Поль Пуаре - первый модельер

Министерство общего и профессионального образования
Свердловской области
Государственное автономное образовательное учреждение
среднего профессионального профессии
Свердловской области
«Ирбитский политехникум»
ГАОУ СПО СО «ИПТ»
МОДА
ВЕК МОДЕЛЬЕРОВ
с 1900 по …..
Рекомендовано в качестве учебного пособия для студентов,
обучающихся по программе подготовки специалистов среднего звена
среднего профессионального образования
262019 «Моделирование, конструирование и технология швейных изделий»
©Автор: Сеченова Наталия Владимировна,
преподаватель спецдисциплин швейного профиля
Ирбит, 2014
1
МОДА
ВЕК МОДЕЛЬЕРОВ
с 1900
по …
2
Содержание:
Поль Пуаре - первый модельер 4
Мариано Фортени (1871-1949) 6
Жак Дусе (1853-1929) 7
Жанна Ланвен (1867-1946) 7
Жанна Пакен (1869-1936) 8
Эдуард Молине (1871-1949) 11
Жан Пату (1880-1936) 11
Мадлен Вионне (1876-1975) 14
Мадемуазель Шанель (1883 - 19 16
Эльза Скипарелии (1890-1973) 21
Нина Риччи (1883-1970) 26
Алис Грэ (1899-1993) 29
Мэгги Руфф (1876-1971) 29
Марсель Роша (1902-1955) 29
Огюста Бернар (1886-1946) 32
Луизбуланже (ок. 1878-1950) 32
Кристобаль Баленсьяга (1895-1972) 32
Пьер Бальмен (1914-1982) 36
Жак Фат (1912-1954) 39
Кристиан Диор (1905-1957) 41
Ив Сен Лоран 45
Марк Боан 45
Джанфранко Ферре 45
Джон Гальяно 46
Раф Симонс 46
Юбер де Живанши (1921) 48
Луи Феро (1921 - 1999) 51
Валентино (1932) 52
Пьер Карден (1922) 57
Пако Рабанн (1934) 59
Карл Лагерфельд (1933) 61
Жан-Поль Готье (1952) 63
Кензо (1939) 65
Надежда Ламанова (1861-1941) 71
Зайцев Вячеслав (1938) 73
Юдашкин Валентин (1963) 74
Чапурин Игорь (1968) 80
Кира Пластинина (1992) 82
Маша Цигаль (1980) 83
Султанна Французова 84
Александр Терехов (1980) 85
3
Поль Пуаре - первый модельер
Поль Пуаре родился 8 апреля 1879 года «в мире плотских удовольствий - еды и питья». Его родители были торговцами тканями в
обширном квартале крытых рынков, который тогда за его знаменитые торговые пассажи называли чревом Парижа и который и по сей
день остается центром французской текстильной промышленности.
Сам он рано обнаружил свое призвание. Тот, у кого слишком много
фантазии и слишком мало усидчивости, может стать только художником. В этом мнении его, пухленького, всегда веселого мечтателя,
поддерживали любящая мать и три сестры. Только отец устоял перед безграничным обаянием сына и заставил его закончить школу,
после чего он устроил его рассыльным к знаменитому мастеру по
изготовлению зонтиков, чтобы сын поближе познакомился с прозой жизни.
«Возможно, - вспоминает Пуаре об этом прискорбном периоде своей жизни - в то время я иногда забывал помыть шею, но белые воротнички я менял ежедневно». Ибо ничего нет важнее, чем
внешний вид, - в этом он всегда был убежден. Итак, он уходит от
своего «зонтичного патрона», прихватив единственное, что поможет его дальнейшей карьере, - лоскутки шелка. По вечерам он
создает из них экстравагантные шедевры, примеряя их на деревянную 40 - сантиметровую куклу, подаренную сестрами, которые восхищались им и его моделями. Именно таких чувств он
требовал от женщин на протяжении всей своей жизни.
Удивительно то, что и по сей день его считают раскрепостителем женщин. Единственное, что его заботит, - это собственная слава, и мерилом всех вещей является только его собственный вкус. Этот вкус и талант рисовальщика помогают ему занять место ассистента у преуспевающего кутюрье Жака Дусе, известного ценителя искусства и коллекционера. Многосторонне одаренный Поль Пуаре перенимает у него не только высокое портновское мастерство и
изящные манеры, но и необходимое для саморекламы обхождение со звездами театра. После
прохождения военной службы в 1901 году Пуаре находит работу в ведущем доме моделей того
времени - у Ворта. Однако сыновья Ворта. Жан-Филипп и Гастон, унаследовавшие дело этого
основателя кутюра, не могут оценить талант Пуаре по достоинству - или, возможно, вопреки
этому - и не дают ему возможности работать более активно. Но как хорошо, что есть женщины,
которые безоговорочно верят в его талант. Мать Пуаре расстается с 50 тысячами франков, чтобы сын в 1903 году смог открыть свой первый собственный салон моды. Популярная актриса
Режан оставляет Дусе, бывшего патрона Пуаре (вероятно, ученик превзошел своего учителя в
искусстве лести), и становится его первой клиенткой. Она действует на
современников как своего рода магнит: стоит ей появиться где-нибудь со
своими двумя белыми осликами, подарком короля Португалии, как там
собираются поклонники и подражательницы.
