутаны, контрфорсы, стрельчатые арки, нервюры, пинакли,
вимперги и другие детали – новые конструктивные элементы, применяемые в архитектуре, позволявшие избежать массивных стен, и готические
архитекторы смело прорезали высокие окна и легкие арки, устремленные
вверх, да и сами здания стали значительно выше.
Колыбелью готического искусства является Франция. Красивые соборы
построены в городах Шартре (1145–1220), Париже (1163–1230), Амьене
(1220–1269), но самый совершенный среди них – собор Нотр-Дам в Реймсе
(1211–1311).
Огромный по своим размерам Реймсский собор поражает своей величественностью. Его длина составляет 138 метров, а высота превышает 40
метром. Главное внимание зодчие уделили сооружению и обработке западного фасада здания. В едином неудержимом порыве он устремляется
ввысь. В центре движение постепенно затухает, зато по бокам стрельчатые
арки и окна как бы взлетают к двум венчающим собор башням. Чем выше
поднимается взгляд, тем более легким становится здание, тоньше и ажурнее каменная резьба. Создавалось впечатление, что камень потерял свои
тяжесть и хрупкость, и сплетается в затейливые кружева в центральном
круглом окне – розе, в переплетах окон, в резных башенках.
53
Интерьеры собора не менее впечатляющие. Высокие стройные столбы,
окруженные тонкими полуколоннами, легко поднимаются вверх к окнам,
которые мерцают в глубине храма разноцветными витражами. Проникая
сквозь цветные стекла, свет красочными бликами играет на полу, колоннах
и арках.
Готические храмы щедро украшались произведениями скульптуры. В
готических статуях ваятели пытались передать душевные движения персонажей, стремились сделать позы и жесты фигур выразительными и одухотворенными. Святые начинают утрачивать былую строгость, наделяются чертами земных людей.
Наряду с храмами в эпоху готики большое внимание уделялось строительству светских зданий. В городах постепенно выделились две главные
площади – соборная и рыночная. Вокруг рынка располагались торговые
ряды, здесь находилась дозорная башня с часами и городской колодец. На
рыночной площади появились первые ратуши – здания магистрата, городского самоуправления. Помимо этого, возводились городские укрепления,
больницы, каменные дома богатых горожан.
Вслед за Францией готический стиль получил развитие в Германии, Англии, Польше и других странах.
В Германии замечательные готические здания находятся в Кёльне,
Фрейбурге, Магдебурге, Марбурге. В Германии сложились типы зальной
церкви и однобашенного кафедрального собора. Готическая скульптура
выделяется жизненной конкретностью и монументальностью образов, пластической экспрессией. Среди работ средневековых немецких скульпторов, работавших в это время, особое место занимают 12 статуй донаторов
– меценатов, пожертвовавших средства на строительство храма. Эти статуи установлены в городском соборе Наумбурга (1210–1240). Мастера,
сделавшие статуи, никогда не видели этих людей, но каждую статую безвестные скульпторы наделили ярким и индивидуальным характером.
В готической архитектуре Англии строгая геометрическая простота
объёмов компенсируется богатством и сложностью резного декора на сводах и фасадах. Таковы соборы в Солсбери, Кентербери, Линкольне. Воздвигнутые часто вне городских кварталов, в монастырях, они хорошо видны издали. Скульптура в английских соборах незначительна. Высокого
развития в эпоху готики достигло искусство книжной миниатюры.
В Польше много замечательных памятников готического искусства сохранилось в бывшей древней столице этого государства – Кракове. Они
украшают в Кракове территорию королевского Вавельского замка и рыночную площадь. Здесь высится костел Девы Марии, в котором можно
увидеть замечательное произведение – большой алтарь (1477–1489), вырезанный из дерева – который создал выдающийся скульптор – Вит Ствош
(1455–1533). Он имеет 11 метров в длину и 13 в высоту. Это самый боль54
шой готический алтарь Европы. Он включает восемнадцать рельефов на
створках – сцены из жизни Марии и Иисуса Христа, большую скульптурную группу Марии с апостолами в центре открытого алтаря и декоративные фигуры на обрамлениях. Алтарь выполнен из дерева с полихромной
окраской, благодаря чему скульптура и живопись объединяются в единое
целое. Образы алтаря драматичны, одухотворенны и возвышенны.
Большого расцвета в эпоху готики достигли книжная миниатюра и декоративно-прикладное искусство: ювелирное дело и резьба по слоновой
кости. Наряду с изображениями на религиозные темы здесь часто встречаются изображения на светские сюжеты.
В позднеготическую эпоху накопление эмпирических знаний, рост интереса к изучению натуры, возросшая роль творческой индивидуальности
подготовили почву для возникновения культуры Возрождения, на протяжении XVI в. почти повсеместно вытеснившей искусство готики.
В эпоху средневековья формируются основные категории эстетики.
Так, красота в средневековом мире понимается как разумная соразмерность частей, гармония, порядок, пропорциональность, ясность, чистота.
Материальная красота трактуется как символ невидимой божественной
красоты. Прекрасное и безобразное определяются через субъективнообъективные отношения: прекрасное – это нечто невидимое, становящееся
видимым. Созерцание прекрасного доставляет наслаждение само по себе,
вне практического использования вещи, и в то же время прекрасное – это
объективные «пропорции и блеск», гармония, упорядоченность, соразмерность, мера в цвете и размере; безобразное – то, что вызывает отвращение.
Назначение искусства в средневековом понимании заключалось в воплощении сверхчувственной идеи божественного архетипа в чувственных
образах, выраженных условной символикой. Творчество Бога беспредельно, совершенно и абсолютно. Творчество человека относительно, ограничено и поэтому должно быть подчинено воле Бога. Вне Бога творчества
быть не может. Художник, творец является ни чем иным, как проводником, исполнителем, средством реализации воли Бога. По этому средневековое искусство в большинстве своем безымянно. Главная тема в искусстве – Иисус Христос и его учение.
Все вышесказанное свидетельствует, что эпоха средневековья не может
рассматриваться как период провала или своеобразного застоя в развитии
западноевропейской культуры от античности к новому времени. При всей
противоречивости культурологического процесса более правомерно
утверждение о том, что именно в это время сложились важнейшие черты
западноевропейского христианского типа культуры на основе повсеместного распространения христианства. Институт церкви, христианское вероучение занимали в рассмотренный период доминирующие позиции практически во всех сферах культурной жизни средневекового общества.
55
Однако в завершении эпохи средневековья отчетливо проявилась тенденция к секуляризации, прежде всего в духовной сфере на основе распространения гуманистических идей. Усилился интерес к человеческой личности, реалистическому отображению действительности. Особенно отчетливо эти тенденции стали заметны в культуре средневековой Италии.
Приближался новый период в культурном развитии Западной Европы –
Ренессанс.
5.2. Искусство Византии
История Византии как самостоятельного государства началась с раздела в 395 г. Римской империи на Восточную и Западную части. Столицей
Восточной Римской империи стал Константинополь, основанный в 324 г.
императором Константином. После нашествия варварских племен в 476 г.
Западная Римская империя прекратила свое существование, а Восточная
часть Империи стала ее преемницей.
Поначалу византийское искусство было подражательным и питалось
различными источниками – античными и восточными. Да иначе и быть не
могло, ведь Византия – это государство, которое возникло на обломках античной цивилизации в восточной части Римской империи в результате ее
распада.
Эллинизм долгое время оставался главным, но не единственным источником, откуда византийские мастера черпали изящество форм, правильность пропорций, техническое совершенство своих произведений. Но эллинизм не мог в полной мере противостоять мощному потоку восточных
влияний, нахлынувших на Византию в первые столетия ее существования.
В это время ощущается влияние на византийское искусство египетских,
сирийских, малоазийских, иранских художественных традиций.
По мере укрепления Византийской империи в VI в. и упрочения позиций церковных кругов, искусство стало приобретать свои оригинальные
черты.
Сами византийцы называли свою империю Ромейским царством, то
есть Римской империей, а Константинополь – Новым Римом. Поскольку
Константинополь находился на месте древней греческой колонии Византии, то по этому названию и всю Восточную часть стали называть Византийской империей, или Византией.
Константин объявил свободу разным религиозным учениям, в том числе и христианству, провозгласил себя наместником Христа на земле, стал
принимать активное участие в религиозных диспутах. Так он претворял в
жизнь идею придания христианству статуса государственной религии.
56
В истории Византии прослеживаются особенности, связанные с различными факторами. Смешение греко-римских и восточных традиций
наложило отпечаток на общественную жизнь, государственность, религиозно-философские идеи, культуру и искусство византийского общества.
Всю тысячелетнюю историю Византии можно условно разделить на
три периода:
 раннее средневековье – середина IV – первая половина VII вв. –
 период Македонской династии и династии Комнинов – середина
VII – начало XIII вв.
 эпоха Палеологов – XII – середина XV вв.
Период раннего средневековья
Наивысший расцвет искусства Византии приходится на время правления императора Юстиниана (482 / 483 – 565), когда Империя достигла
размеров, почти равных старому римскому государству. В этот период византийское искусство приобретает полную самостоятельность. Оно отражало государственные, религиозные идеи и богатство Византийской империи. Императору Юстиниану в столице даже была установлена конная
статуя, изображение которой сохранилось на русских иконах.
Искусство прославляло мощь и военные триумфы государства. Столицу империи Константинополь украсили новые постройки – Ипподром,
Большой дворец и знаменитый храм святой Софии (храм Премудрости),
построенный Анфимием из Тралл и Исидором из Милета в 532 – 537 гг.
Это главный памятник не только эпохи, но и всей византийской истории. В храме святой Софии была воплощена идея грандиозного центрического храма. Огромное внутреннее пространство храма св. Софии перекрыто полусферическим куполом, к которому с востока и запада примыкают два полукупола. Поэтому создается впечатление, что купол парит в
воздухе. Купол, символизирующий небо, станет в дальнейшем неотъемлемой частью византийский церковных построек. Интерьер храма Софии богато украшен разноцветным мрамором и цветной майоликой. Пышность
интерьера xpaма в сочетании с торжественным богослужением, роскошными облачениями священников и драгоценной утварью создавали иллюзию беспредельного пространства, превращали храм в подобие макрокосмоса, символически приближали к образу Вселенной.
Одновременно с возведением ранневизантийских храмов складывался
стиль стенной живописи. Ее излюбленной техникой стала мозаика, берущая истоки в античности. Для Византии светское искусство было редкостью, поэтому темы произведений носили религиозный характер.
57
Помимо Константинополя наиболее значительные памятники ранневизантийского искусства сохранились на территории Греции и Италии, в Равенне. Наряду с религией искусство этого периода прославляло власть
императора. Стены церкви. Сан-Витале (526–547) в Равенне украшают
всемирно известные мозаичные изображения императора Юстиниана I и
его супруги Феодоры.
Период Македонской династии и династии Комнинов
Зрелое византийское искусство сложилось в 730 – 843 гг. В 867 – 1057
гг., при императорах македонской династии, придворное столичное искусство Константинополя становится менее пышным. Церкви крестовокупольного типа постепенно вытесняют соборы типа базилик вместе с
этим, значительно уменьшаются масштабы храма. Росписи церквей имели
строго продуманную систему, иллюстрирующую основные положения
христианского учения и повествует о жизни богоматери, Христа и святых.
В живописи и архитектуре наблюдается расцвет, который условно называют македонским Возрождением.
В церковной архитектуре большое значение приобретает экстерьер
храма: фасады украшаются легкими колоннами, появляется асимметрия,
улучшается внешний декор. Применяется облицовка фасадов разноцветным камнем, и чередование слоев красного кирпича и белого раствора. С
этого периода все византийские храмы стали украшаться по единой выработанной схеме.
Лучше других сохранились архитектурные ансамбли XI – XII вв. – монастыри Хосиос Лукас в Фокиде (Греция), Неа Мони на острове Хиосе и
Дафни близ Афин в Греции. В них мы находим замечательный по цельности синтез архитектуры и монументальной живописи – мозаики.
Выдающимися образцами византийской фресковой живописи XI – XII
вв. являются росписи храма Святой Софии в Охриде, церкви Святого Пантелеймона в Нерези (Сербия) и монастыря Иоанна Богослова на Патмосе.
В период Македонской династии и династии Комнинов ярко проявляются характерные черты «средневекового» искусства: строгая подчиненность традициям и церковному авторитету, безликость творчества художника, но именно в это время наблюдается подъем в искусстве иконописи.
О мастерстве византийских иконописцев можно судить по сохранившейся
иконе Владимирской Богоматери и иконе Григорий чудотворец.
Бурное развитие получает декоративно-прикладное искусство: резные
изделия из слоновой кости и камня, художественное стекло, перегородчатые эмали, изделия из золота и др. Развивается книжная миниатюра.
58
В XIII в. в провинциальных областях распавшейся Византийской империи, в которую вторглись крестоносцы, все еще много строили, правда,
ничего существенно нового для искусства это столетие с собой не принесло. После вторжения крестоносцев в столицу Византии Константинополь
как главная художественная школа, откуда выходили все новые идеи, перестал на время существовать. Зато активизировалась художественная
жизнь в провинции, где спасались от бесчинств крестоносцев многие столичные художники.
После изгнания крестоносцев из Константинополя в 1261 г. начали
складываться условия для медленного возрождения местной школы. К
концу XIII в. вновь стали изготовляться рукописи с миниатюрами, подражавшими образцам 10 в., созданным в античном духе.
Эпоха Палеологов
Династия Палеологов – последняя в истории Византийской империи.
Этот новый и последний период истории искусства Византии условно
называют Палеологовским Возрождением (1261 – 1453).
В XIII в. Константинополь был захвачен крестоносцами, и фактически
с 1261 г. прекратилось существование Византии. Бывшая Империя стала
мозаикой небольших государств. Этот период характерен спадом в развитии ее культуры.
К началу XIV столетия приобрел четкие очертания палеологовский
стиль (он так назван по имени правившей в Византии династии Палеологов). Для него характерны более свободное движение фигур, более мягкое
выражение лица.
Архитектура того времени не была способна к созданию нового и монументального стиля – строились либо небольшие храмы, либо перестраивались старые. Но орнаментация стала богаче, композиции ансамблей живописнее, пропорции более хрупкими. В это время появились: храм монастыря Хора, церковь Апостолов в Салониках, дворец Текфур-сарай в Константинополе.
В живописи плотные и яркие цвета сменяются приглушенными оттенками нежно-розового, голубого, сиреневого. Мастера предпочитают мозаике фреску, миниатюру и икону.
Византия XIV в. испытывала экономические проблемы. После взятия
турками Константинополя в 1453 г. византийское искусство совсем пришло в упадок. Оно продолжало еще существовать на Афоне, на острове
Крите, в православных храмах Болгарии и Сербии, но постепенно изживало себя. На историческую сцену выступали новые общественные силы,
59
средоточием которых стали передовые торговые города Италии и Нидерландов. И именно там, раньше чем в других странах, сложилось реалистическое искусство Возрождения.
Именно в этот период, не найдя применения своему дарованию, отправляется на Русь Феофан Грек (ок. 1340–1405), который считается последним и едва ли не величайшим из византийских мастеров эпохи Палеологов. Перенесенное в Афон и на Крит византийское искусство развиваться дальше не смогло.
Широко использовав наследие античных мастеров, византийское искусство выступило хранилищем многих его образов и мотивов и передало
их другим народам. Особенно велико было значение византийского искусства для стран, придерживавшихся православной религии (Болгария, Сербия, Древняя Русь).
Роль Византии в мировом социокультурном процессе очень велика.
Она фактически, она являлась связующим звеном между западной и восточной цивилизациями. Византия сохранила для Европы античное искусство, стала основой для древнерусского искусства, построила собор Святого Марка, ставший школой итальянских зодчих и живописцев и т.д.
Византийское искусство является эталоном для искусства православного
мира, а византийская церковь – мировым центром православной веры. Исключительно важна просветительская роль Византии, которую она сыграла
в средние века.
Контрольные вопросы
Какие черты были присущи искусству дороманского периода?
Назовите основные черты романской архитектуры.
Каковы отличительные особенности изобразительного искусства
романского периода?
4. Какие шедевры готического искусства вам известны?
5. Назовите основные этапы развития искусства средневековья.
6. Как понятие теоцентризма связано с идеологической основой средневекового искусства?
7. Какие установки средневековой этики воплощал готический собор?
8. Кто такие донаторы?
9. Как назывался главный византийский храм?
10. Какие черты были присущи пелеологическому стилю?
1.
2.
3.