Всего три года спустя Пуаре уже и сам становится звездой: его
узнают на улице и в ресторанах, а на его праздники съезжается весь Париж. Пуаре умеет собрать вокруг себя талантливейших иллюстраторов,
художников и дизайнеров: Поля Ириба. Жоржа Лепапа, Эрте, Мариано
Фортени. Вламинка, Андре Дерена, Рауля Дюфи. Он отдыхает и работает
с ними, и чувствует себя таким же, как они. «Разве я глуп, когда утверждаю, что я художник?» - спрашивает он в 1930 году в своих мемуарах,
которые с присущей ему самоуверенностью называет «Я одевал свою
эпоху». Однако к этому моменту слава его давно поблекла, другие звезды
засияли на небосклоне моды, и прежде всего Коко Шанель, которая на
4
себе прочувствовала, что неправильно в женской моде. Пуаре имеет все основания заявить: «Я
объявил войну корсетам», - но на самом деле мотивы его революционной деятельности исключительно эстетические. Он находит просто смешным членение женской фигуры на две части-,
вздымающийся впереди бюст и выступающий зад. Вдохновленный стилем модерн и идеями
XVIII столетия, а возможно, и под влиянием английских художников и защитниц прав женщин,
требующих «реформы одежды». Пуаре создает в 1906 году простое узкое платье, юбка которого начиналась непосредственно от груди и ниспадала до пола. Он создает силуэт, повторяющий
изгибы тела, как нежная волна, который приносит ему бессмертную славу, и называет его «La
Vague». По сравнению с зашнурованными и разряженными красавицами «Прекрасной эпохи»
новая женщина Пуаре выглядит скромной, юной и беззастенчиво подвижной; под ее легкими
платьями совершенно очевидно скрывается хорошая фигура вместо хорошего корсета. Кто знает, отважился бы когда-нибудь Пуаре на эти сенсационные модели, если бы его собственная
жена была менее стройна и грациозна. С 1905 года он женат на Денизе Буле, с которой они
близко знакомы с детства; она становится матерью его пятерых детей и, кроме того, одной из
самых элегантных женщин Парижа. «Она была простушкой, - пишет он в своих мемуарах, но... я видел скрытую в ней красоту». Никто не мог бы лучше Денизы подчеркнуть все достоинства его свободных платьиц. «Стройная, юная брюнетка, не стянутая корсетом, без косметики или пудры», - так описывает ее сам Пуаре в 1913 году в журнале «Vogue». Вдруг все парижанки захотели выглядеть так же, как Дениза, эта провинциалочка. Пуаре, чье имя становится
торговой маркой, обещает, что каждая дама, «которая интуитивно чувствует себя рабыней своего вышедшего из моды платья... сегодня ликующе воскликнет... укрыв и одновременно обнажив свою красоту в оригинальных и прелестных одеяниях, которые преподносит ей Пуаре». И
это не только освобождение от корсета, который Пуаре заменяет гибким бюстгальтером и легким поясом для чулок, позволяющим женщине выглядеть моложе и отважнее, но и сочные
краски и четкие узоры, которые он использует вместо блеклых пастельных тонов и невыразительных гирлянд из цветов. Мало того, он отвергает и черные чулки и дарит женщинам (и
мужчинам) иллюзию обнаженных ног, одевая их в шелк телесного цвета. Однако то, что начинается так гениально просто, вскоре переходит все границы. Пуаре сдвигает линию талии, а
вместе с ней и линию груди все выше, делает декольте все глубже, а юбки все уже. В 1910 году
он представляет пресловутую «хромую юбку», которая настолько заужена книзу, что женщина
двигается крошечными шажками, а-ля гейша. Пуаре находит это забавным: Я освобождаю их
тело, однако сковываю их ноги». Но он ошибается, на этот раз женщины не следуют за ним, его
«стреноживающие юбки» не имеют успеха.
Это мало заботит диктатора моды, он уже давно считает себя султаном, который облачает свой
гарем* шикарные восточные одеяния. Кафтаны и кимоно, шаровары и туники, вуали и тюрбаны создает он для своих рабынь, и они принимают их с восторгом. Наконец, снова настоящая
роскошь: великолепная яркая вышивка, кружева с вкраплениями золотых и серебряных нитей,
блестящая парча, кайма, отделанная бахромой, жемчуг и дорогие перья - сплошная экзотика.