60
Раздел 6. Искусство эпохи Возрождения
Эпоха Возрождения, охватывающая XIV–XVI вв., – время коренных
изменений в социально-экономической жизни многих стран Европы, и
прежде всего Италии, Нидерландов, Франции, Германии. В эту эпоху бурно развивается торговля, все большее значение приобретают города, появляются первые предприятия – мануфактуры. Наряду с классом феодалов
активную роль начинает играть нарождающаяся буржуазия. Идет интенсивный процесс формирования наций. Теряет свои позиции официальная
католическая церковь. Движение реформации в ряде стран приводит к ее
расколу. В конце XVI в. в Нидерландах происходит первая в мире буржуазная революция.
Социально-экономические перемены находят свое отражение в культуре и искусстве. Художники и писатели стремятся к правдивому изображению природы и человека. Именно человека, одаренного безграничными
творческими возможностями, способного изменить окружающий мир,
прославляют в своем искусстве художники Возрождения. И поэтому возникает в это время такой горячий интерес к античности, ее культуре и искусству. Архитекторы, скульпторы, живописцы стремятся в своем творчестве возродить традиции мастеров античности (отсюда термин Возрождение, или Ренессанс).
Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (от лат. humanus — «человечный») – течения общественной мысли, которое зародилось в XIV в. в Италии, а затем на протяжении второй половины XV–XVI
вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Гуманисты считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя
свои способности. Идеи гуманизма наиболее ярко и полно воплотились в
искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий не ограниченными духовными и творческими
возможностями.
При всём противоречивом многообразии и богатстве, искусство Возрождения – явление, отмеченное глубокой и принципиальной новизной.
Оно заложило основы европейской культуры Нового времени.
В архитектуре утвердились творчески переработанные принципы античной ордерной системы, сложились новые типы общественных зданий.
Живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. В традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало земное содержание. Усилился
интерес к античной мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажу, портрету. Наряду с монументальными настенными росписями, украшающими
61
архитектурные сооружения, появилась картина, возникла живопись масляными красками.
В искусстве Возрождения тесно переплелись пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл был
неразрывно связан с возвышенной поэтической Красотой, в своём стремлении к естественности оно не опускалось до мелочной повседневности.
Искусство стало всеобщей духовной потребностью.
6.1. Итальянское Возрождение
Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъёме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств) – крупнейших покровителей
и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция,
Сиена, Пиза, затем – Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине XV в., – богатая купеческая Венеция. В XVI в. столицей
итальянского Возрождения стал Рим. Начиная с этого времени местные
центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.
Из-за переходного характера эпохи Возрождения хронологические
рамки этого исторического периода установить довольно трудно. Периодизация Возрождения определяется верховной ролью изобразительного
искусства в его культуре. Если основываться на признаках, гуманизма, антропоцентризма, модификациях христианской традиции, возрождения античности, то хронология будет выглядеть следующим образом:
 проторенессанс (дученто и треченто) – конец XIII – XIV вв.
 раннее Возрождение (кватроченто) – XV в.
 высокое Возрождение (чинквеченто) – конец XV – начало XVI вв.
Искусство Проторенессанса
В итальянской культуре XIII – XIV вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства –
будущего искусства Возрождения. Потому этот период назвали Проторенессансом (т.е. подготовившим наступление Ренессанса; от греч. «протос»
– «первый»).
Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских
стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только
в Тоскане и Риме.
62
Со второй половины XIII – в начале XIV в. в крепнет флорентийское
бюргерство. Флоренция одной из первых превращается в богатую республику с конституцией, принятой в 1293 г., с быстро формирующимся буржуазным бытом и складывающейся буржуазной культурой. Почти сто
пятьдесят лет просуществовала Флорентийская республика. Изменения в
искусстве Италии, прежде всего, сказались в скульптуре. Они были подготовлены скульптурными работами Никколо Пизано (около 1220–
1278/1284), в работах которого прослеживается явное влияние античности.
Шестигранная мраморная кафедра баптистерия в Пизе (1260) стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла на ее дальнейшее развитие.
Новые веяния проникают и в живопись Италии. В течение некоторого
времени значительная роль в этой области принадлежала художникам Рима. Римская школа представлена одним из крупнейших мастеров Проторенессанса – Пьетро Каваллини (1240/1250 – около 1330), который заложил
основу нового направления в живописи. В своем творчестве опирался на
позднеантичные и раннехристианские памятники, которыми в его время
был еще богат Рим (мозаики церкови Санта-Мария ин Трастевере, 1291 г.;
фрески церкови Санта-Чечилия ин Траствере, около 1293 г.). Каваллини
стремился преодолеть плоскостность форм, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи "византийской" или
"греческой" манере. Он вводил заимствованную у древних художников
светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм.
Со второго десятилетия XIV века художественная жизнь в Риме замерла. Ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе.
Флоренция в течение двух столетий была столицей художественной
жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства.
Началом проторенессансного искусства Флоренции связывают с именем Ченни да Пеппо, прозванного Чимабуэ (ок.1240–1302). Но самым радикальным реформатором живописи, сделавшим поворот к реалистическому искусству, был величайший художник итальянского Проторенессанса Джотто ди Бондоне (1266/67–1337). Он работал как живописец,
скульптор и архитектор. Но все же главным его призванием была живопись. Основной работой Джотто является роспись капеллы дель Арены в
городе Падуя (1303–1306). Более поздние работы Джотто – росписи в
церкви Санта Кроче во Флоренции (капелла Перуцци и капелла Барди).
Джотто заложил основу искусства Возрождения. Он не был единственным художником своего времени, ставшим на путь реформ, однако целеустремленность, решительность, смелый разрыв с существенными принципами средневековой традиции делают его родоначальником нового ис-
63
кусства. Новаторство Джотто оказало колоссальное воздействие на изобразительное искусство Возрождения.
Еще одним важным центром искусства Италии конца XIII века – первой
половины XIV века была Сиена. Формирование его художественной школы происходило в одно время с флорентийской, но искусство этих двух
крупнейших тосканских городов различно, как различны были их жизненный уклад и их культура.
Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративности. В ХIII–XIV столетиях здесь был воздвигнут один из красивейших соборов итальянской готики, над фасадом которого работал в
1284–1297 годах Джованни Пизано (1245–1314), сын Никколо Пизано. Он
сочетал страстную эмоциональную напряженность образов, готическую
изломанность линий с традициями Проторенессанса (кафедра в церкви
Сант-Андреа в Пистое, окончена в 1301 г.).
Искусство Раннего Возрождения
В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной
культуры. Во Флоренции жили и работали три художника, получившие
прозвище «отцов Возрождения»: архитектор Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо. Языком архитектуры, скульптуры и живописи они прославляли красоту человека. Вопреки учению церкви, они
утверждали право людей на свободу и счастье, говорили о том, что человек силой разума может и должен познать законы мира.
Выдающимся зодчим Раннего Возрождения был Филиппа Брунеллески (1377–1446). Он первым создал архитектурные формы, которые на
протяжении следующих двух столетий использовались и совершенствовались итальянскими зодчими, а позже стали применяться архитекторами
многих стран Европы. Брунеллёски был и первым исследователем законов
перспективы. Он изучает в Риме сохранившиеся памятники античности,
анализирует композиционные и строительные приемы древних мастеров,
на основе которых создает новые формы.
Общепризнанным шедевром Брунеллёски, характеризующим новаторство зодчего является небольшая часовня во Флоренции, капелла Пацци
(ок. 1430). Грандиозен по своим масштабам купол собора Санта-Мария
дель Фьоре во Флоренции (1420–1436), диаметр которого составляет более
40 метров. Оригинальна архитектура воспитательного дома во Флоренции
(1421–1444). Здание построено буквой П, имеет крытую лоджию, идущая
по всему фасаду дома и образует внутренний дворик. Этот планировочный
64
прием впоследствии повторяется в дворцах богатых горожан – палаццо
(итал. Palazzo – дворец).
В XV в. итальянская скульптура переживала расцвет. Она приобрела
самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились
новые жанры. Следует отметить скульптора Лоренцо Гиберти (ок. 1381–
1455), в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех
элементов изображения. Он посвятил жизнь одному виду скульптуры –
рельефу. Его искания достигли вершины в изготовлении восточных дверей
флорентийского баптистерия (1425–1452), которые Микеланджело назвал
«Вратами рая».
Среди крупнейших скульпторов первой половины XV в. следует отметить Якопо делла Кверча (1374–1438) наиболее яркими произведениями
которого являются скульптуры фонтана Фонте Гайя на площади Кампо в
Сиене (1408–1419) и рельефы портала церкви Сан-Петронио в Болонье
(1425–1438).
Наибольшую известность обрел скульптор Донателло (настоящее имя
Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (ок. 1386–1466), который достиг в
своих работах замечательных высот реализма. В 1430 году Донателло создал «Давида» – первую обнажённую статую в итальянской скульптуре
Возрождения. В 1433 – мраморную кафедру флорентийского собора. В
1446–1450 годах в Падуе, в церкви Святого Антония выполнил огромный
скульптурный алтарь с большим количеством статуй и рельефов.
Одновременно Донателло выполняет в Падуе конную статую кондотьера Гаттамелаты (1447–1453); в 1454–1455 гг. статую «Мария Магдалина»;
в 1456-1457гг. создает сложную и выразительную группу «Юдифь и Олоферн».
Герои Донателло непокорны и горды, в них чувствуется готовность к
борьбе и жажда справедливости.
Замечательным живописцем этого времени был Мазаччо (настоящее
имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (Гвиди); (1401–1428). Мазаччо прожил лишь 27 лет, но за свою короткую жизнь сумел внести в живопись много нового. Он первый применил в своих произведениях научную
перспективу, разработкой которой занимался архитектор Брунеллёски.
Воплощал в религиозных сценах гуманистические представления о совершенной человеческой личности. Произведения отличают энергичная
светотеневая лепка, пластическая телесность, трехмерность фигур, монументализация и обобщение форм (фрески капеллы Бранкаччи в церкви
Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, 1425–1428 гг.).
Мазаччо, Донателло, Брунеллёски открыли XV век. За ними последовал
блестящий ряд замечательных художников, работавших на протяжении
столетия в разных областях и городах Италии.
65
На рубеже XV–XVI вв. наиболее прославленным живописцем был
Сандро Боттичелли (1445–1510), который создает живописные произведения на религиозные и мифологические темы («Весна», около 1478 г.;
«Рождение Венеры», около 1486 г.; портрет мужчины с медалью Козимо
Медичи. 1474 г.; «Святой Себастьян», 1474 г.; «Венера и Марс», около
1483 г.). Его работы отмечены одухотворенной поэзией, игрой линейных
ритмов, тонким колоритом.
Так же следует отметить Андреа Мантенья (1431–1506), искусство которого с героическим пафосом утверждает силу и достоинство человека,
отличается строгой архитектоникой композиции, чеканностью форм,
сильными ракурсами, иллюзионистическими эффектами (росписи «Камеры дельи Спози» в замке Сан-Джорджо в Мантуе, 1474 г.). Самой известной работой художника является «Оплакивание Христа» (1490–1500).
Таким образом, художники Раннего Возрождения заложили все предпосылки для того, чтобы искусство следующего периода достигло максимальных высот, возможных в тех условиях.
Высокий Ренессанс в Средней Италии
В конце XV столетия в Италии наступают тяжелые времена, связанные
с войнами и экономическим застоем. В трудные для Италии времена и
наступает недолгий золотой век итальянского Возрождения – так называемый Высокий Ренессанс, наивысшая точка расцвета итальянского искусства. Искусство этого времени было пронизано гуманизмом, верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в разумное
устройство мира, в торжество прогресса. В искусстве на первый план выдвинулись проблемы гражданского долга, высоких моральных качеств,
подвига, образ прекрасного, гармонично развитого, сильного духом и телом человека-героя, сумевшего подняться над уровнем повседневности.
Искусство Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначительных подробностей во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого Возрождения от Раннего.
Леонардо да Винчи (1452–1519) явился первым художником,
наглядно воплотившим это отличие. Он был не только художником, но и
выдающимся ученым, мыслителем и инженером. Он всю жизнь наблюдал
и изучал природу – небесные светила и законы их движения, горы и тайны
их возникновения, воды и ветры, свет солнца и жизнь растений. Как часть
природы Леонардо рассматривал и человека, тело которого подчинено физическим законам, а лицо служит еще и «зеркалом души». Искусство,
наука тесно переплелись в деятельности Леонардо да Винчи.
66
Добиваясь впечатления реальности, Леонардо старался сделать изображение объемным, рельефным. Среди многих новаций Леонардо называют
особую манеру письма – дымчатой светотени (сфумато), которая в сочетании с линейной перспективой передавала глубину пространства.
До наших дней дошло всего 14 работ художника, много рисунков, чертежей и различных записей.
Одним из наиболее ранних произведений Леонардо да Винчи считается
«Мадонна с цветком», или «Мадонна Бенуа» (ок. 1478), «Мадонна Литта»
(ок. 1490); Замечательна выполненная на стене трапезной в монастыре
Санта-Мария делле Грацие в Милане фреска «Тайная вечеря» (1495–1497).
Наиболее важное из произведений – портрет богатой горожанки Моны
Лизы, известное во всем мире под названием «Джоконда» (ок. 1503). Внимательный взгляд молодой женщины, чуть-чуть улыбающийся рот выражают меняющиеся оттенки чувств и настроений – задумчивость, мечтательность, затаенную насмешку, подавленную печаль. Воздушная игра
светотени в этой картине не только создает рельеф форм, не только помогает передать мимику лица, но и способствует впечатлению изысканности,
тонкости и сложности душевной жизни. Основное значение этого произведения Леонардо – богатство внутреннего мира человека, который способна запечатлеть живопись.
Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, занимающие в
истории мирового искусства одно из почётных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не
только рукописи, посвященные точным наукам, но и работы по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других его записях
большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по
анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам светотени, объёмной моделировке, линейной и воздушной перспективе.
Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю мировой
культуры, оказали на неё огромное влияние.
С творчеством Рафаэля (1483–1520) в истории мирового искусства
связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято
считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в
котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело – мощь,
именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или
иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что неустанное стремление к светлому совершенному началу
пронизывает всё творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл.
67
Рафаэля называли Мастером Мадонн– «Мадонна Конестабиле» (1502–
1503), «Мадонна в зелени» (1505) и другие.
Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 г. его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы в Ватиканском дворце (1509–1517). Росписи ватиканских станц принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и Италии.
Самым великим шедевром является – «Сикстинская Мадонны» (1515–
1519) для церкви Святого Сикста в Пьяченце. В истории искусства «Сикстинская Мадонна» – образ совершенной красоты.
Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Значительный вклад он
внес и в архитектуру. Само имя Рафаэля в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделенного божественным даром художника.
С великими почестями он был погребен в римском Пантеоне, где его
прах покоится и поныне.
Микеланджело Буонарроти (1475–1564) – величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры,
живописи и архитектуры.
В 1469 г. он создает самое известное произведение раннего периода –
«Пьета» («Оплакивание Христа») (1498–1501) в капелле собора Святого
Петра в Риме.
В 1501–1504 гг. во Флоренции Микеланджело создает колоссальную
мраморную статую Давида Статуя достигает пяти с половиной метров высоты, олицетворяет безграничную мощь человека, его сильную волю.
Микеланджело считал себя только скульптором, что, однако, не помешало ему, быть и великим живописцем, и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения –
роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане выполненная Микеланджело в 1508–1512 гг.
Гробница папы Юлия II могла бы стать вершиной в области скульптуры, если бы Микеланджело удалось воплотить в жизнь свой первоначальный замысел: сорок мраморных статуй должны были украсить мавзолей.
До нас дошли «Скованный раб», «Умирающий раб» (1513).
Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные
работы во Флоренции, в частности, в капелле Медичи («Вечер», «Ночь»,
«Утро», «День»), законченные в1534 г
В 1536–1541 гг. по заказу папы Павла III Микеланджело написал на
стене Сикстинской капеллы знаменитую фреску «Страшный суд».
В последние десятилетия жизни мастер занимался только архитектурой
и поэзией. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и
далеко опередило свое время, оно сыграло грандиозную роль в мировом
искусстве, а также оказало влияние на формирование принципов барокко.
68
Позднее Возрождение
Современниками Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело были великие венецианские живописцы Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе,
Якопо Тинторетто. Искусство Возрождения, воспевающее силу и красоту человека, нигде не достигало такой праздничности и величия, как в картинах этих венецианских художников. В истории итальянского искусства
этот период получил название Позднего Возрождения.
Джорджоне (1477–1510) – первый кто начал придавать пейзажу самостоятельное значение. Природа и прекрасное человеческое тело стали для
него предметом искусства и объектом поклонения.
Уже в первом известном произведении «Мадонна Кастельфранко»
(1505) Джорджоне предстает вполне сложившимся художником.
В картине «Гроза» (1506) Джорджоне изображает человека как часть
природы. Джорджоне владеет тончайшей и необычайно богатой палитрой,
позволяющей передать впечатление зыбкости, беспокойства, тревоги, радости, как само состояние человека в предчувствии надвигающейся грозы.
Замечательны и другие работы художника: «Юдифь» (1502), «Спящая
Венера» (1505–1510), «Сельский концерт» (1508–1510).
Тициан Вечеллио (1477–1576) – величайший художник венецианского
Возрождения. Он создал произведения и на мифологические, и на христианские сюжеты, работал в жанре портрета, его колористическое дарование
исключительно, композиционная изобретательность неисчерпаема.
Слава к Тициану приходит рано. Уже в 1516 г. он становится первым
живописцем республики, с 20-х годов – самым прославленным художником Венеции, и успех не оставляет его до конца дней. Наиболее известными работами являются «Любовь земная и небесная» (1510), «Венера Урбинская» (1538) «Кающаяся Мария Магдалина» (1560–1565).
Последователями Тициана достигшими мировой славы были: Паоло
Кальяри, прозванный Веронезе (1528–1588), призванием которого стала
монументальная живопись, позволявшая ему проявить фантазию, мастерство композиционных замыслов, великолепный дар колориста. «Похищение Европы» (1580), «Поклонение волхвов» (1576–1582), «Триумф Венеции» (1585); и Якопо Робусти, прозванного Тинторетто (1518–1594), мастера огромной живописной силы, проявившейся в работах: «Распятье»
(1565.), «Тайная вечеря» (1594), «Рождение Иоанна Крестителя» (1540-е
гг.) и других.
В те же годы, когда писали свои картины Веронезе и Тинторётто, на севере Италии работал Андрей Палладио (1508–1580) – лучший архитектор
Позднего Возрождения. В своем творчестве Палладио использовал приемы античной и римской архитектуры, однако он избежал прямого их ко69
пирования и создал оригинальные произведения. Великолепные здания,
построенные Палладио, украшают его родной город Виченцу и Венецию.
Палладио во многом предопределил развитие европейской архитектуры,
особенно классицизма.
Период позднего Возрождения был отмечен наступлением католической реакции. Церковь небезуспешно пыталась восстановить частично
утраченную безраздельную власть над умами, поощряя одних деятелей
культуры и применяя репрессивные меры к непокорным. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма,
унаследовав лишь манеру, технику (маньеризм) великих мастеров Возрождения. Однако маньеризм, несмотря на мощное покровительство церкви, не стал ведущим направлением.
В этом направлении работал Аньоло Бронзино (1503–1572), прославившийся своими парадными портретами и Пармиджанино (1503–1540).
«Мадонна с длинной шеей» (1534–1540).
Последним из наиболее крупных скульпторов и ювелиров Италии был
Бенвенуто Челлини (1500–1571): «Персей» (1545–1554), солонка Франциска I (1539–1543).
Уже в 40-е гг. XVI в. церковь в Италии стала широко применять репрессивные меры к инакомыслящим. В 1542 г. была реорганизована инквизиция и создан ее трибунал в Риме. Многие передовые ученые и мыслители, продолжавшие традиции Ренессанса, погибли на кострах инквизиции.
Таким образом, к началу 40-х гг. XVI в. эпоха Возрождения в Италии
подошла к своему закату.
5.2. Северное Возрождение
Эпоха Возрождения не представляет собой целостного и монолитного
явления, охватившего всю Европу. Обычно различают два типа реализации основных идей Возрождения: Итальянское и Северное Возрождение.
Суть этого разделения не сводится к географическим различиям, а коренится в отношении к жизни и эстетическому выражению человеческого
идеала.
Итальянское Возрождение – гимн духовной и физической мощи человека, его божественной природе.
Северное Возрождение (Франция, Германия, Нидерланды) приняло гуманистические идеи итальянского Возрождения, но они обрели здесь иное
звучание: окружающая реальность как предмет пристального внимания;
ведущей становится тема нравственного совершенствования; пристальном
70
внимании к реалиям, к точности деталей, интерес к изображению нарочито грубого, даже отталкивающе-безобразного, что удивительно сочетается
с чувством мистического, ирреального; не мир исключительного, а мир
повседневного, за которым часто скрывается и глупость, и жестокость, и
лень; высшей ценностью объявляется повседневный труд (Питер Брейгель, Ян ван Эйк и другие).
Всё это отличается от масштабных, возвышенных и титанических образов итальянского Возрождения.
Возрождение в Нидерландах
Рождение нового искусства на севере Европы происходило совсем не
так, как в Италии. В XV в. Нидерланды включали в себя территорию современных Нидерландов, Бельгии, северо-восточной Франции и Люксембурга, у которых не было античного прошлого, и Возрождение здесь оказалось значительно сильнее связанным с готическим искусством средневековья. В Нидерландах не встретишь фресок, как в Италии, но зато в эпоху средневековья здесь, как и в других странах Северной Европы, процветала книжная миниатюра. Иллюстрации рукописей выполнялись с таким
виртуозным мастерством, такими сияющими красками, что книги превращались в настоящие драгоценности.
Первые живописцы нидерландского Возрождения научились у миниатюристов средневековья точной, филигранной передаче деталей, яркости и
светоносности красок. Здесь художники первыми стали стремиться к белизне грунта, к тому, чтобы он, просвечивая сквозь краску, делал ее еще
ярче.
Именно нидерландцам, требовавшим от краски сочности и насыщенности цвета, принадлежит честь усовершенствования техники масляной живописи, которая позже распространилась по всей Европе под названием
фламандской манеры. Изобретение этой техники нередко связывают со
знаменитыми братьями-художниками Хубертом ван Эйком (ок. 1370–
1426) и Яном ван Эйком (ок. 1390–1441).
Знаменитый Гентский алтарь (1426–1432 гг., собор св. Бавона, Гент),
созданный братьями ван Эйками, по своему содержанию мало чем отличается от средневековой живописи. Однако в живописи Гентского алтаря
уже нет условности и отвлеченности, свойственных средневековым произведениям искусства.
Ян ван Эйк – художник, математик и дипломат – был истинным человеком Возрождения. С особым вниманием пишет Ян ван Эйк портреты современников, пытаясь (и это тоже новое в живописи Северной Европы)
проникнуть в их духовный мир. Интересен портрет супругов Джованни и
71
Джованны Арнольфини (1434). Все здесь просто и значительно: и серьезные лица мужа и жены, и залитая рассеянным светом комната. Каждый
предмет имеет определенный смысл: собачка – символ верности, туфли –
семейственности, зеленый цвет платья Джованны – цвет весны и любви,
апельсины, лежащие на подоконнике – символ достатка. Сзади на стене
висит круглое зеркало – шедевр миниатюрной живописи ван Эйка, в котором мерцает отражение персонажей картины.
Совершенное искусство Яна ван Эйка как бы открыло глаза нидерландским мастерам XV в. и на возможности живописи, и на значительность реального мира. Блестящий и суровый Рогир ван дер Вейден (1400–1464),
талантливый и своеобразный мастер, ближе других подошедший к итальянскому Возрождению – Хуго ван дер Гус (1435/1440–1482) – эти художники завоевали нидерландскому искусству XV в. мировую славу. Даже в Италию стали приглашать северных художников, учась у них живописному мастерству.
В конце XV в. Нидерланды значительно богатеют. Выгодное географическое положение, развитие ремесел и торговли, бурный расцвет городов
привлекает к ним опасное внимание соседних стран. Французские, английские, немецкие испанские феодалы стремятся завоевать страну.
Жизнь становится лихорадочной и напряженной. В городах пылают костры, заседают трибуналы инквизиции, сжигают «ведьм», «колдунов» и
«еретиков». В это напряженное время работал один из самых странных и
загадочных мастеров во всей истории искусства – Иеронимус ван Акен
(1450/1460–1516), известный под именем Босха.
Творчество Босха связано с народными суевериями, народным юмором
и фольклором. Искусство Босха интересно еще и тем, что в свои композиции на религиозные темы он вводит бытовые и пейзажные мотивы. «Воз
сена» (1501–1502), «Искушение Святого Антония» (1505), «Несение креста» (1510) и другие произведения.
Но самым выдающимся нидерландским художником являлся Питер
Брейгель Старший (ок. 1525/1530–1569).
Художник-мыслитель, напряженно думающий о смысле существования
человека, Брейгель намного опередил свое время. Его яркому таланту было тесно в рамках общепринятых сюжетов и даже жанров современной
ему живописи.
Европейское искусство того времени не знало настоящего пейзажа,
природа была лишь фоном, на котором действовали люди, и только Брейгель открыл для живописи полную самостоятельного значения жизнь природы, величие и красоту пейзажа. Природа стала главным героем его произведений.
Брейгель – прекрасный живописец, отлично использующий контрасты
цвета, виртуозность линий миниатюриста сочетающуюся у него с необы72
чайной для художника XVI в. свободой кисти, с легкими, упругими,
непринужденными мазками. Точности и выразительности его силуэтов
могут позавидовать лучшие рисовальщики мирового искусства. Темные
силуэты охотников из картины «Охотники на снегу» (1565) так резко выделяются на белом снегу, что у зрителя создается очень точное ощущение
зимы и холодного прозрачного воздуха.
Внимание художника привлекают простые крестьяне. И здесь Брейгель
стал первооткрывателем новой темы – бытовой крестьянской, получив за
это от потомков прозвище Мужицкий: «Крестьянский танец» (1567.), «Сенокос» (1565) и другие работы.
Картины Брейгеля пропитаны народной мудростью и юмором. «Падение Икара» (1567), «Страна лентяев» (1567)
В 1568 г., незадолго до смерти, Брейгель пишет свои самые значительные и мрачные картины – «Слепые» и «Пляска под виселицей», в которых
выразил свое горькое разочарование в людях, неверие в их осмысленную,
плодотворную деятельность.
Вклад нидерландцев в историю мирового искусства велик. Мы и сейчас
любуемся драгоценными картинами Яна ван Эйка, удивляемся буйной
фантазии Босха, восхищаемся пейзажами Брейгеля и его умением так остро выразить свое бурное, героическое и вместе с тем трагическое время
Возрождение в Германии
Развитие искусства в Германии в XVI - XVII в.в определяли различные
факторы: территориальная и религиозная раздробленность, отсутствие
единой сильной национальной церкви, Реформация. Все это негативно
сказывалось на политическом и культурном развитии Германии.
Прогрессивные люди Германии – ученые, писатели, художники – добивались единства передовой национальной культуры страны. Борясь против
церкви, они стремились противопоставить невежеству католических священников, диким суевериям, которые поддерживала церковь, научные
знания, мысли о нравственном достоинстве и земной красоте человека. Но
борьбу против католичества вели в Германии также протестанты, поэтому
защита новых гуманистических идеалов переплеталась в этой стране с
напряженной религиозной борьбой. Все это делало нелегким творческий и
жизненный путь немецких мастеров, привносило в их искусство драматическое начало, вызывало сомнения и разочарования.
Архитекторы и скульпторы долгое время оставались в подчинении
строгих правил ремесленных цехов. Они продолжали по старинке создавать произведения в готическом стиле. Более передовыми оказались живописцы и графики. Они работали часто по заказам издателей книг и луч73
ше были знакомы с трудами видных писателей и философов, отличались
большей образованностью.
Подлинным началом Северного Возрождения можно считать перевод
Мартином Лютером Библии на немецкий язык. Идеи лютеранства объединили наиболее прогрессивные круги Германии.
Именно в этот период жил и работал величайший немецкий художник
Альбрехт Дюрер (1471–1528) – человек, обладавший обширными знаниями и разносторонними интересами, столь характерны для людей Возрождения. Альбрехт Дюрер писал картины, создавал гравюры на дереве и на
медных досках, был инженером и архитектором, изучал математику, был
теоретиком искусства, читал древних авторов, сочинял стихи. Словом, являл собой личность Нового Времени.
От итальянских теоретиков искусства перенял Дюрер учение о пропорциях человеческого тела, а впоследствии и сам внес много нового в эту
науку. Результаты своих исследований и наблюдений художник изложил в
«Четырех книгах о пропорциях человека» (1528 г.).
Дюрер создал около 100 гравюр на меди, среди которых «Три крестьянина» (1497), «Четыре всадника Апокалипсиса» (1526), «Святой Иероним»
(1514) и многие другие.
Не менее велик Дюрер и в живописи. Каллиграфически точная линия
рисунка сочеталась в его живописных работах с насыщенными, глубокими
красками. Святые на его картинах – это простые люди, сильные духом и
телом. «Мария с младенцем» (1512).
Дюрер – один из величайших портретистов в мировом искусстве. Он
любил изображать современников и создал большое количество портретов, гравюр и просто рисунков. Среди них особенно выделяются своим
мастерством живописные портреты «Молодой человек» (1521), портрет
Иеронимуса Хольцшуэра (1526). Особенно интересен автопортрет художника, где он изобразил себя в образе Иисуса Христа (1500)
Создав эти образы, мастер в конце своей жизни еще раз утвердил возвышенный идеал человека, рожденный Возрождением. Его работы отразили стойкость духа людей того времени, их готовность отвергнуть любые
искусы, их горестные размышления о конечном результате борьбы.
Значительным мастером немецкого Возрождения был и Лукас Кранах
Старший (1472–1553). Он писал парадные портреты, картины на религиозные и мифологические темы, украшал залы для приемов и празднеств.
Кранах одним из первых в Германии стал изображать природу родной
страны. «Отдых на пути в Египет» (1504). Он написал много портретов,
для которых художнику позировали знатные вельможи придворные дамы,
ученые, но лучше всего удались ему, пожалуй, портреты Мартина Лютера (1532). Со знаменитым реформатором церкви живописца связывала
многолетняя дружба.
74
Сложной и трагической была судьба другого художника немецкого
Возрождения – Матиса Нитхардта, известного с XVII в. под именем
Грюневальд (1470/1475–1528). За свою приверженность идеалам Реформации и сочувствие восставшим крестьянам он лишился места при епископском дворце в Майнце, где считался придворным живописцем, вынужден был бежать и лишь чудом избежал суда церкви.
Грюневальд писал картины исключительно на религиозные сюжеты. Но
в них он умел поведать о мыслях и чувствах, которые волновали его современников. Наиболее известная работа мастера – алтарь для монастыря
в Изенхейме (1512–1515).
Огромное влияние на развитие немецкого искусства XVI в. оказал Ганс
Гольбейн Младший (1497–1543). Гольбейн иллюстрировал книги, расписывал фасады домов, создавал рисунки для гравюр. Наиболее значительная серия его гравюр на дереве. «Образы смерти» (1524–1526).
Не менее замечательны портреты, написанные Голъбейном – портрет
Эразма Роттердамского за работой (1523), портрет Шарля де Моретта
(1536), в которых Гольбейн не только выразительно охарактеризовал человека, но и уделил большое внимание обстановке, в которой жил его герой.
Среди известных скульпторов того времени следует выделить Тильмана Рименшнайдера (1460–1531), известными произведениями которого
являются надгробие епископа Рудольфа фон Шеренберга (1496–1499), алтарь Святой крови в церкви св. Иакова в Ротенбурге (1501–1504) и другие.
Особо следует выделить Фейта Штоса (1455–1533.), который больше
известен под именем Вит Ствош. Этого скульптора традиционно относят
к истории польского искусства. Вит Ствош выполнил много работ в Германии, например скульптурная композиция в церкви св. Лаврентия в
Нюрнберге (1517–1518), Произведения Вита Ствоша знаменуют переход
от поздней готики к Возрождению.
Реализм искусства эпохи Возрождения был большим шагом вперед от
символического и условного искусства средневековья. Перед глазами художников XIV–XVI вв. открылась красота человеческого тела и величие
окружающей природы. Живой интерес к человеку, его переживаниям,
мыслям и поступкам породил в живописи, скульптуре, графике жизненный яркий и сложный образ, и, прежде всего человека – деятеля, мыслителя, героя.