Ведь именно Востоком увлечены все с тех пор, как в 1900 году в Париже с сенсационным успехом проходят первые гастроли «Русского балета». Барочные постановки Дягилева «Шехерезада» и «Синий Бог» оказывают влияние на искусство и моду, да и на весь стиль жизни. Пуаре с
гордостью утверждает, что открыл для себя магию Востока еще задолго до этого (в 1897 году
на традиционной выставке ковров Торгового дома Бон Марше), но в действительности он доводит это восточное великолепие до совершенства лишь после того, как
«Русский балет» подготовил для этого почву. В 1911 году он устраивает у
себя
«1002-ю ночь» - один из самых грандиозных костюмированных праздников
этого столетия. Граница между платьем и маскарадным костюмом кажется
расплывчатой.
Пуаре бурно и расточительно пытается представить жизнь как один
сплошной праздник. Он путешествует с труппой манекенщиц по всему миру: Лондон, Берлин, Вена, Брюссель, Москва, Санкт-Петербург и, наконец,
Нью-Йорк. И отовсюду он возвращается с новыми идеями. По примеру
Венских мастерских он основывает школу прикладного искусства, где создают мебель, ткани и предметы декоративного искусства. Он организовы5
вает свое собственное производство духов - за десять лет до Шанель! - а созданные им в 1911
году юбка-брюки вызывают скандал. Даже папа Пий X берет на себя труд предать анафеме
аморального парижанина по имени Пуаре. В том же году Пуаре основывает мастерские, где эскизы художника Рауля Дюфи переносятся на тончайшие шелка. Это настоящая революция в
текстильной промышленности, которая прежде производила лишь дешевые ткани с примитивными узорами. А так как во время путешествий он видит, как повсюду копируются его модели,
он решает основать Syndicat de Defense de la Grande Couture Francaise (Синдикат по защите
прав великого портновского искусства Франции), чтобы защитить свои оригинальные творения.
Пуаре стал первым модельером века, придающим всему, что его окружало, свой эстетический отпечаток.
Мариано Фортени (1871-1949)
Он не был модельером, но именно ему удалось создать платье, ставшее поистине бессмертным: платье-тунику из плиссированного шелка, которое в сложенном виде поместится в очень маленькой коробке. Оно и по
сей день пользуется успехом у самых взыскательных дам (когда им удается
раздобыть один из редких оригиналов на каком-нибудь аукционе). Модель
Мариано Фортени 1907 года никогда не выйдет из моды, ибо она никогда и
не была в моде. Знатоки сразу признали ее произведением искусства - это
платье, которое ничего не показывает и ничего не скрывает.
Оно напоминает древнегреческий хитон и ниспадает с плеч до пола,
без вытачек, подкладок или сборок. Женщинам, которые не нуждались в
корсете, оно предоставило свободу движений: платье-туника становится
платьем современных танцовщиц, от Айседоры Дункан до Марты Грэхэм.
На удачную находку Фортени ориентировались многие, прежде всего его
друг Поль Пуаре, позднее американка Мери Мак-Феден и японец Иссей Мияке в своей коллекции Pleats please («Складки нравятся).
Родившийся в испанской провинции Гранада
в семье, где все были связаны с искусством, он мечтал стать только
художником. Но Фортени, который с 18 лет жил в Венеции, обладал
разносторонними талантами. Он был инженером и изобретателем,
фотографом и печатником, коллекционером и первооткрывателем.
Интерес художника к тканям и краскам заставлял его экспериментировать с бархатом,
шелком и новыми способами нанесения рисунка. Форма же Фортени не интересовала.
Так возникла сначала кносская шаль, покрывало типа сари, которая с большим успехом
использовалась в
сценических
костюмах,
6
например для Маты Хари. Тунику он также создал из простого полотнища, изобретя способ
стойкой плиссировки шелка, тайна которого до конца не раскрыта, как и способ передачи тонких цветовых оттенков. Все это делает модели Фортени столь же ценными, как музейные экспонаты.
Жак Дусе (1853-1929)
Жак Дусе родился на Рю-де-ля-Пэ, где на рубеже веков располагались все крупнейшие дома моделей, и его товарищами по играм
были сыновья Ворта Гастон и Жан-Филипп. Казалось, самой судьбой
ему была предопределена карьера кутюрье. Правда, сам он в юности
мечтал стать художником, но к нему перешел дом моделей, основанный его дедом и расширенный его родителями. Он поднял его до
высшего уровня от кутюр и вскоре завоевал большой успех. Однако
стиль, который он совершенствовал столь добросовестно, как создатель самых дорогих и изысканных вечерних платьев своего времени,
был подражанием элегантной моде XVIII века.