75
Возрождение во Франции
Подлинным родоначальником французского искусства нового времени
стал Жан Фуке (1420–1477/1481). Он работал в Туре – резиденции французских королей и впитал лучшие веяния, идущие с Севера и Юга. Ценнейшее наследие Фуке в области живописи – портреты. Он оставил точное
и нелицеприятное изображение Карла VII (1445), королевских придворных
и сановников, а в образе богоматери с младенцем, изображенной с чисто
французской смелостью и грацией, запечатлел облик возлюбленной короля Агнессы Сорель. «Мадонна с младенцем» (1450).
К XVI столетию заканчивается объединение страны. Франция постепенно становится одним из самых сильных государств Европы. Король
Франциск I приглашает к своему двору великих итальянских мастеров:
ученого, мыслителя, инженера и живописца Леонардо да Винчи и скульптора Бенвенуто Челлини. При их участии в долине Луары перестраивают
и создают заново чудесные, полные своеобразной прелести и красоты замки, окруженные парками. Это Блуа, Амбуаз, Шамбор, Шенонсо, Азе ле
Ридо, а также загородная резиденция французских королей – Фонтенбло.
Над росписью парадных зал этого дворца под руководством итальянских
живописцев Россо Фьорентино и Франческо Приматиччо работает группа
французских художников, создавших так называемую школу Фонтенбло.
Однако не эта манерно изысканная и стилизаторски виртуозная школа
определила искусство Возрождения во Франции.
Яркими представителями искусства французского Возрождения стали
скульпторы Жан Гужон (1510–1564/1568) и Жермен Пилон (1536/1537–
1590). Именно они выразили в своем творчестве чувство гармонии и ритма, чистоту стиля, которые станут в дальнейшем столь свойственны искусству Франции. Лучшее произведение Гужона – рельефы «Фонтана невинных» в Париже, (1547–1549).
Глубокий интерес к человеческой личности в XVI в. проявился в реалистическом портрете. Французские художники достигли большого совершенства в создании карандашных портретов. Портреты были широко распространены и в других странах Западной Европы той поры, особенно в
Германии и Нидерландах, но нигде не достигли такой точности и правдивости в передаче черт модели, такой строгой и ясной формы, как во Франции. Лучшими мастерами живописного и карандашного портрета XVI в.
были Жан Клуэ Младший (1475–1540/1541) и его сын Франсуа Клуэ
(1505/1510–1572).
Жан Клуэ Младший известен своими портретами Франциска I (ок.1530)
Франсуа Клуэ также изображал королей и вельмож: портреты Генриха
II (1559), Елизаветы Австрийской (1571), Марии Стюарт (1560), Маргариты Валуа (1570), Гаспара Колиньи (1570) и многих других.
76
Изобразительное искусство Франции XVII столетия также представляет
собой яркую страницу. В нем можно проследить различные противоборствующие направления. Придворные художники создавали свои работы дл
королевского двора, церкви и дворянства в пышной и витиеватой салонной
манере. Другим направление выступало реалистическое искусство, которое складывалось во Французских провинциях.
Феномен культурного развития, названный Ренессансом, охватил все
западноевропейские страны. Несмотря на то, что каждая страна по-своему
пережила время Ренессанса, все-таки можно говорить об объединяющих
общих чертах культуры Возрождения:
 философия гуманизма;
 переоценка значения в социокультурном процессе индивидуума;
 новое мировоззрение рождавшееся в упорной борьбе с застывшей
традиционной церковной схоластикой.
Эпоха Возрождения заложила основы новой системы ценностей современной западноевропейской цивилизации.
Контрольные вопросы
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
11.
12.
13.
14.
15.
16.
В чем смысл названия эпохи?
Какова периодизация итальянского Возрождения?
В чем различие между Итальянским и Северным Возрождением?
Назовите главные произведения Джотто.
Назовите автора первой конной статуи эпохи Возрождения.
Кто является автором картины «Весна»?
Какая из скульптур Микеланджело стала символом Флоренции?
Назовите автора росписи потолка и западной стены Сикстинской капеллы.
Какие изменения произошли в архитектуре итальянского Возрождения?
Кого из известных архитекторов этой эпохи вы знаете?
Назовите самый знаменитый портрет эпохи Итальянского Возрождения?
В каких видах искусства работал Микеланджело?
Кого считают родоначальником масляной живописи?
Какая страна является родиной портрета?
Назовите отличительные черты искусства Босха.
Что является характерной особенностью искусства маньеризма?
77
Раздел 7. Искусство Западной Европы
17-18 веков
Характер искусства XVII – XVIII вв. определяется важными социальнообщественными процессами. Развитие буржуазных отношений, прогресс в
общественной жизни в одних государствах и реакционные режимы в других, буржуазные революции в Англии в середине XVII в. и во Франции в
конце XVIII в. – все эти факторы нашли свое выражение и в развитии искусства.
Основными стилями в искусстве этого времени были барокко, классицизм, рококо. Однако реализм, отвечавший интересам передовых сил общества, пробивал себе дорогу через все стили и направления. Именно в эти
столетия творили великие мастера реализма – Веласкес, Рембрандт, Рубенс, Хогарт, Шарден и многие другие художники.
Реализм был свойствен творчеству и итальянского скульптора Бернини
– родоначальника барокко, и французского художника Пуссена – основоположника классицизма в живописи.
Стиль рококо, возникший в XVIII в., как нельзя лучше отвечал изысканным аристократическим вкусам, однако он не стал ведущим стилем
эпохи. XVIII век – век Просвещения, подготовивший буржуазнодемократическую революцию во Франции 1789 – 1794 гг., противопоставил мастерам барокко и рококо глубокое реалистическое постижение мира
и человека, что нашло свое выражение в искусстве классицизма. Этот возрожденный в конце XVIII в. Великой французской революцией классицизм отличался от классицизма XVII в., появившегося как выражение могущества королевской власти Людовика XIV своей революционностью и
героизмом. Недаром в истории искусства классицизм XVIII в. получил
название революционного. Ярким представителем революционного классицизма был французский художник Давид.
7.1. Искусство Италии
Новые явления отмечаются в искусстве Италии начиная с конца XVI в.
Создаются огромные дворцы, площади, грандиозные памятники и фонтаны. Здания украшаются затейливой скульптурой и огромными многофигурными росписями на религиозно-мифологические темы.
Светлые и уравновешенно-спокойные образы искусства эпохи Возрождения сменяются мрачными, темными, беспокойными. В искусство входит
бурная подвижность, трагедийность.
78
Торжественность, преувеличение во всем – такова внешняя сторона
нарождающегося стиля не в одной только Италии, но и в других странах,
бывших в культурной зависимости от Рима.
Противники этого стиля называли его словом барокко, т. е. странный,
безудержный, вычурный (от португальского perola barroca – «жемчужина
причудливой формы»).
В истории искусств слово барокко осталось для обозначения сложного,
противоречивого, порою трагического искусства, господствовавшего в Европе, и в первую очередь в Италии, с конца XVI до середины XVIII столетия.
В рамках стиля барокко продолжал, однако, развиваться и реализм, он
опирался на достижения искусства Возрождения. В реалистических произведениях создавались образы простых людей. Однако наряду с художниками-реалистами работали мастера, произведениям которых были свойственны субъективизм и изощренность формы – маньеристы и академисты.
В числе художников, оставшихся по существу реалистами в пределах
нового, бурного, полного контрастности искусства барокко, в Италии выделяется в первую очередь Микеланджело Караваджо (Меризи да Караваджо, 1573–1610). Он был одним из выдающихся новаторов в истории
живописи, положив начало бунтарскому реализму.
Караваджо учился в Милане, где познакомился с реалистической живописью североитальянских портретистов. В конце XVI в. Караваджо создает смелые реалистические и по теме, и по трактовке картины: «Гадалка»
(1588–1589), «Лютнист» (1595), «Вакх» (1598), «Нарцисс» (1609) и другие.
Изображая в своих картинах святых, Караваджо стал придавать им облик простых людей, сильных и даже грубых. Он настолько реалистически
изобразил, например, смерть Богородицы, показав ее обыкновенной женщиной, что навлек на себя преследования со стороны церковных властей.
«Успенье Марии» (150–1506).
У Караваджо нашлось много последователей, их называли караваджистами. В самой Италии и в других странах – в Нидерландах, в Испании и
т. д. Караваджизм стал передовым реалистическим течением в искусстве
XVII в.
Младший современник Караваджо – Доменико Фети (1588–1623), работавший в Мантуе и Венеции, тоже находился под его воздействием. Он
так же как и Караваджо, традиционные религиозные темы трактовал как
светские, жанровые, изображая в своих произведениях людей из народа.
«Христос среди солдат» (1616), «Кающаяся Магдалина» (1617) и другие.
Другой итальянский художник XVII в. – неаполитанец Сальваторе Роза (1615–1673) был романтиком. Он охотно изображал разбойников, бро79
дяг, приключения, дикую природу Южной Италии. «Колдунья» (1637),
«Каприччи» (1656) и многие другие.
Из художников более поздних лет выделяются двое – художник-реалист
Джузеппе Креспи (1665–1747) известный также под прозвищем испанец.
Его известными работами являются «Избиение младенцев» (1706), «Ярмарка в Поджо-а-Кайяно» (1708), «Сон амуров» (1712), «Семь таинств»
(1712)
Нет сомнения, что живопись XVII в. в Италии противоречива, но она
имела очень большое влияние на искусство всей Европы и шла впереди
скульптуры и других искусств своего времени.
В Италии XVII в. получила развитие и скульптура. Прославленным
скульптором этого периода является Лоренцо Бернини (1598–1680). Бернини стал центральной фигурой среди художников стиля барокко.
Уже одна из первых его работ «Давид» (1623.) наглядно показывает отличие нового искусства от искусства эпохи Возрождения. «Давид» Микеланджело был могуч, прост и величав в своей спокойной силе. «Давид»
Бернини изображен в динамике. Именно это характерно для стиля барокко, пришедшего на смену простому и строгому стилю Ренессанс. Для барокко внешнее выражение страсти и волнений стало важнее самих человеческих чувств.
Бернини в течение своей долгой жизни создал множество портретных
бюстов и статуй. Обычно его скульптура сочеталась с архитектурой и природными условиями. Яркий пример тому – знаменитый фонтан Четырех
рек на площади Навона в Риме (1648–1651).
Бернини стал основоположником стиля барокко и в архитектуре. В
1657–1663 гг. Бернини соорудил по сторонам огромной площади перед собором св. Петра в Риме две грандиозные округлые галереи, образующие
как бы две руки, заключающие в объятия людей, движущихся к собору.
Другой крупный архитектор Италии XVII в. – Франческа Борромини
(1599–1667), который создал ряд построек, дворцов и храмов, отличающихся исключительно характерным для барокко изобилием украшений,
криволинейных очертаний обрамлений дверей и окон. Он ввел в убранство
фасадов скульптурные фигуры, целые группы, сочетал самые различные
строительные материалы.
Для архитектуры стиля барокко характерны грандиозные здания. В основном это были дворцы королей, князей церкви и светской знати, а также
церкви и монастыри. Фасады зданий украшались чередующимися и многократно повторяющимися деталями, нагромождениями различных форм.
Во внутренних помещениях построек стиля барокко все рассчитано на эффекты освещения: сочетание полумрака и яркого света. Архитекторы барокко широко используют живопись, позолоту, все виды декоративного
80
искусства. Особенно характерной становится роспись потолков сложнейшими многофигурными картинами, как бы расширяющими внутреннее
пространство до бесконечности.
Благодаря совокупности разнообразных художественных приемов искусство барокко производило очень сильное впечатление на зрителей, подавляло их своим величием и грандиозностью. Эти черты искусства барокко использовала в своих интересах церковь. Однако, несмотря на это,
нельзя отрицать достижений и неповторимого своеобразия стиля барокко
ни в архитектуре, ни в монументально-декоративном искусстве, ни в живописи. В рамках барокко в течение всего XVII в. в искусстве Италии продолжал существовать реализм.
В XVIII в. искусство барокко в Италии постепенно угасает. Только в
Венеции продолжает развиваться блестящая живопись замечательного мастера декоративных картин Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770.).
Большие многофигурные картины Тьеполо, имеющие сложную композицию, преимущественно мифологического и фантастического содержания,
очень характерны для стиля барокко. «»Свободные искусства» (1745),
«Сооружение троянского коня» (1757-1762) и многие другие.
Его преемники – талантливый пейзажист Джованни Антонио Каналь,
известный под именем Каналетто (1697–1768), и Франческо Гварди
(1712–1793) – мастера, посвятившие себя изображению родного города
Венеции, его буднями и праздниками, маскарадами, увеселениями, а также
жизнью простого народа. Большие по размерам блестящие декоративные
полотна Тьеполо сменяются небольшими, полными живописной прелести
картинами Гварди. Уютные уголки города, скромные сцены повседневного
быта становятся предметом пристального внимания художников.
В поздней итальянской живописи сохранены барочные черты: динамичность, обилие деталей, умение создавать сложные, многофигурные
композиции.
Если в живописи наблюдался некоторый спад, то в области графики,
особенно в технике офорта, прослеживалось новаторство. Офортом в
XVIII в. занимались и Тьеполо, и другие венецианцы. В Риме особенно
выдвинулся график, создавший до 1800 гравированных листов, – Джованни Баттиста Пиранези (1720–1778), который изображал памятники Рима,
древнего и нового, архитектурные фантазии, создавал порою мрачные, но
величественные картины.
В искусстве Пиранези великие времена Италии эпохи Возрождения и
искусства барокко как бы получают свое последнее и нерадостное завершение.
81
7.2. Искусство Фландрии
В годы нидерландской буржуазной революции конца XVI в. фламандскому народу, несмотря на героические усилия, не удалось освободиться
от владычества монархической Испании. Но духовный подъем людей, вызванный освободительной борьбой, определил высокий расцвет фламандской культуры XVII в. Ведущую роль в искусстве Фландрии получила тогда живопись. Ее представители – Рубенс, его ученики и сподвижники –
ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, а также Брауэр и Тенирс – получили мировую известность.
Всех фламандских художников объединяло стремление запечатлеть реальную жизнь в самых различных ее проявлениях, жизнь, полную движения, непрестанного развития и борьбы человеческих интересов. Связанные
в своем творчестве с заказами католической церкви и знатных дворян,
фламандские живописцы часто рисовали картины на религиозные и мифологические сюжеты, наполняя их дыханием жизни. Они писали также многочисленные портреты и сцены народных празднеств, пейзажи и натюрморты. Причем все их полотна объединяет стремление к героическим образам, к большим, сложным по композиции картинам, сочной и звучной
красочности. Фламандская живопись XVII в. – подлинный гимн силе и
мужеству человека.
В творчестве Питера Пауля Рубенса (1577–1640) все эти особенности
искусства Фландрии проявились наиболее отчетливо и ярко. Рубенс жил в
эпоху, когда широкое развитие в искусстве Европы получил стиль барокко. Он был величайшим живописцем этого стиля и одним из его создателей. Творчество Рубенса – это утверждение ценности земного бытия и
прославление могучих сил природы.
Рубенс был одним из самых образованных людей своей эпохи. Он глубоко знал и любил античную литературу и искусство, свободно владел несколькими современными и древними языками. Долгое время был послом
Фландрии.
Наиболее увлеченно работал Рубенс над большими, монументальными
произведениями со сложными композициями. Примером тому «Водружение креста» (1611) для алтаря собора в Антверпене.
Так же он писал величественные пейзажи: горные дали, вздымающиеся
скалы, бурные потоки и стремительно несущиеся облака. «Возчики камней» (1620) и другие.
Много у Рубенса и исторических произведений. Его знаменитая серия
полотен «Жизнь французской королевы Марии Медичи» (1622–1625),
представляет собой грандиозный декоративный ансамбль, состоящий из 21
82
картины.
На всем протяжении своего творчества Рубенс работал и как портретист, хотя эта область искусства никогда не являлась для него основной:
«Портрет камеристки инфанты Изабеллы, правительницы Нидерландов»
(1625), «Портрет Елены Фоурмен с детьми» (1636).
В сотнях рубенсовских картин встает перед нами яркий, красочный
мир. В своей живописной технике Рубенс применял лессировку, т. е. писал
тонкими слоями полупрозрачных, жидко разведенных красок, просвечивающих одна из-под другой. Этим художник достигал удивительного богатства оттенков, одновременно объединяя их общим золотистым колоритом.
На произведениях великого мастера учились и продолжают учиться
многие поколения художников. Особенно велико было его влияние на современных ему фламандских живописцев.
Рядом с Рубенсом в искусстве Фландрии XVII в. стоит имя Антониса
ван Дейка (1599–1641). Одно время он был помощником Рубенса, но, будучи художником не столь бурного темперамента, он вносил в свои религиозные и мифологические композиции черты сдержанности и спокойствия. «Триумф Селены», «Самсон и Данила» (начало 17 в.) и другие.
Замечательны и автопортреты ван Дейка, написанные в разные годы.
Портреты ван Дейка отличаются удивительной правдивостью в передаче образа человека. Художник как бы приближает позирующего к зрителю, создавая впечатление полной жизненной достоверности.
Официальные парадные портреты, написанные ван Дейком по заказам
вельмож, до сих пор поражают силой и яркостью характеров изображенных на них людей, их одухотворенностью и особой интеллектуальностью.
«Портрет Кардинала Бентивольо» (1623 г.), «Портрет короля Карла I Стюарта» (1635 г.), «Портрет рыцаря с красной повязкой» (начало 17 в.).
В Бельгии в городе Антверпене в дань памяти великому художнику
установлен памятник.
Близким другом и помощником Рубенса был Франс Снейдерс (1579–
1657) – крупнейший мастер фламандского натюрморта и анималистической живописи. Его картины, зачастую большого формата, прославляют
богатство и многообразие природы, окружающей человека. Его полотна
отличаются декоративностью и сочной красочностью. Монументальные,
декоративно-красочные натюрморты и анималистические картины (серия
«Лавки»), проникнутые ощущением изобилия и богатства природы « Охота на оленя» (начало 17 в.).
После смерти Рубенса и ван Дейка главой фламандской школы стал
Якоб Йорданс (1593–1678). Он писал картины на самые разнообразные
темы, но наибольшей известностью пользуются его картины бытового
83
жанра. «Якоб Йорданс и семейство его тестя» (1616).
В ранний период творчества героями Йорданса часто выступали крестьяне. Он изображал их даже в своих картинах на библейские и мифологические темы. «Сатир у крестьянина» (1620), «Аллегория изобилия Земли»
(1622).
В поздний период творчества Йорданс особенно любил рисовать веселые пирушки богатых горожан: «Бобовый король» (1638) и более поздняя
работа с тем же сюжетом «Король пьет» (1656).
Правдивость форм изображаемых им предметов и насыщенность колорита его картин с необыкновенной достоверностью передают материальный мир.
Другой замечательный фламандский живописец – Адриан Брауэр
(1605/1606–1638). Он создавал напряженные по колориту, порой драматически гротескные сцены из жизни крестьян и городских низов. Художник
зорко подмечал характерные позы и движения людей, мимику лиц, разнообразие человеческих эмоций и поведения. Его живопись убеждала зрителя, что мир обыденной жизни простых людей с ее драматизмом и ярким
своеобразием достоины искусства. «Ссора за игрой в карты», «Музицирующие крестьяне», «Лунный свет» (17 в.).
Разнообразное по тематике и значительное по мастерству искусство
Брауэра завершило блестящий расцвет фламандской живописи XVII века.
7.3. Искусство Голландии
В каждом музее западноевропейского искусства с большей или меньшей полнотой представлены обычно небольшие по размерам картины голландских художников. В них с любовью показаны люди, населявшие эту
маленькую страну, их жизнь, вкусы и интересы.
В XVII веке в Голландии высокого развития достигают точные и естественные науки, философия, искусство и литература. Голландские корабли
можно было встретить во всех морях мира, а голландские ткани славились
далеко за пределами страны.
Главные достижения голландской художественной культуры XVII в.
связаны не с архитектурой и скульптурой, а с живописью – XVII столетие
было временем ее блестящего расцвета. Голландские художники XVII века
– Рембрандт ван Рейн, Франс Халс, Ян Вермер Делфский и многие другие
в своих картинах донесли до нас облик простых людей, их чувства и мысли, показали природу своей страны, дома, где жили голландцы, вещи, которые их окружали. И все эти картины пронизаны любовью к родной
стране, гордостью за нее. Впервые обыденная жизнь людей, их радости и
84
горести стали главным объектом искусства.
Станковая живопись была в ту пору наиболее любимым видом искусства голландцев, так как способна была с большой достоверностью и многообразно отразить действительность. Именно здесь родилось высокое реалистическое искусство, ставшее важной ступенью в развитии мирового
реализма.
Франс Халс (1581/1585–1666.) был одним из самых выдающихся голландских художников-портретистов. Биографических сведений о нем сохранилось очень мало. Первая из дошедших до нас значительных работ
мастера – «Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия» (1627). В отличие от более ранних голландских групповых портретов, в которых художники изображали свои модели в спокойных позах, Халс создал живую,
полную движения группу.
Индивидуальные портретные работы Халса тоже не статичны. «Портрет
молодого человека с перчаткой» (1642–1650), «Веселый выпивоха»
(1627.), «Цыганка» (1630), «Голландский кавалер» (1624).
В конце жизни Халс испытывал серьезные материальные трудности, а
когда умер, то был похоронен на средства города в память былых заслуг.
Замечательным и тонким живописцем Голландии был Ян Вермер
Делфский (1632–1675). Его жанровые сцены немноголюдны. Большей частью его герои читают, пишут, занимаются музыкой или какой-нибудь домашней работой. Их позы и движения спокойны и естественны. В одной из
лучших своих картин – «Девушка с письмом» (1650) – Вермер создал жизненно простой и, в то же время, чрезвычайно поэтический образ. Вермер
не ищет красоту в вымышленных сказаниях, а находит ее в сценах повседневной жизни. «Кружевница» (1664), «Географ» (1669), «Служанка с
кувшином молока» (1658).
Как ни велико значение творчества Халса в истории голландской живописи, но его славу в глазах потомства затмевает другой голландский художник – Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669). Его произведения,
живописные и графические, разнообразные по сюжетам и глубине характеристик, составляют одну из вершин европейского и мирового искусства,
одно из наиболее высоких достижений в развитии реализма.
Новаторское искусство Рембрандта отличается демократизмом, жизненностью образов. Сочетая глубину психологической характеристики с
исключительным мастерством живописи, основываясь на эффектах светотени, писал портреты – «Ночной дозор» (1642), «Синдики» (1662); религиозные сюжеты – «Святое семейство» (1645), «Возвращение блудного сына» (1668–1669); мифологические сцены – «Даная» (1636); исторические
картины – «Заговор Юлия Цивилиса» (1661) и автопортреты.
Широкая, свободная живопись, виртуозная графика (рисунки, офорты)
85
Рембрандта приобретают особую эмоциональную выразительность, светотень выступает в них как средство раскрытия психологических коллизий.
Испытав сильное влияние караваджизма, уже в ранних, небольших по
формату работах («Принесение во храм», ок.1628-1629 гг., «Симеон во
храме» 1631 г.) уделяет особое внимание эмоционально-психологическим
возможностям светотени.
В своих портретных работах Рембрандт старательно изучая мимику,
фиксирует даже резкие, гротескные гримасы, он делает портретные образы
постоянным аккомпанементом своих творческих исканий, придавая им тем
самым беспрецедентную по искренности человечность.
В картинах, как светских, так и религиозных, доминируют сильные
драматические эффекты. Библейско-евангельские сцены отмечены печатью трагизма.
Рембрандт увлеченно воспринимает опыт итальянского Возрождения и
барокко, но в то же время бросает вызов классическому ренессансному канону, в особенности в картинах на темы античной мифологии. «Похищение Ганимеда» (1635).
Рембрандт, подобно Тициану, принадлежал к тем мастерам, для которых старость отнюдь не означала спада творческой активности. В 1656 художника объявляют банкротом, его имущество продают с молотка, однако
Рембрандт продолжает работать напряженно и необычайно плодотворно.
Рембрандт оставил огромное графическое наследие – своего рода многолетний дневник, полный острых бытовых наблюдений, художественных
замыслов, мистико-философских интуиций. Он много работал карандашом, чаще, однако, обращаясь к рисунку гусиным пером в сочетании с кистью. Среди самых прославленных его офортов – так называемый «Христос, исцеляющий больных», (1643–1649), «Три дерева» (1643) и многие
другие.
Антиклассицистический, индивидуальный пафос искусства Рембрандта
нашел особенно горячий отклик у представителей романтизма, которые
порой считали его главным своим предтечей.
Богатые голландские бюргеры – основные заказчики Рембрандта – не
поняли и не оценили гениального художника. Трагически одиноким, почти
нищим умер Рембрандт в 1669 г. Художника похоронили на кладбище для
бедняков на общественные средства. Но справедливость восторжествовала
– Рембрандта чтят потомки, им гордится не только его родина, но и все человечество.
В Амстердаме существует музей Рембрандта в доме, где он жил в поздний период жизни.
86
7.4. Искусство Испании
Золотым веком испанской культуры называют конец XVI и XVII столетие. Этому блестящему периоду предшествовал долгий и сложный путь
развития. Почти восемь столетий длилась освободительная борьба испанцев с завоевателями-маврами. Длительное общение с культурой мавров
оставило след в испанской архитектуре, музыке, языке. Восточные мотивы: подковообразные арки, сдвоенные окна, мавританские звезды в сводах,
богатейшая орнаментика – вплетались в средневековую архитектуру.
В конце XV в. в Испании складывается абсолютизм, страна объединяется в единое государство. Это способствовало развитию национальной
культуры. Строится больше светских зданий – дворцов, ратуш, госпиталей. В мавританские и готические формы проникают элементы искусства
итальянского Возрождения. Испанские живописцы овладевают перспективой, изучают, следуя итальянцам, анатомию, начинают пользоваться светотенью для передачи объема и писать на холсте масляными красками.
При короле Филиппе II было построено одно из самых знаменитых зданий Испании XVI в. – новая королевская резиденция Эскориал, которая
должна была служить дворцом, монастырем и усыпальницей королей. Архитектором был Баутистом де Хуаном Эррерой (1530–1597).
Огромный, построенный из серого гранита, Эскориал возвышается среди открытой пустынной долины. Суровая обнаженность гладких стен, бесконечная протяженность сводчатых коридоров – все мрачное величие здания отражало союз абсолютизма Филиппа II и церкви.
Светское искусство испанских мастеров представлено главным образом
в живописи. Возникла школа придворных портретистов.
Самым замечательным явлением в испанской живописи XVI в. было
творчество Эль Греко (1541–1614.). Им были созданы и крупные сюжетные полотна, и портреты, и пейзажи, которые до сих пор считаются шедеврами мирового искусства.
Эль Греко хотел правдиво рассказать о людях, о цельности и силе их
характеров, показать образы простых людей из народа. Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство с
маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры
Позднего Возрождения. Религиозные, мифологические, жанровые картины, портреты, пейзажи. «Погребение графа Оргаса» (1586–1588), «Вид Толедо» (1610–1614), «Апостолы Петр и Павел» (1614), «Кающаяся Магдалина» (1580), «Лаокоон» (1604–1614).
Интерес к действительности побуждал выделить в самостоятельный
жанр живописи натюрморт, пейзаж и бытовой жанр. Даже в религиозных
87
сюжетах изображались живые, реальные образы.
Начало нового столетия подготовило появление великих мастеров. Одним из первых крупных художников Испании XVII в. был Хусепе де Рибера (1591–1652). В сильных духом героях, полных достоинства, Рибера
воплощал лучшие черты испанского народа. В цикле картин, изображающих философов и апостолов, запечатлены яркие реалистические образы
современных ему людей. «Демокрит» (1630), «Архимед» (1630), «Святой
Онуфрий» (1637), «Мученичество св. Варфоломея» (1639).
Созданные Риберой женские образы очень проникновенны и лиричны
«Святая Инесса» (1641); евангельские и библейские композиции полны
возвышенной человечности. «Поклонение пастухов», (1638). Поздние
жанровые работы трагичны и резки. «Хромоножка»(1642).
Творчество Хусепе де Рибера оказало сильное влияние на испанскую и
итальянскую живопись.
Другим крупным мастером испанской живописи XVII в. был Франсиско Сурбаран (1598–1664). Сурбарану были чужды драматические сюжеты. Его образы большей частью спокойны, величавы и правдивы. Модели
на полотнах художника монументальны, объемны, рельефны, почти. Лица
людей глубоко выразительны – «Св. Лаврентий» (1636).
Сурбаран уделял внимание не только людям, но и вещам, которые их
окружают. Книга, подсвечник, кружка, цветок, яблоко, простой стол вводятся в его картины. Он писал и натюрморты – «Натюрморт с апельсинами
и лимонами» (1633). Композиция картины предельно строгая, каждый
предмет показан ясно и четко.
В поздних работах Сурбарана видно стремление к более мягким, лирическим образам. Он пишет мадонн с младенцами, подчеркивая в них душевную чистоту и женственность. «Отрочество мадонны» (1660).
Вершиной испанского искусства золотого века является творчество художника Диего Веласкеса (1599–1660). Он писал картины на религиозные
и мифологические темы – «Вакх» (1628–1629.); исторические – «Сдача
Бреды» (1634); сюжеты, сцены из народной жизни – «Завтрак» (1617–
1618); острохарактерные портреты – «Иннокентий X» (1650); групповой
портрет «Менины» (1656); правдивые и поэтичные сцены труда «Пряхи»
(1657).
Живопись Веласкеса отличается смелостью реалистических наблюдений, умением проникнуть в характер модели, обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита. Современников поражали в
его произведениях яркие характеры людей, мастерство колорита, совершенство передачи света и тени.
Вторая половина XVII в. – начало заката золотого века испанской культуры. В эти годы экономического и идейного упадка в стране искусство
88
постепенно утрачивает реалистические черты.
7.5. Искусство Франции
Религиозные войны 1562–1594 гг. приостановили развитие искусства
французского Возрождения. В период объединения феодальных владений
в единое централизованное государство, во время утверждавшегося в XVII
в. абсолютизма наблюдается новый подъем национальной культуры. В это
время Франция подарила миру великих философов – Декарта и Гассенди,
великих поэтов — Корнеля и Мольера и других.
Изобразительное искусство Франции XVII столетия также представляет
собой яркую страницу. Придворные художники работали в салонной манере, помпезной и витиеватой, развивалось и реалистическое искусство.
Одним из крупнейших французских реалистов был гравер Жак Калло
(1592/1593–1635). Он работал в технике рисунка и офорта. Во все, что он
изображал, он вносил индивидуальную, новую трактовку, умело раскрывал социальную сторону явлений, придавая иногда гротескную, сатирическую заостренность своим персонажам. Художник рисовал дворян и нищих, актеров и бродячих цыган, виды городов и деревень, войны и причиняемые ими страдания. Наиболее известными его работами являются две
серии «Бедствия войны» (1632–1633).
Калло – один из первых французских художников, который проявил
интерес к жизни и быту простых людей, к их невзгодам и бедам.
Одновременно с Калло работали и другие мастера реалистического
направления. Один из них – Луи Ленен (1593–1648), который по праву
считается крупнейшим художником французского реалистического искусства XVII в. Ленен работал совместно со своими братьями – Антуаном и
Матье. Они создали портреты крестьян и бюргеров, запечатлели сцены
крестьянского быта, в которых жизненность наблюдений сочетается с выражением благородного достоинства персонажей: «Семейство молочницы», «Отдых всадника», «Крестьянское семейство» (1640-е г.).
Ведущим стилем французской художественной культуры XVII в. стал
классицизм. Этот стиль возникает под воздействием идей об ответственности личности перед обществом, идей гражданского служения человека интересам нации, его моральной доблести и нравственной чистоты. Он складывается под влиянием тех идей, которые владели в это время лучшими
умами Европы. В XVII веке в разных странах ученые совершали величайшие научные открытия: Галилей – в Италии, Ньютон – в Англии, Спиноза
– в Голландии, Декарт – во Франции.
В изобразительном искусстве Франции вождем классицизма был живописец Никола Пуссен (1594–1665). Пуссен в своих работах прославлял
достоинства героической личности, волю и разум человека. Рационализм,
89
опиравшийся на философию Декарта, становится фундаментом и сутью
теории классицизма. Основным эстетическим кредо Пуссена было: «не
только наши вкусы должны быть судьями, но и разум».
Пуссен постоянно говорит о порядке и мере как основе живописного
произведения, без которых не может быть четко выражена его идея. При
создании полотен с большим количеством персонажей использовал так
называемый перспективный ящик (этот метод был известен и другим мастерам 16-17 вв.), в котором, расставляя восковые фигурки, художник
находил ритмически четкое построение композиции.