Манера одеваться в духе светского общества особенно импонировала тем дамам, которые хотели привлечь внимание состоятельных мужчин. «Дусе одевал нас как добропорядочных матерей, - писала Лиан де Пуги, demimondaines (одна из самых известных кокоток), - или как замужних дам
высшего света». Он не изменил свой стиль и тогда, когда добропорядочные
матери и солдатские жены уже давно хотели выглядеть как дамы полусвета.
В сущности, мода его не интересовала, его привлекала роскошь, и
его платья в пастельных тонах по-прежнему были перегружены кружевами,
шитьем и аппликацией, тогда как элегантный Париж уже давно обратился к
простоте.
Но именно Жак Дусе проложил дорогу в мир кутюрье революционерам высокой моды: он открыл не только Поля Пуаре, но и Мадлен Вионне,
которая, пожалуй, больше всех способствовала освобождению женского
тела. Решив, что он отстает от времени, Дусе наконец расстался со своей
знаменитой коллекцией полотен XVIII века и вскоре стал крупнейшим
меценатом импрессионистов.
Жанна Ланвен (1867-1946)
В 30 лет у нее рождается первый и единственный ребенок, и с этого же момента начинается карьера Жанны Ланвен как кутюрье. Она уже больше половины жизни проработала в области моды: с 13 лет она,
старшая из одиннадцати братьев и
сестер, становится рассыльной, швеей, а затем модисткой. Уже с 18 лет
она самостоятельно изготавливает
шляпы. Длительная работа в одиночестве приучила ее к молчаливости. На
многих это действует отталкивающе,
7
но многих и привлекает. В 1895 году она выходит замуж за итальянского дворянина Эмилио ди
Пьетро, и восемь лет спустя этот брак распадается. Ее дочери Маргерит 6 лет.
Ририт, ее прелестная и музыкально одаренная дочурка, которая позднее станет МариБланш де Полиньяк и будет играть ведущую роль в жизни парижского общества, наполняет
жизнь Жанны Ланвен новым содержанием и направляет ее работу в новое русло: она создает
изящную одежду радостных тонов. Эти модели не имеют ничего общего с обычным для того
времени детским гардеробом, который был лишь уменьшенной копией одежды для взрослых.
Так она создает первую коллекцию детской одежды, которая становится основой ее дома моделей.
Немного позже она представляет модели для девушек и женщин и становится первым
модельером, который позаботился о женщинах всех возрастов. Более того, она разрабатывает
молодежный стиль. Простой покрой, свежие цвета, и прежде всего, знаменитый ланвеновский
синий, делают женщин любого возраста более женственными и романтичными, но при этом не
слишком сексуальными или легкомысленными. Эти платья из мягких струящихся тканей с
неизменной длиной до щиколоток вошли в историю моды как «стильные платья».
Современница самых
ярких художников-модельеров
XX столетия Поля Пуаре и
Коко Шанель Жанна Ланвен
занимает особое
место в истории
европейского
костюма.
В
начале XX в. она с равным успехом одевала и консервативных членов Французской академии,
и представителей артистической богемы. После 1908 г. Ланвен охотно поддержала реформу
Пуаре, разделила его увлечение фольклором и восточными мотивами.
Она легко улавливала общие тенденции в моде, хорошо знала историю искусств, художественных стилей, костюма. При этом имела собственный почерк, мало менявшийся под воздействием внешних обстоятельств. Она была романтична, деликатна, может быть, немного
консервативна; любила плавные линии, нежные цвета - бледно-розовый и лавандовый. Предпочитала, тонкие шёлковые вышивки с мелким рисунком, мягкие, податливые складки, умеренную длину, женственные декольте.
Вещи Ланвен пользовались большим успехом, и в 20-х гг. она открыла собственные магазины в Мадриде, Биаррице, Довиле, Канне и Буэнос-Айресе. В парижском Доме Ланвен уже
существовали отделы мужской, детской и спортивной одежды, мехов, парфюмерии. Её духи
«Агрёде» («Арпеджио»), ненавязчиво сладкие, вошли в историю наравне с «Chanel №5»,
«Madame Rochas» Марселя Роша и «Shalimar» Жака Герлена.
С 1926 года Жанна создает моду и для мужчин. Дом Ланвен становится первым, в котором может одеваться вся семья. И это единственный дом Моды, которым и сейчас, спустя более ста лет, владеет одна семья.
В 1946 г. Дом Ланвен унаследовала её дочь Мари Бланш де
Полиньяк, при которой художественное руководство было возложено
на Кастилло, а затем на Клода Монтана.
Жанна Пакен (1869-1936)
8
Многие считают, что Пакен - это мужчина, и действительно, Исодор Пакен (1862-1907)
во многом способствовал успеху этого дома моделей: как финансист, но прежде всего как
опытный и очаровательный управляющий, который знал, как угодить клиенткам из разных
стран, к числу которых принадлежали в первую очередь высшая аристократия, звезды сцены и любовницы знаменитых людей. Однако в
отличие от конкурентов, Ворта и Пуаре, в Доме Пакена женщина была не музой, а творцом. Жанна Пакен, которая прошла обучение в
престижном Доме Руфф, говорила о себе: «Я ничего не придумывала,
я лишь кое-что убирала».
9
Тем не менее, в 1906 году она представила коллекцию одежды в стиле ампир (за год до
того, как Пуаре снискал себе славу, работая в том же направлении), и со своей накидкой в форме кимоно она также опередила его на год. В 1900 году она стала первой женщиной, которую
выбрали президентом отдела моды на Всемирной выставке, а в 1913 году она первая из женщин-модельеров была удостоена ордена
Почетного легиона. Жанна Пакен была
также первой, кто открыл филиалы своего
дома моделей за рубежом - в Лондоне,
Нью-Йорке, Мадриде, Буэнос-Айресе. Ей
также принадлежит идея, чтобы манекенщицы появлялись в ее новых моделях на
блистательных оперных премьерах и бегах.
В 1914 году она устроила в Лондоне первый настоящий показ мод - шоу, сопровождаемое музыкой, проходило в театре королевского дворца. Представленные ею модели назывались «Танго» и произвели не
меньшую сенсацию, так как предвосхищали остроумие послевоенной моды.
И все же Жанна Пакен не считается
новатором моды, ведь она довольно долго
продолжала придерживаться серпантинного силуэта (в форме буквы 8) и
вносила какие- либо изменения медленно и незаметно. Как скромная супруга, она всегда держалась в тени, в
то время как ее коллеги-мужчины вели себя как звезды. В памяти она
осталась благодаря своему пристрастию к меховой отделке и романтическим вечерним платьям в стиле XVIII
века - возможно, потому, что они шли
ей самой и она считалась лучшей манекенщицей Дома Пакен.
Смерть ее любимого супруга в
конце Первой мировой войны стала
для Жанны поводом к тому, чтобы передать управление делами дома своему
зятю, а художественное руководство мадемуазель Мадлен. Салон Пакен
продолжал существовать вплоть до
1956 года.
10
Эдуард Молине (1871-1949)
Капитан Молине, как все его называли, был, пожалуй,
единственным ирландцем среди кутюрье.
Поначалу он хотел стать художником, но Люсиль - леди
Дафф Гордон, - пользовавшаяся успехом создательница моды
Belle Epogue, открыла в нем талант в области моделирования и
на свои средства направила его в Нью-Йорк. Позднее он работал в ее парижском филиале. В конце Первой мировой войны
Молине открывает свое дело. Выполнив один заказ, он
проснулся знаменитым: греческая принцесса Марина заказала
у него подвенечное платье и модные аксессуары для бракосочетания с герцогом Кентским. Вслед за ней в его салон устремилось и высшее дворянство Европы. И Молине смог одеть их
аристократично, с одной стороны, - в романтические вечерние платья с завышенной
талией, из мягких тканей пастельных тонов
в стиле ампир; с другой стороны, в деловые дневные костюмы, напоминающие
английские костюмы.
Молине ценили за превосходный покрой и безошибочный вкус. Даже самые сложные вечерние платья обретали у него определенную строгость и простоту. Однако еще большим успехом пользовались его дневные ансамбли, которые
часто были дополнены накидкой длиной три четверти, - это была его находка.
Аристократия и звезды кино, которые много путешествовали, предпочитали одеваться у Капитана, так как он умел составить практичный и одновременно элегантный гардероб.
Молине создавал также белье, шляпы и духи - среди них «Numero cinq» («Номер
пять»), хотя в это время уже существовали духи «Шанель № 5»! В 20-е годы он
открыл несколько филиалов на юге Франции, один в Лондоне и даже вложил капитал в два ночных клуба, которыми владел вместе
с Эльзой Максвелл, самой известной светской сплетницей того времени.
В 1939 году Капитан Молине вернулся в Англию, а после войны вновь переселился в Париж. Незадолго до смерти он закрыл свой дом моделей.
Жан Пату (1880-1936)
Жан Пату, работавший в различных отраслях моды еще с 1907
года, в конце войны открыл свое дело и снискал успех фольклорными
вышивками и яркими узорами в стиле модерн, но прежде всего - спортивными костюмами, на которых стояла его монограмма.
Французский модельер. Основатель
собственного бренда. Этого дизайнера
считают родоначальником спортивного стиля одежды. Создавал духи,
которые были и остаются одними их самых модных и престижных в мире.
Жан Пату происходил из зажиточной ремесленной семьи. Он родился в 1880 году в Нормандии. Его отец был кожевенных дел мастером,
одним из ведущих производителей кожи в стране. Дядя Жана владел собственным меховым ателье. Карьеру дизайнера молодой человек выбрал с
самого начала своего профессионального пути. В 1912 году, в возрасте 25
11
лет он перебирается жить в Париж и открывает там маленький салон по изготовлению платья для
женщин. Назывался он тогда «Мезон Пари». Первую свою коллекцию он продал покупателю из
США. Однако продолжить развитие в этом направлении ему помешала Первая мировая война.