Пуссен создает возвышенные по образному строю, глубокие по философскому замыслу, ясные по композиции и рисунку картины на исторические, мифологические, религиозные темы, утверждающие силу разума и
общественно-этические нормы. «Эхо и Нарцисс» (1625–1626), «Смерть
Германика» (1627), «Аркадские пастухи» (1630-е г.); величественные героические пейзажи «Пейзаж с Полифемом», «Пейзаж с Диогеном» (1649);
серию «Времена года» (1660–1664). На автопортрете (1649.) художник
изобразил себя мыслителем и творцом. В портрете воплощена программа
классицизма с его приверженностью натуре и идеализации, стремлением к
выражению высоких гражданских идеалов, которым служило искусство
Пуссена.
Вторая половина XVII в. – время окончательной государственной централизации Франции. Царствование Людовика XIV (1643–1715) стало
торжеством неограниченной королевской власти. Крылатая фраза Людовика XIV «Государство – это я» выражала сущность его устремлений и в
области искусства.
Во второй половине XVII века во Франции создаются различные академии: наук, живописи и скульптуры, архитектуры, надписей, музыки и танца и т. п. Ведущее значение в искусстве Франции той поры приобретает
архитектура. Именно в архитектуре классицизма идея абсолютизма нашла
свое наиболее яркое воплощение. Поэтому деятельность большинства художников сосредоточивалась на оформлении и украшении строившихся в
то время блестящих городских и загородных резиденций. Наиболее типичным и величественным памятником эпохи абсолютизма во Франции
был грандиозный архитектурно-декоративный ансамбль Версаля. Здесь
был заново перестроен королевский дворец (1661–1689), создано множество служебных и парковых построек, разбит огромный парк, аллеи, лужайки, партеры, украшенные стриженой зеленью, бронзовая и мраморная
скульптура, водоемы и фонтаны – все вырастало в символ великолепия и
величия абсолютной монархии. Все это великолепие было создано архитекторами Луи Лево (1612–1670), Жюлем Ардуэном-Мансаром (1646–
1708) и мастером садово-паркового искусства Андре Ленотром (1613–
1700). Искусство классицизма с его логикой и строгим порядком оказыва90
ется полностью на службе французского абсолютизма.
В Париже в эту эпоху сооружаются величественные архитектурные ансамбли: Вандомская площадь, площадь Побед, ансамбль Собора инвалидов, завершается оформление восточного фасада королевского дворца –
Лувра.
Над украшением и оформлением парадных интерьеров дворцов трудилось огромное число художников, они должны были поддержать и усилить
пышность и торжественную величавость архитектуры. Художники работали под руководством Шарля Лебрена (1619–1690), сосредоточившего в
своих руках руководство всеми видами изобразительного искусства.
Влияние французского искусства «великого века» в Европе было
огромным. В XVIII в. оно не потеряло своего значения и продолжало диктовать вкусы и моды всем столицам – от Мадрида до Петербурга и от Рима
до Стокгольма. На смену историческому жанру в живописи приходят новые жанры: портрет, пейзаж, бытовой жанр.
Мир театра больше всего привлекал Антуана Ватто (1684–1721), поэтичного и изысканно тонкого художника, стоявшего на пороге искусства
XVIII столетия. «Жиль» (1719–1721), «Меццетен» (1717–1719) и многие
другие
После смерти Людовика XIV начинается закат французского абсолютизма и его культуры. Излишества, показная роскошь и изнеженность придворной жизни воплотились в искусстве в стиле рококо. В тоже время, рококо – это обращение к оттенкам переживаний человека, к его чувствам,
которые не всегда подвластны разуму… Интерьеры рококо были очень
удобны для жизни в них.
Для бездумной, игривой живописи времен регентства и долгого царствования Людовика XV наиболее типичным мастером был Франсуа Буше (1703–1770). «Купание Дианы» (1742), «Венера, утешающая амура»
(1751), «Тет-а-тет» (1764) и многие другие.
Совершенно противоположные устремления и идеалы выражали правдивые, реалистические полотна Жана Батиста Симеона Шардена (1699–
1779). Излюбленными жанрами Шардена были бытовой жанр и натюрморт. Он отобразил жизнь простых людей Франции, воспел их быт, их тихие радости, их семейный уют. «Прачка» (1737.), «Атрибуты искусства»
(1760-е г.), «Разносчица» (1739) и другие.
Среди выдающихся скульпторов XVIII в. самым ярким портретистом
был Жан Антуан Гудон (1741–1828), который работал во второй половине XVIII в., когда во французском искусстве наблюдается возврат к
классицизму. Он создал галерею психологически многогранных, жизненно
ярких портретов представителей эпохи Просвещения, деятелей Великой
французской революции: бюсты Ж.-Ж. Руссо (1778), О. Г. Р. Мирабо
91
(1791); статую Вольтера (1781).
Гудон принадлежал к направлению передового классицизма, которое
накануне и в дни Великой французской буржуазной революции было возглавлено первым художником революции Луи Давидом.
Жак Луи Давид (1748–1825), французский живописец, крупнейший
мастер европейского классицизма. В своих исторических полотнах он отразил события различных этапов политической жизни Франции: эпохи
Людовика XVI, Революции, Консульства, Империи, Реставрации. Восприняв античность как пример гражданственности, исполнил строгие по композиции и ритму произведения большого общественного звучания. «Клятва Горациев» (1784), портреты «Врач А. Леруа» (1783). В годы Великой
французской революции был организатором художественной жизни, создатель портретов, исторических картин, в том числе посвященных актуальным современным событиям. «Смерть Марата» (1793).
7.6. Искусство Англии
В большинстве стран Европы XVIII век был беднее художественными
ценностями, чем XVII век. Англия являлась исключением. В этой европейской стране, на полтора столетия раньше Франции осуществившей буржуазную революцию, национальный гений рано и блистательно проявился в
литературе, но поздно – в изобразительных искусствах. Только в XVIII веке Англия выдвинула живописцев европейского масштаба. К этому времени искусство в других странах уже прошло большой исторический путь и
значительно прогрессировала теория, эстетическая мысль. И в самой Англии философия искусства опережала его практику, что наложило отпечаток на английское искусство.
Литературность и даже «драматургичность» английской живописи
наиболее ярко проявилась в творчестве Уильяма Хогарта (1697–1764).
Хогарт был живописцем, графиком, теоретиком искусства. Он был основоположником социально-критического направления в европейском искусстве, прекрасным мастером сатирического бытового жанра, разоблачающего пороки аристократии. Серии картин «Карьера проститутки» (1730–
1731), «Карьера мота» (1732–1735), «Выборы», «Брачный контракт»
(1754). Демократичным, и смелым в живописи жанрового портрета. «Девушка с креветками» (1740–1750), «Художник с мопсом. Автопортрет»
(1745).
Во второй половине XVIII века Англия славится своими портретистами.
Достаточно назвать лишь двух крупнейших, которые в известном смысле
были антиподами – Рейнолдс и Гейнсборо.
92
Джошуа Рейнолдс (1723–1792), английский живописец и теоретик искусства, организатор и первый президент лондонской академии художеств.
В виртуозных парадных портретах знати остро выявлял характер личности. «Дж. О. Хитфилд» (1787). Писал исторические и мифологические
сцены: «Амур развязывает пояс Венеры». (1788) и другие.
Томас Гейнсборо (1727–1788.) – английский живописец, один из лучших портретистов и пейзажистов 18 века. Ранние портреты Гейнсборо
представляют собой небольшие композиции, изображающие в пейзаже
группы мирно прогуливающихся и отдыхающих провинциальных помещиков, их жен и детей. «Портрет Р. Эндрюса с женой» (1749). Полны одухотворенности и лиризма портреты: «Утренняя прогулка» (1785) и другие.
Героям Гейнсборо присущи душевная утонченность, еле уловимые
движения чувств, способность мечтать в уединении, на лоне природы. Эта
черта Гейнсборо сродни литературе английского сентиментализма последних десятилетий XVIII века.
Пейзажи Гейнсборо отличаются виртуозной легкостью и воздушностью
живописи. «Телега со жнецами» (1771), «Корнардский лес» (1748) и другие его работы.
Выдающимся английским живописцем являлся Джон Констебль
(1776–1837). Констебль в своих работах изображал обыденную национальную природу в ее свежести и изменчивости, воссоздавал трепетность
световоздушной среды. В его работах естественность композиции и цвета
сочетается с богатством оттенков. «Телега для сена» (1821), «Дедхемская
долина» (1828), «Строительство лодки во Флетфорде» (1815) и многие
другие.
Констебль внес огромный вклад в развитие европейской пленэрной живописи.
Контрольные вопросы
1. Назовите отличительные черты искусства барокко.
2. Перечислите отличительные черты искусства классицизма.
3. Назовите произведения Л. Бернини.
4. Назовите имена архитекторов итальянского барокко? Французского барокко?
5. Кто автор картины «Союз Земли и Воды»?
6. Кто является автором картины «Менины»? В чем ее жанровая особенность?
7. Назовите известные произведения Х Риберы.
8. К какому направлению искусства можно отнести творчество Н. Пуссена?
9. Кого из английских художников-живописцев вы знаете?
93
94
Раздел 8. Искусство Европы XIX века
В развитии западноевропейского искусства XIX века большое значение
имели различные факторы, повлиявшие на ход истории. Произошли значительные изменения в экономических отношениях и политической жизни, изменился формат религиозных отношений. Бурными темпами развивалась наука, и, как следствие произошла промышленная революция.
Начало XIX в. ознаменовалось рождением сентиментализма – течения
в европейской литературе и искусстве. Отталкиваясь от просветительского
рационализма, сентиментализм объявил доминантой «человеческой природы» не разум, а чувство, и путь к идеально-нормативной личности искал
в высвобождении и совершенствовании «естественных» чувств. Он выражал протест против сухости классицизма, идеализируя жизнь «маленького
человека».
Новое идейно-художественное движение, охватившее науку и искусство европейской культуры в конце XVIII – начале XIX вв., во многом стало реакцией на пессимистическое настроение общества, находившегося
под впечатлением от недавних социальных бурь и со страхом ожидавшего
будущих катаклизмов. Это движение получило название романтизма.
Романтизм возник в 1790-е гг. сначала в Германии, а затем распространился по всей Западной Европе. Его идейной почвой были кризис рационализма Просвещения, Великая французская революция и немецкая классическая философия. Романтизм – это эстетическая революция, которая
вместо науки и разума (высшей культурной инстанции для эпохи Просвещения) ставит художественное творчество индивидуума, которое становится образцом для всех видов культурной деятельности.
Основная черта романтизма – стремление противопоставить бюргерскому миру рассудка, закона, индивидуализма, утилитаризма, наивной веры в линейный прогресс новую систему ценностей: культ творчества,
примат воображения над рассудком, критику логических, эстетических и
моральных абстракций, призыв к раскрепощению личностных сил человека, следование природе, миф, символ, стремление к синтезу и обнаружению взаимосвязи всего со всем.
Довольно быстро романтизм выходит за рамки искусства и начинает
определять стиль философии, поведения, одежды и других аспектов жизни.
Второй ведущей художественной системой в искусстве XIX века стал
реализм (критический реализм). Термин реализм появился тогда, когда само художественное направление уже определилось в мировой культуре.
Если романтики стремились показать достоинство и самость человека,
вознесенного над косной средой и осененного гением, то пришедший на
95
смену романтизму реализм поставил своей задачей отыскать в развращенной толпе простого, обыкновенного человека.
Обличения и разоблачения для реалистов не самоцель, а возможность
вскрыть и снять чуждые наслоения, искажающие истинный человеческий
облик. В романтизме личность противостоит враждебной толпе, вследствие чего оказывается приподнятой над толпой в тщетной попытке найти
прибежище в возвышенных сферах духа. Реалисты же помещают личность
в самую гущу среды и подвергают ее всестороннему рассмотрению и анализу. Одержимые анализом, они исследуют взаимодействие личности с
окружающей средой в мельчайших деталях. Если романтиков интересует
результат, то реалистов – процесс; им интересно то, как личность изменяется, подчиняясь стандарту, и как ухитряется себя сохранить вопреки ему.
Реализм, как и самих реалистов, часто упрекали в «очернительстве», в
сосредоточенности на прозаически-неизменных сторонах бытия, в том, что
они показывали существующую болезнь века, но не излечивали ее. Как
разочаровала в свое время романтическая отвлеченность, так и теперь
разочаровала реалистическая аналитичность.
В отличие от развивающегося реализма, классицизм к середине XIX
века переродился в безжизненный академизм. Ему стали присущи черты
утопизма, идеализации и отвлеченности, которые в период упадка усилились.
С конца 50-х годов XIX века искусство Западной Европы вступает в
эпоху декаданса. Этот термин обозначает кризисные явления в культуре,
характеризующий оппозицию к общепринятой «мещанской» морали,
культом красоты как самодовлеющей ценности, сопровождающуюся нередко эстетизацией греха и порока, амбивалентными переживаниями отвращения к жизни и утонченного наслаждения ею.
Впервые эти черты проявились во французском символизме, у некоторых представителей реализма, в эстетизме и позже – в модернизме.
Протест против чрезмерного натурализма и застывшего академизма в
реалистическом искусстве выразился в поиске новых форм, новой живописной технике, отходе от социальной тематики и от сюжетности.
Отмеченными чертами обладало новое направление французской живописи, начавшее свое формирование в 1860-х годах и получившее название импрессионизм (от франц. впечатление).
Представители импрессионизма стремились наиболее естественно и
непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости,
передать свои мимолетные впечатления. Импрессионисты внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, изображение
мгновенных, как бы случайных движений и ситуаций, кажущуюся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения,
ракурсы, срезы фигур.
96
В 1870–80-х гг. сформировался импрессионизм во французском пейзаже.
Не менее значительным было творчество постимпрессионистов, ставшее своеобразной реакцией на движение импрессионистов и обогатившее
импрессионизм реалистичностью.
8.1. Искусство Франции
Последняя четверть XVIII – первая треть XIX вв. прошли во Франции
под флагом классицизма. Классицизм был связан с Просвещением; основываясь на идеях философского рационализма, на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе,
стремился к выражению большого общественного содержания, возвышенных героических и нравственных идеалов, к строгой организованности логичных, ясных и гармоничных образов.
Французский классицизма в живописи представляли революционный
классицист Жак Луи Давид (о нем было рассказано в предыдущем разделе)
и академичный Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867).
В 1801 за картину «Послы Агамемнона» Энгр получает Большую Римскую премию, дающую право стажировки в Риме. Замечательны и другие
его работы: «Портрет Франсуа Гране» (1807), «Большая одалиска»(1814),
«Апофеоз Гомера» (1827).
Творчество Энгра оказало влияние на многих художников 19 и 20 веков (Э. Дега, П. Пикассо).
В 20-30-х годы XIX века возникает новое течение в искусстве – романтизм, как оппозиция классицистической школе Основными принципами романтиков были: горячий колорит, контрастные цветовые пятна,
экспрессивность рисунка, экзотические мотивы.
Теодор Жерико (1791–1824) был основоположником романтизма во
французской живописи. Его драматично-напряженные произведения отличаются актуальностью и психологизмом, экспрессией живописи, контрастами светотени. «Кораблекрушение фрегата «Медуза» (1818–1819),
«Офицер конных егерей императорской гвардии, идущей в атаку» (1812).
Бытовые сцены, пейзажи повлияли на реалистов середины XIX века. «Дебри в Эпсоме» (1821).
Эжен Делакруа (1798–1863) – виднейший представитель французского романтизма в изобразительном искусстве. Художник в своих динамичных по композиции, экспрессивных по колориту, во взволнованнонапряженных, проникнутых гуманистическим пафосом произведениях выразил дух свободолюбия, активного действия, борьбы. «Резня на Хиосе»
(1823–1824), «Свобода, ведущая народ» (1830). Творческая фантазия,
97
страстный темперамент выразились в его исторических композициях.
«Алжирские женщины» (1833–1834), «Взятие крестоносцами Константинополя» (1840–1841), а так же в иллюстрациях к произведениям У. Шекспира, И. В. Гете.
В первой половине XIX века в архитектуре и декоративном искусстве
преобладает «Ампир» (от франц. empire, – империя)– стиль, завершивший
развитие классицизма. Ему были свойственны массивные лапидарные,
подчеркнуто монументальные формы и богатый декор (военные эмблемы,
орнамент), опора на художественное наследие императорского Рима,
древнегреческой архаики, Древнего Египта служили воплощению идей
государственного могущества и воинской силы. Стиль ампир сложился в
период империи Наполеона I во Франции. Его отличало парадное великолепие мемориальной архитектуры и дворцовых интерьеров (архитекторы
Ш. Персье, П. Ф. Л. Фонтен).
Другим направлением в искусстве XIX века был реализм, основной
идеей которого был поиск обобщенного монументального образа трудового человека.
Во французском реализме выделялась барбизонская школа – группа
французских живописцев-пейзажистов (Т. Руссо, Ж. Дюпре, Н. Диаз, Ш.
Ф. Добиньи, К. Труайон), работавших в д. Барбизон близ Парижа в 183060-е гг. Они обращались к непосредственному изображению природы, света и воздуха. Своим творчеством барбизонцы сыграли важную роль в развитии реалистического пейзажа.
Один из самых тонких мастеров французского пейзажа был Камиль
Коро (1796–1875). Наряду со строго построенными «историческими пейзажами» писал одухотворенно-лирические пейзажи, отмеченные богатством валеров, тонкостью серебристо-серой гаммы, мягкостью воздушной
дымки, окутывающей предметы. «Воз сена», «Порыв ветра» (1865–1870) и
другие.
Жанровая живопись критического реализма была представлена в творчестве Густава Курбе (1819–1877): «Купальщицы» (1853), «Бушующее
море» (1870) и другие.
Исторические события были отражены в работах Оноре Домье – известного французского графика, живописца и скульптора. Домье был тесно связан с демократическим движением. Создавал прекрасные острогротескные карикатуры на правящую верхушку и мещанство. Литографии –
«Улица Транснонен» (1834, серия «Добрые буржуа» (1846–1849).
В живописи и скульптуре Домье сочетал драматизм и сатиру, героику
и гротеск. «Дон Кихот» (1868), «Гаргантюа» (1831), «Законодательное
чрево» (1834).
Параллельно романтизму и реализму развивалась далекая от «больных» вопросов современности салонная живопись, внешне красивая и ба98
нальная, бессодержательная или ложно-многозначительная, спекулятивная
имитация подлинных художественных ценностей.
В 1860-х годах развивается новое направление в искусстве – импрессионизм. Его представителями были: Эдуар Мане (1832–1883) («Завтрак
на траве», 1863, «Завтрак в мастерской» 1868); Клод Моне («Впечатление.
Восходящее солнце», 1872); Камиль Писсарро (1830–1903) («Бульвар
Монмартр», 1897); Огюст Ренуар (1841–1919) («Зонтики», 1880, «Анна»,
1876 г.), Эдгар Дега («Абсент», 1876., «Красные танцовщицы», 1884).
Ими была выработана последовательная система пленэра: работая на
открытом воздухе, создавали ощущение сверкающего солнечного света,
богатства красок природы, растворения объемных форм в вибрации света
и воздуха. Разложение сложных тонов на чистые цвета (накладываемые на
холст отдельными мазками и рассчитанные на оптическое смешение их в
глазу зрителя), цветные тени и рефлексы порождали беспримерно светлую, трепетную живопись.
Интерес импрессионизма к мгновенному движению, текучей форме
восприняли скульпторы.
Так Огюст Роден (1840–1917) в своих работах воплотил смелость реалистических исканий, жизненность образов, энергичную живописную лепку, текучесть формы, умело сочетал с драматизмом замысла, стремлением
к философским обобщениям. «Бронзовый век», 1876.; «Мыслитель», 1888.
Устремление к героизации образа ощутимо в памятнике Бальзаку
(1893–1897) и в портретах, среди которых выделяется портретный бюст
Виктора Гюго (1897), в котором передает черты могучего творческого гения, духовной силы писателя.
В конце 19 века возникает постимпрессионизм как реакция на импрессионизм с его интересом к случайному и мимолетному. Восприняв от импрессионизма чистоту и звучность цвета, постимпрессионизм противопоставил ему поиски постоянных начал бытия, устойчивых материальных и
духовных сущностей, обобщающих, синтетических живописных методов,
повысил интерес к философским и символическим аспектам, к декоративно-стилизующим и формальным приемам.
Здесь следует выделить французских художников:
Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) («Графиня де Тулуз-Лотрек»,
1883, «Нагруженная телега», 1875–1880).
Поль Сезанн (1839–1906) («Берега Марны», 1888; «Персики и груши»,
1888-90);
Поль Гоген (1848-1903 гг.), («Таитянка с манго», 1892; «Брод», 1901).
Под влиянием творчества Гогена, группа художников (М. Дени, П. Боннар
и др.) создают своеобразный вариант стиля модерн – «наби» (франц. nabis
– пророки, от др.-евр. наби – пророк), для которого характерны близость к
99
литературному символизму, декоративная обобщенность форм, музыкальность ритмов, плоскостность, главенство цветового пятна
Представителем постимпрессионизма являлся нидерландский художник Винсент Ван Гог (1853–1890 гг.), «Подсолнухи», 1888 г., «Оливковая
роща», 1889 г.).
Творчество французских постимпрессионистов предопределило развитее всего мирового искусства ХХ века.
8.2. Искусство Германии
Немецкое искусство начала XIX века проходит под знаком романтизм.
Основная идея раннего немецкого романтизма заключается в борьбе за
духовное раскрепощение, за освобождение личности, за раскрытие внутреннего мира и облика художника. Крупнейшим художникомромантиком, основоположником европейского романтического пейзажа,
«поэтом» немецкого пейзажа был Каспар Давид Фридрих (1774–1840).
В живописи Фридриха проявляется особый интерес к передаче средствами тонального пейзажа определенного момента жизни природы. Много увлекался архитектурой и сам занимался реставрацией памятников. В
своих работах стремился точно воспроизводить архитектурные детали.
Талант Фридриха был признан еще при жизни. В 1810 году он становится членом берлинской и дрезденской Академий, а позднее – профессором Академии художеств Дрездена. «Меловые скалы на острове Рюген»
(ок. 1820), «Восход луны над морем» (1821–1822) и другие.
Интересным явлением в немецком искусстве были представители «Союза святого Луки», образовавшегося в1809 году в Вене, (Ф. Овербек,
Ю.Шнорр фон Карльсфельд, П. Корнелиус), в последствии прозванных
назарейцами. Прозвище произошло от «алла назарена» – традиционного
названия прически с длинными волосами, известной по картине А. Дюрера которую ввел в моду Ф. Овербек.
Назарейцы стремились возродить религиозно-нравственные устои,
«воскресить» средневековое религиозное искусство, подражая итальянским и немецким художникам Раннего Возрождения. Они выступали против так называемой «религиозной безнравственности» искусства позднего
классицизма. Образцами для подражания для них были произведения А.
Дюрера, П. Перуджино и раннего Рафаэля.
Другим направлением в немецком искусстве была дюссельдорфская
школ. Ее представители (А. Ретель, И. П. Хазенклевер, Л. Кнаус, Б. Вотье
и другие) воспроизводили сюжеты из немецкой средневековой истории,
изображали патриархальные стороны немецкого крестьянского быта.
100
Немецкое реалистическое искусство XIX века представляли А. Менцель
и В. Лейбль.
Адольф фон Менцель (1815–1905) – крупнейший немецкий живописец
и график. В своих пейзажах и жанровых картинах уделял пристальное
внимание свету и воздуху, натуре. «Комната с балконом», 1845, «Театр
«Жимназ», 1856).
Значительным событием в искусстве была картина «Похороны мартовских жертв» (1848)
Подлинная панорама народной жизни показана художником в картине
«Процессия в Гастейне» (1880.).
Вильгельм Лейбль (1844–1900), проявил свое мастерство в реалистических портретах и сценах патриархального быта крестьян Баварии. «Неравная пара» (1876-77 гг.). В более поздних работах живопись Лейбля
становится мягкой, насыщенной светом и воздухом. «Прядильщица»
(1892).
8.3. Искусство Англии
Выдающимся английским художником XIX века являлся живописецпейзажист Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851), один из крупнейших представителей английского романтизма. Его пейзажи полны контрастов света и цвета, свободны и широко написаны, не редко дополняются мифологическими или библейскими персонажами. «Улисс и Полиферм» (1828–1829).
В совершенстве владея техникой акварели, художник добивается легкости и прозрачности красок, сквозь которые просвечивает тон белой бумаги. Его манера размытости письма, особого способа передачи световоздушной среды, фактически предвосхитила живопись французских импрессионистов. «Кораблекрушение», «Морозное утро», «Пожар парламента»
(1835) и другие
В XIX веке группа английских художников, стремившихся возродить в
своем творчестве «наивную» религиозность средневекового и ренессансного искусства, организует прерафаэлитское братство. Наиболее знаменитые прерафаэлиты – это Дж.Э. Миллес (1829–1896.), Д.-Г. Россетти
(1828–1882.), У.Х. Хант (1827–1910.).
101
8.4. Искусство Испании
Самым выдающимся художником испанского искусства конца XVIII –
первой половины XIX века был Франсиско Гойя (1746–1828), творчество
которого приходится на период Французской революции и национальноосвободительной борьбы с Наполеоном – самых драматических периодов
испанской истории.
Его дарования очень разнообразны – он рисует картоны для королевской шпалерной мастерской «Игра в жмурки», 1791; пишет портреты королевской четы «Семья короля Карла IV», 1800; делает росписи в капелле
церкви Сан Антонио де ла Флорида в Мадриде, 1798; рисует графические
серии «Капричос», 1797–1798; пишет картины «Восстание 2 мая 1808 года
в Мадриде» и «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года», 1814.
С именем Франсиско Гойи связано становление искусства Нового
времени, его творчество оказало огромное воздействие на мировую культуру XIX–XX веков не только в живописи и графике, но и в литературе,
драматургии, театре и кино.
Контрольные вопросы
1.
2.
3.
4.
Какие факторы повлияли на развитие искусства XIX века?
Какие направление в искусстве XIX века получили развитие?
Назовите художников-сентименталистов.
Какие характерные черты присущи романтизму?
5.
6.
Назовите ведущих портретистов эпохи.
7.
8.
9.
10.
11.
12.
13.
14.
15.
16.
Какие отличительные черты присущи работам Уильяма Тернера?
Что такое «критический реализм»?
Назовите представителей «революционного классицизма».
Кто является автором картины «Расстрел повстанцев в ночь на 3
мая 1808 года»?
Перечислите отличительные черты стиля ампир.
Какие художественные методы использовали импрессионисты?
Кого из художников-импрессионистов вы знаете? Назовите их работы.
К какому художественному направлению можно отнести творчество Сезанна, Гогена, Ван Гога?
Кто является автором
Назовите скульпторов-импрессионистов?
Кто такие «назарейцы»? «Набиты»?
102
Раздел 9. Искусство XX века
Художественная культура XX столетия является одной из самых сложных для исследования во всей истории мирового искусства.
XX век был насыщен различными трагическими социальными потрясениями, самыми страшными и кровопролитными мировыми войнами, широкими национально-освободительными движениями, повлекшими кардинальное изменения территориальных границ, бурное развитие научнотехнического прогресса.
Трагический разлад в душах художников, размытость всяческих критериев, стремление каждого художника создать свой стиль, утвердить свою
манеру приводит к тотальной иронии, скепсису, чувству опустошенности,
бездуховности, подражанию, плагиату. Эти и многие другие факторы, повлияли на искусство новейшего времени.
XX в. дал миру новое направление в культуре и искусстве – модернизм,
под которым понимается совокупность направлений и течений, сложившихся в искусстве XX века
Модернизм как явление имеет ряд особенностей:
 кризисный характер. Он возникает в переломные моменты исторического развития;
 отрицание единого стабильного начала. Модернизм – это скорее, совокупность стилевых направлений;
 теоретичность и постоянное обращение к философским основам.
Его теоретической базой стали неокантианство, феноменология, интуитивизм, фрейдизм;
 поиск новых изобразительных форм. Искусство модернизма отказывается подражать природе и изображать видимую действительность;
 элитарный характер. Модернизм не признает и постоянно пересматривает границы между "нормальным" и "ненормальным".
Первым направлением модернизма принято считать кубизм. Кубисты
исходили из того, что все предметы и явления, включая человека, могут
быть изображены в виде суммы геометрических фигур. Началом стала работа Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» (1907).
Кубизм развивался и менялся. Это видно в работах П. Пикассо «Три
женщины» (1909 г.), «Игрок в карты».
В картинах Р. Делоне «Башня» (1910); Ж. Брака «Хвала И.С. Баху» появляются цифры, отдельные слова, «плавающие в пространстве».
Еще один новый прием – введение в живописное полотно инородных
материалов. Начинают применяться песок, уголь, железо, стекло, опилки,
превращая тем самым картину в материальный объект.
103
Другим направлением модернизма является футуризм. Его центром
стала Италия, где идейным вдохновителем выступил литератор Ф. Маринетти.
Футуристы предлагали:
• восстать против тирании таких слов, как «гармония», «хороший вкус»;
• уничтожить театры, музеи;
• «вымести» из живописи все уже использованные сюжеты;
• передать движение, ускорение темпа жизни.
Для футуристической живописи (У. Боччони, Дж. Северини и другие)
характерны сдвиги, наплывы форм, многократные повторения мотивов,
как бы суммирующих впечатления, полученные в процессе стремительного движения. Футуризм – это своего рода апология техники, урбанизма,
абсолютизация идеи движения. Однако жизнь этого направления оказалось недолгой, и к 20-м годам прошлого века уже расценивалась как классика.
Экспрессионизм возник как самое загадочное направление. Предметом
этого течения в искусстве были не окружающая действительность, а фантастические образы. Опираясь на неокантианство и феноменологию, футуристы провозгласили единственной реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение – главной целью искусства.
Наиболее ярко экспрессионизм проявился в искусстве Германии и Австрии (писатели Г. Кайзер, В. Газенклевер в Германии, Ф. Верфель в Австрии, художники Э. Нольде, Ф. Марк, П. Клее в Германии, О. Кокошка в
Австрии).
В рамках экспрессионизма возникли ранние образцы абстрактного искусства (В.В. Кандинский).
Новым направлением стал абстракционизм (беспредметное, нефигуративное искусство) как крайняя школа модернизма, родоначальником которого выступил В. Кандинский (позднее К. С. Малевич).
Абстракционизм отказался от изображения реальной действительности.
В нем существует два основных направления:
• создание бесформенных цветовых сочетаний их гармонизация. Считалось, что цвет обладает способностью к самостоятельному выражению
ощущений и чувств, предполагалась аналогия цветовых ассоциаций и
музыки;
• «освобождение» содержания произведения от предметных образов и
замена их геометрическими абстракциями. Приверженцы этого направления полагали, что чистые, конструктивные геометрические формы выгодно отличаются от неопределенности природных форм; создают логическую, правильную, статистически уравновешенную красоту. Родоначальником «освобождения» содержания от своего образа считается голландец П. Мондриан.
104
Сложилось несколько вариантов абстракционизма: абстрактный экспрессионизм, информель, ташизм, постживописная абстракция.
В 1913 г. в рамках абстрактного искусства возникает супрематизм (от
франц. supremus – «превосходство», «господство»). Его инициатором стал
художник К. Малевич, а философской основой – учение А. Бергсона об
интуиции. «Черный квадрат» (1915) Малевича стал легендой в искусстве
XX века
В 20-е гг. во Франции возникло новое направление – сюрреализм (от
франц. surrealisme – сверхреализм). Его создатели – молодые художники,
поэты – рассматривали сюрреализм как способ познания подсознательного, сверхъестественного. Большое влияние на сюрреализм оказала философия З. Фрейда.
Особенностями этого направления являются:
• искажение изображаемых людей, гипертрофия части тела, соединение
их с животными или неодушевленными предметами;
• широкое использование изменения формы отражаемого предмета, его
пропорций, цвета, конфигурации;
• разрушение естественных связей между предметами;
• использование в качестве материала для сюрреалистических образов
любых бессознательных психических актов – сновидений, бреда, младенческих воспоминаний, гипнотических или настоящих галлюцинации.
Сюрреалисты считали, что таким образом им удается проникнуть в
высшую реальность бытия.
В этом направлении работали художники М. Эрнст, Ж. Арп, Ж. Миро,
П. Блум, И. Танги, но особенно ярко выделяется Сальвадор Дали. В своих
картинах и рисунках, проявлял безудержную фантазию и виртуозную технику исполнения. Полотна Дали представляют собой фантасмагории, в которых самым противоестественным ситуациям и сочетаниям предметов
придана видимая достоверность и убедительность. Его работы «Предчувствие гражданской войны» (1936), «Тайная вечеря» (1955) и другие считаются кульминацией символического искусства.