Жан Пату уходит добровольцем на фронт. Корпус, в который он был зачислен, командировали
в Дарданеллы. Это был элитный корпус зуавов. Всю войну Жан прошел в звании капитана французской армии. Юный Пату в те годы полностью на себе познал страх, ужас и лишения военного времени, которые сильно закалили его характер. В Париж он вернулся уже другим человеком. Из легкомысленного мальчика он превратился в серьезного волевого мужчину. Жан Пату продолжил заниматься ремеслом модельера, но вместе с характером изменился и его подход к работе. Теперь он был
по-настоящему деловым человеком, предпринимателем. Отлично оценив все тенденции моды тех
лет, он понял, что единственной королевой в этом мире была Коко Шанель (Coco Chanel), и ему придется искать для себя особенную нишу.
Он приобрел известность как портной, одевающий кумира большого тенниса Сюзанн Ланглен; для нее он создает плиссированные юбки из белого шелка, прямые вязаные жакеты и ленту для
волос, без которой и сегодня немыслимо представить себе мир большого тенниса.
В 1919 году вновь начинает работать модный салон Жана Пату, который на этот раз был
назван именем владельца. Располагался бутик на улице Сен-Флорен в Париже. Коллекции его имели
успех с самого начала. Жан сразу стал шить платья, они были воздушнее, легкие, и украшены дорогой вышивкой в русском стиле.
Кроме того, модельер создавал одежду для известных актрис. Например, для Констанции Беннет (Constance Bennett), Луизы Брукс (Louise Brooks) и Мэри Пикфорд (Mary Pickford). Но вскоре он
обратился к созданию спортивной одежды, которая полностью перевернула мир моды. Ставку на
спорт Пату делает не случайно. Ведь в те годы телевидение и кинематограф были пока мало, развиты, а вот спортивные состязания пользовались огромной популярностью по всему миру. Именно тогда, в это время, после многовекового перерыва были возрождены Олимпийские игры.
Пату выбрал для себя роль оппозиционера моды. Своей целью он считал добиться благосклонности состоятельного населения, оставив Шанель интеллигенции. Жан в своей стратегии опирался на самый трезвый расчет. Послевоенное время было охвачено всеобщим ликованием и предчувствием больших перемен. Богачи безоглядно радовались жизни и проводили свое время в самых
роскошных уголках земного шара – в Париже, Нью-Йорке, на Лазурном берегу. Пату удалось добиться того, что его стали считать своеобразным символом элитного отдыха.
Модельер придумывал вещи прекрасно подходящие для беззаботного времяпрепровождения:
джемпера, пуловеры, спортивную одежду. Почти все женщины Соединенных Штатов одевались в
его свитера в бело-синюю полоску и плиссированные юбки. Стиль Пату американками был воспринят быстрее, потому что они были менее скованы разными условностями, чем жительницы Европы.
Одна нью-йоркская газета назвала Пату «единственным французским модельером, обладающим американским менталитетом».
Пату не сразу нашел свою дорогу. К созданию собственного стиля Пату привели два направления: декоративное искусство и кубизм, от которых он перенял строгие линии, светлые тона и геометрические формы.
Его коллекции стали легко узнаваемыми, прежде всего благодаря открытию бежевого цвета
как основного тона его коллекции. Лишь позднее появились его насыщенные узоры, разноцветные
вышивки и элегантная монограмма. Помимо этого, к каждому сезону он вводил новый актуальный
цвет, например «Patou bleau» или «Dark Dahlia».
Пату тесно сотрудничал с текстильщиком Бьянчини-Ферье, создавая ткани с оригинальными
узорами. Все это принесло ему славу первого дизайнера спортивной одежды, сочетавшей освобожденный от излишней вычурности силуэт с удобным покроем.
Жан Пату никогда не изготовлял аксессуаров, шляп и сумок, единственным украшением его
одежды была монограмма с инициалами дизайнера. Он был создателем первого авторского лейбла,
помещенного на продукцию. Две буквы – «J» и «P», красовались на карманах. Все остальные элементы декора он называл «ничто».
Жан Пату был невероятно впечатлен американскими девушками. Он впервые обратил на них
внимание во время своего визита в США 1925 года. Высокие, светловолосые, на каблуках – они невероятно сильно отличались от миниатюрных француженок. Дизайнер даже устроил отбор, в результате которого из 500 кандидаток выбрал шестерых и увез их с собой в Париж. Такой поступок вызвал
12
волну сплетен во французской прессе. Однако именно этот человек вывел профессию модели в разряд престижных занятий.
Самой лучшей рекламой для стиля Пату стала теннисистка Сюзанн Ленглен (Suzann Lenglen).
Она произвела настоящий фурор, когда появилась на корте в белой плиссированной юбке из шелка,
длинна которой была выше колена. Также на ней был белый кардиган без рукавов, а не голове красовалась оранжевая повязка. Это было на Уимбилдонском турнире 1921 года. Так началось триумфальное шествие стиля Жана Пату по миру. Теперь он делал одежду для спортивных женщин, но которые
были наделены изрядной долей кокетства. Не случайно ведь, Жан Пату первым в мире моды выставил напоказ женские ножки. Тот самый костюм, надетый на Сюзанн Ленган во время Уимбилдонна,
стал первой в мире одеждой для конкретного вида спорта. До этого все спортсмены выглядели одинаково. Укороченная юбка от Жана Пату, кстати, принесла Сюзанн в том соревновании золотой теннисный кубок.
«Мои модели придуманы для занятий спортом. Я делаю одежду, на которую так же приятно смотреть, как и носить, и которая позволяет полную свободу движений… Спорт, как вы можете заметить, оказывает огромное влияние на моду для женщин, так, свитера сейчас столь же актуально носить вечером, как и днем»,
- говорил о своих товарах дизайнер.
Вообще 1925 год был самым активным годом в работе Жана Пату. Тогда в своем салоне он
открыл большой спортивный отдел. Там разрабатывалась и шилась одежда для гольфа, рыбалки,
тенниса, лыжного спорта, верховой езды, плавания, фехтования и других самых популярных в то
время занятий. К этому прибавлены были всевозможные шарфы, женское белье и купальники.
В Довиле, на Лазурном берегу, Пату создал магазин, в котором продавалась только одежда
для пляжа. Здесь он реализовал еще одну свою прекрасную коммерческую идею – дизайнер поделил
купальники на два вида. Первые предназначались для профессионального плавания, а вторые разрабатывались для тех, кто просто хочет показать себя и позагорать. Кроме дизайна Пату уделял большое внимание качеству материала. Он стремился сделать ткань менее восприимчивой к воздействию
морской соли и выгоранию на солнце.
В 1928 году Жан Пату выпустил первый солнцезащитный лосьон.
Вместе с модельером в его салоне работали многие родственники и друзья. Они поддерживали
его во всем, но больше всех помогала Жану младшая сестра. Она была моложе брата на 7 лет и служила для него неиссякаемым источником вдохновения. В ее лице Пату видел свой идеал женщины:
стройная, опрятная, темненькая, ухоженная, активная и современная – настоящая парижанка!
Парфюмерия от Jean Patou
В 1925 году фирма «Пату» выпустила первый свои духи. Парфюмерный дебют состоялся сразу тремя ароматами. Они были наполнены фруктовыми и цветочными нотами, и предназначались для женщин трех типов.
Первый тип – «Amour-amour» («Любовь-любовь») – запах для страстных и
чувственных брюнеток, пленительный и терпкий. Аромат «Que Sais-Je?»
(«Что я знаю?») предназначался второй группе женщин – блондинкам, он
был свежим и легким. Третий – «Adieu Sagesse» («Прощай, благоразумие»)
– рассчитан на рыженьких и озорных девушек. Спустя 4 года вышел первый
в мире парфюм-унисекс, который назывался «Le Sien» («Его»). Этот аромат
был тонизирующим и свежим, он предназначался мужчинам и серьезным
бизнес-леди.
Созданная Домом Пату парфюмерия понравилась покупателям, но
модельеру было этого мало. Он мечтал создать нечто вневременное, незабываемое, аромат-шедевр.
Анри Альмерас (Anri Almerass) – так звали парфюмера модного Дома. Он никак не мог угодить модельеру и его амбициозным требованиям, поэтому решил уйти из компании. Перед уходом
Анри представил Жану последний аромат, созданный им для фирмы. Эти духи были созданы из самых лучших эссенций жасмина и розы, они привели Пату в восхищение. Этот парфюм не мог быть
запущен в массовое производство из-за непомерно высокой себестоимости. Тогда Жан снова решил
13
прибегнуть к своей коммерческой хитрости. Он превосходно разбирался в рыночных законах, и, следовательно, знал, что хорошо отрекламированный дорогой продукт быстро соблазняет публику.
Предприниматель не ошибся: эти духи даже сегодня находятся в пятерке самых лучших ароматов по
всему миру. Парфюм получил лаконичное название «Joy» («Радость»).
Жан Пату действительно был весьма талантливым предпринимателем. Иначе как еще можно
объяснить такую бешеную популярность аромата «Joy» в 1930 году, когда уже был выпущен знаменитый «Шанель №5», а мир все еще глубоко переживал последствия биржевого краха 20-х годов. А
Жан Пату в это время с необычайной дерзостью выпускает в свет «самые роскошные духи в мире».