После Второй мировой войны появляются такие направления, как попарт и концептуализм.
Поп-арт провозглашает себя новым реализмом и, отказываясь от обычных методов живописи и скульптуры, культивирует якобы случайное, часто парадоксальное сочетание готовых бытовых предметов, механических
копий (фотография, муляж, репродукция), отрывков массовых печатных
изданий (реклама, промышленная графика, комиксы и т. д.).
Концептуализм занимается исключительно интеллектуальной интерпретацией объектов:
• боди-арт – главным объектом является тело самого художника или
105
статиста, а содержание раскрывается позой, жестами, покрывающими тело
знаками;
• хэппининг – создание «торжественных событий»;
• перформанс, (англ. performance, букв. – представление), – создание
«живых картин», рассчитанных на активное зрительское соучастие, в
которых всецело доминирует сам художник или специальные статисты,
представляющие публике живые композиции с символическими атрибутами, жестами и позами.
Семидесятые годы прошлого столетия стали периодом возникновения
постмодернизма (от лат. post – «после» и модернизм). Это особый тип мировоззрения, ориентированный на формирование такого жизненного пространства, в котором главными ценностями становятся:
• свобода во всем;
• спонтанность в деятельности человека;
• игровое начало.
Постмодернистское сознание направлено на отрицание всякого рода
норм и традиций – этических, эстетических, методологических и т.д.
Постмодернизм смешивает и уравнивает обыденное сознание и духовность, примитивное и научное, безобразное и прекрасное, добро и зло.
Постмодернизм, отвергая рационализм «интернационального стиля»,
обращается к наглядным цитатам из истории искусства, к неповторимым
особенностям окружающего пейзажа, сочетая все это с новейшими достижениями строительной технологии.
Изобразительное творчество постмодернизма провозгласило лозунг
«открытого искусства», которое свободно взаимодействует со всеми старыми и новыми стилями. В этой ситуации прежнее противостояние традиции и авангарда утратило свой смысл.
Отвергнув возможность утопического преобразования жизни с помощью искусства, представители постмодернизма приняли бытие таким, как
оно есть и, сделав искусство предельно открытым, наполнили его не имитациями или деформациями жизни, а фрагментами реального жизненного
процесса, который, обычно, лишь критически корректируется, а не преображается целиком в нечто новое и невиданное.
В своем принципиальном антиутопизме постмодерн отказывается от
подмены искусства философией, религией или политикой, не отказываясь,
однако, от разнообразных видов художественного экспресс-анализа всех
этих сфер культуры. Восстановление чистоты и автономии творчества
влечет за собой усиление его независимой, по-своему свободной социальной чувствительности.
Изменения в культуре XX в. ярко отразились в архитектуре. На нее повлияли многие факторы, в том числе:
106
• демографические процессы (рост численности населения, в первую очередь, в городах);
• рост количества самих городов (в связи с развитием промышленности);
• развертывание в передовых странах мира научно-технической революции;
• появление новых строительных материалов.
В связи с этим в строительстве происходит уплотнение застройки, рост
этажности жилых зданий, вытеснение массивов зелени из сферы жизни городского населения.
Одним из первых направлений в архитектуре начала двадцатого столетия является модерн, характерными чертами которого являются: выявление функционально-конструктивной основы здания;
• отрицательное отношение к классическому ордеру;
• множество кривых линий;
• нагромождение декоративных элементов;
• использование пластических «возможностей «ковкости» металла,
• широкое использование железобетона;
• применение стекла и майолики.
Это приводит к созданию новых типов зданий: доходных домов, банков, театров, вокзалов и др.
В этом направлении особенно интересны сооружения Антонио Гауди
(собор Ла Сограда Фамилиа, Барселона, 1884–1926),
Стиль модерн постепенно вытеснялся функционализмом, к составным
элементам которого относятся: утилитаризм, техницизм, рационализм
(многоярусные гаражи, эстакады, транспортные развязки в больших городах). Ведущий представитель функционализма Ле Корбюзье (Капелла
Нотр-Дам дю О в Роншане, 1950–1953.).
Интересна дезурбанистическая теория строительства Э. Хоуарда, Ф.Л.
Райта, пропагандирующая строительство городов-садов.
Пластические возможности архитектурных форм, индивидуальные запросы, связь с национальной культурой выступают как основополагающие
принципы творчества современных архитекторов.
Двадцатый век отмечен стремительным развитием кинематографа, который в 1927 г. стал звуковым. В кино нашли отражение все творческие
методы XX в.:
• неореалистические фильмы – Р. Росселини (Рим – открытый город);
• реалистические – М. Карне;
• романтические – Мэдока;
• модернистские – Ланга и Леже;
• мелодраматические фильмы;
• фильмы глубокого философского содержания и высокого интеллектуализма – Бунюэля, И. Бергмана, Л. Висконти, Ф. Феллини.
107
Кино продемонстрировало миллионам зрителей высокий профессионализм режиссуры и блистательное мастерство актеров.
Влияние научно-технического прогресса затронуло все сферы художественной культуры, что выразилось в возникновении новых и «модернизации» старых ее видов, революционном перевороте в области распространения художественных произведений. Решающую роль здесь сыграли
изобретения радио-, звуко и видеозаписи, фотографии, кинопроекции;
компьютерные технологии обработки изображения и звука и др. В целом
можно говорить не только об увеличении разнообразия в сфере художественной культуры, но и о расширении границ искусства.
Контрольные вопросы
1.
2.
Какие направления в искусстве получили развитие в ХХ веке?
Перечислите специфические особенности модернизма.
Кто является основоположником кубизма?
Что является предметом экспрессионизма?
Что такое супрематизм? Назовите основных представителей данного
направления в искусстве.
6. Кого из художников-сюрреалистов вы знаете?
7. Что такое поп-арт?
8. Какие характерные черты присущи искусству постмодерна?
9. Какие изменения произошли в архитектуре ХХ века?
10. Чем обусловлено бурное развитие кинематографа в ХХ веке?
3.
4.
5.
108
Библиографический список
1.
2.
3.
4.
5.
6.
7.
8.
9.
10.
11.
12.
13.
14.
15.
16.
17.
18.
Алексеева, В.В. Что такое искусство?: О том как изображают мир живописец, график и скульптор / В.В. Алексеева. – М.: Искусство, 1991. –
238 с.
Алпатов, М.В. Искусство. Книга для чтения. Живопись. Скульптура.
Графика. Архитектура / М.В. Алпатов. – М.: Просвещение, 1969. – 543
с.
Алпатов, М.В. Художественные проблемы итальянского Возрождения
/ М.В. Алпатов. – М.: Искусство, 1976. – 287 с.
Античная культура. Литература, театр, искусство, философия, наука:
Словарь-справочник / Под ред. В.Н. Ярхо. – М.: Высш. шк., 1995. –
383 с.
Арган, Дж. История итальянского искусства / Пер. с итал. В 2 т. – М.:
Радуга, 1990. – Т. 1. Романское искусство. – 628 с.
Арган, Дж. К. Современное искусство 1770–1970. Пер. с итал. – М.:
Искусство, 1999. – 755 с.
Баткин, Л.М. Леонардо да Винчи и особенности ренессансного творческого мышления. – М.: Искусство, 1990. – 415 с.
Батракова, С.П. Художник ХХ века и язык живописи: От Сезанна к
Пикассо. – М.: Наука, 1996. – 176 с.
Бенеш, О. Искусство Северного Возрождения. Его связь с современными духовными и интеллектуальными движениями. Пер. с англ. –
М.: Искусство, 1973. – 222 с.
Виппер, Б.Р. Итальянский Ренессанс XIII-XVI вв. Курс лекций. В 2 т. –
М.: Искусство, 1977. – Т. 1. – 223 с.; Т. 2. – 243 с.
Володина, Т.И. Модерн: проблема синтеза искусств // Художественные модели мира. В 2 кн. – М.: Наука. – Кн. 1. – С. 261–276.
Дженкс, Ч.А. Язык архитектуры постмодерна. Пер. с англ. – М.:
Стройиздат, 1985. – 137 с.
Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 1. – М.: Искусство,
1985. - 319 с.
Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Вып. 2. – М.: Искусство,
1989. – 318 с.
Зись А.Я. Виды искусства. – М.: Знание, 1979. – 128 с.
Иконников А.В. Зарубежная архитектура: От «новой архитектуры» до
постмодернизма. – М.: Стройиздат, 1982. – 255 с.
Искусство Италии XVI века. (Памятники мирового искусства). – М.:
Искусство, 1967. – 150 с.
Калитина Н.Н. Французский портрет XIX века. – Л.: Искусство, 1986.
– 279 с.
109
19. Каптерева Т.П., Быков В.Е. Искусство Франции XVII века. – М.: Искусство, 1969. – 223 с.
20. Кожина Е.Ф. Искусство Франции XVIII века. – М.: Искусство, 1971. –
215 с.
21. Колпинский Ю.Д. Великое наследие античной Эллады и его значение
для современности (Памятники мирового искусства). – М.: Изобразительное искусство, 1977. – 161 с.
22. Колпинский, Ю.Д., Бритова, Н.Н. Искусство этрусков и Древнего Рима (Памятники мирового искусства) / Ю.Д. Колпинский, Н.Н. Бритова.
– М.: Искусство, 1982. – 116 с.
23. Комеч А.И. Архитектура // Культура Византии. IV–VII вв. / А.И. Комеч. – М., 1984. – 627 с.
24. Куликова И.С. Сюрреализм в искусстве / И.С. Куликова. – М.: Наука,
1970. – 173 с.
25. Куликова, И.С. Экспрессионизм в искусстве / И.С. Куликова. – М.:
Наука, 1978. – 183 с.
26. Левина, И.М. Искусство Испании XVI–XVII веков. – М.: Искусство,
1966. – 266 с.
27. Либман, М.Я. Донателло. – М.: Искусство, 1962. – 252 с.
28. Либман, М.Я. Искусство Германии. XV–XVI вв. – М.: Искусство,
1964. – 247 с.
29. Лившиц, Н.А. Бернини. – М.: Искусство, 1957. – 56 с.
30. Лихачева, В. Искусство Византии IV-XV вв. – Л.: Искусство, 1986. –
310 с.
31. Лот, А. Фрески Тассили в Сахаре //Искусство: Живопись. Архитектура. Скульптура. Графика. В 3 ч. – М., 1987. – Ч. 1. – С. 16–20.
32. Лясковская, О.А. Французская готика (XII–XIV вв.). Архитектура.
Скульптура. Витраж. – М.: Искусство,1973. – 143 с.
33. Мартин, Г. Брейгель. – М.: Искусство, 1992. – 80 с.
34. Мелик-Пашаев А.А. Современный словарь-справочник по искусству. – М.:
Олимп – АСТ, 2000. – 654 с.
35. Мириманов, В.Б. Первобытное и традиционное искусство (Малая история искусств). – М.: Искусство, 1973. – 319 с.
36. Некрасова Е.А. Романтизм в английском искусстве. – М.: Искусство,
1975. – 255 с.
37. Нессельштраус, Ц.Г. Искусство Западной Европы в средние века. –
Л.;М.: Искусство, 1964. – 390 с.
38. Никулин, Н.Н. Нидерландская живопись XV–XVI вв. в собрании государственного Эрмитажа. – М.: Изобразительное искусство, 1988. – 256
с.
39. Окладников, А.П. Утро искусства. – Л.: Искусство, 1967. – 135 с.
110
40. Петрусевич, Н.Б. Искусство Франции XV–XVI вв. – Л.: Искусство,
1973. – 224 с.
41. Пластика и рисунки древних культур. Сб. ст. – Новосибирск: Наука,
1983. – 183 с.
42. Полевой, В.М. Искусство Греции. Древний мир – М.: Искусство, 1970.
– 327 с.
43. Пушнова, Ю.Б. Теория и история искусства. Конспект лекций. – М.:
Приор-издат, 2006. – 128 с.
44. Ранние формы искусства / Под ред. Е.М. Мелетинского – М.: Искусство, 1972. – 479 с.
45. Ренессанс. Барокко. Классицизм. Проблема стилей в западноевропейском искусстве XV–XVII вв. – М.: Наука, 1966. – 348 с.
46. Ривкин, Б.И. Античное искусство (Малая история искусств). – М.: Искусство, 1972. – 356 с.
47. Рожин, А. Сальвадор Дали: миф и реальность. – М.: Республика, 1992.
– 224 с.
48. Ротенберг, Е. Искусство Италии XVI–XVII вв. Микеланджело. Тициан. Караваджо. – М.: Советский художник, 1989. – 223 с.
49. Сарабьянов, Д.В. Стиль модерн. – М.: Искусство, 1989. – 294 с.
50. Смирнова, И.А. Искусство Италии конца XIII–XV вв. (Памятники мирового искусства). – М.: Искусство, 1987. – 144 с.
51. Соколов, Г.И. Искусство Древнего Рима. – М.: Искусство, 1971. – 231
с.
52. Соколов, Г.И. Искусство Древней Греции / Г.И. Соколов. – М.: Искусство, 1980. – 271 с.
53. Степанов, А.В. Мастер Альбрехт / А.В. Степанов. – Л.: Искусство,
1991. – 182 с.
54. Столяр, А.Д. Происхождение изобразительного искусства / А.Д. Столяров. – М.: Искусство, 1985. – 298 с.
55. Тяжелов, В.Н. Искусство средних веков в Западной и центральной Европе (Малая история искусств) / В.Н. Тяжелов – М.: Искусство, 1981. –
383 с.
56. Чубова, А.П. Искусство Европы I–IV вв. Европейские провинции
Древнего Рима. – М.: Искусство, 1970. – 279 с.
57. Шрамкова, Г.И. Искусство Возрождения: Италия, Нидерланды, Германия, Франция. – М.: Изобразительное искусство, 1977. – 366 с.
58. Яворская, Н.В. Романтизм и реализм во Франции в XIX веке. – М.:
ОГИЗ, 1938. – 206 с.
59. Якобс, М. Семь веков западно-европейской живописи. – М.: АртРодник, 1998. – 290 с.
111
Оглавление
Введение…………………………………………………………………...........
3
Раздел 1. Искусство в системе культуры.......................................................
5
1.1. Искусство как форма культуры……………………………………...........
1.2. Социальные функции искусства..…………………………………………
1.3. Виды искусства ………………………………………….............................
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Раздел 2. Первобытное искусство.…………………………………………..
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Раздел 3. Искусство Древнего Востока……………………………………...
3.1. Искусство Древней Месопотамии…………………………………...........
3.2. Искусство Древнего Египта………………………………………………..
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Раздел 4. Античное искусство ………….........................................................
4.1. Искусство Древней Греции…….…………………………………………..
4.2. Искусство Древнего Рима …………………………………………............
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Раздел 5. Искусство средних веков ………….................................................
5.1. Искусство Западной Европы в эпоху средневековья ….………………...
5.2. Искусство Византии …………………………….…………………………
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Раздел 6. Искусство эпохи Возрождения ………..………………………….
6.1. Итальянское Возрождение..………………………………………………..
6.2. Северное Возрождение.…………………………………………………….
Контрольные вопросы...………………………………………………………...
Раздел 7. Искусство Западной Европы 17-18 веков ……………………....
7.1. Искусство Италии…………………………………………………………..
7.2. Искусство Фландрии……………………………………………………….
7.3. Искусство Голландии………………………………………………………
7.4. Искусство Испании…………………………………………………………
7.5. Искусство Франции………………………………………………………...
7.6. Искусство Англии…………………………………………………………..
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Раздел 8. Искусство Европы XIX века……………………………………...
8.1. Искусство Франции………………………………………………………...
8.2. Искусство Германии………………………………………………………..
8.3. Искусство Англии…………………………………………………………..
8.4. Искусство Испании…………………………………………………………
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Раздел 9. Искусство XX века…………………………………………………
Контрольные вопросы…………………………………………………………..
Библиографический список…………………………………………………….
5
6
8
16
17
21
22
23
27
33
34
34
40
44
46
46
56
60
61
62
70
77
78
78
82
84
87
89
92
93
94
96
99
100
101
101
102
107
108
112
Редактор Т.А. Жирнова
ИД № 06039 от 12. 10. 2001.
Сводный темплан 2007 г.
Подписано в печать 05.02.08. Бумага офсетная.
Формат 60x84 1/16. Отпечатано на дупликаторе.
Усл. печ. л. 7,0 Уч.-изд. 7. Тираж 100 экз. Заказ №
Издательство ОмГТУ, 644050, Омск, пр-т. Мира, 11.
Типография ОмГТУ
113