Как выражался сам дизайнер, этим шедевром он намеревался изгнать «дьявола мировой депрессии».
Флакон для духов был сделан из куска цельного хрусталя.
Жан Пату свое дизайнерское творчество причислял к такому направлению в искусстве, как
символизм. Он любил создавать не просто духи, а духи-посвящения. Например, аромат «Normandie»
были выпущены в честь теплохода с одноименным названием. Каждому пассажиру самого первого
рейса этого корабля в подарок преподносили духи от Жана Пату. Когда во Франции были введены
оплачиваемые отпуска для работников, Жан Пату отметил это событие ароматом «Vacances», то есть
«путешествия». Были и духи, которые отозвались своим появлением на крах нью-йоркской биржи.
Мадлен Вионне (1876-1975)
мастер кроя
Французский кутюрье. Она не только всегда безупречно одевалась
сама, но и создавала потрясающей красоты наряды для своих современниц.
В мире Высокой моды она произвела настоящий фурор, введя массу новшеств, актуальных и по сей день. Родилась в г. Альбервилль. С 1893 г. работала швеей в Париже, в 1898 - 1900 гг. - в Лондоне. В 1900 г. стала главной швеей в Доме моды «Сестры Калло», в 1903-1907 гг. работала закройщицей в Доме «Жак Дусе». В 1912г. открыла Дом моды. В 1920-1930-е гг.
Мадлен Вьонне была законодательницей парижской моды. Она придумала
крой по косой и прославилась изысканными вечерними платьями с драпировками, которые напоминали античную одежду. В 1920-е гг. Вионне ввела
в моду новые ткани - шелковые крепы.
В начале 1930-х гг. Мадлен Вьонне была создательницей направления «неоклассицизм» в вечерней моде. К одежде «от кутюр» она относилась
как к произведениям искусства, которые не должны терять ценности со
временем. Все модели Мадлен Вьонне создавала методом наколки. В 1940 г. Мадлен Вьонне закрыла
свой Дом моды. Идеи Вионне приживались так же медленно, как женские брюки, но и сегодня трудно представить себе моду без ее моделей.
Без них не было бы очарования голливудских звезд в струящихся шелковых платьях с открытыми плечами. Мадлен Вионне изобрела метод раскроя тканей по косой линии и искусные драпировки, которые и по сей день остаются непревзойденными. Модельеру Аззедину Алайе, мастеру кроя
высокого класса, понадобился месяц, чтобы постичь секреты портновского искусства Вионне. Больше никто так и не сумел разгадать секрет вечернего платья цвета слоновой кости (1935).
С тех пор оно находится в парижском Музее моды и текстиля и относится к тем чудесным
творениям, идеальная форма которых достигается при помощи одного единственного шва - для Мадлен Вионне это было высшей целью. В этом с ней и по сей день никто не может сравниться.
Судя по всему, любовь к геометрии позволила Мадлен Вионне создавать изысканнейшие фасоны на основе простых форм, таких как четырехугольник или треугольник. Несмотря на большие
способности к математике, Вионне, родившаяся в 1876 году в довольно бедной семье, в 12 лет оставила школу.
Она выучилась на закройщицу, некоторое время работала в Париже, а в 16 лет уехала в Англию, где поначалу работала прачкой.
После недолгого замужества и смерти маленькой дочери Вион - не в 20 лет стала управляющей ателье лондонской портнихи Кэт Рэйли. В 1900 году она вернулась в Париж и поступила на ра14
боту к сестрам Калло, в один из самых известных домов моделей. Она стала правой рукой Марии
Калло Гербер, старшей из трех сестер, отвечавшей за художественное руководство домом. Всю свою
жизнь Вионне отдавала должное этой наставнице: «У нее я научилась делать «роллс-ройсы», без нее
я бы делала «форды».
В 1907 году
Жак Дусе поручил
Вионне обновить
его модели. Она
сделала это, убрав
корсет и укоротив
длину. В те времена это не понравилось ни клиенткам,
ни продавщицам,
которые восстали
против
новой
творческой силы.
Для Вионне, таким
образом, пришло
время стать самостоятельной, и это
удалось ей в 1912
году. Однако лишь
после войны (в
войну ее предприятие было ' закрыто) началась блистательная карьера
Мадлен Вионне.
Вионне бережно относилась
к женскому телу,
которое она хотела
сохранить во всей
его красоте. Подобно хирургу, она
накладывала
искусные швы, чтобы
платье точно следовало фигуре. Это
была революционная идея, ведь до этого тело приспосабливали под соответствующую моду. Чтобы
достичь своей цели, Вионне работала как скульптор, она создавала модели на деревянном манекене,
вместо того чтобы рисовать их. Это позволяло ей
обернуть ткань вокруг фигуры, чтобы понять, как ее
лучше всего расположить. В этом ей помогали драпировки и изобретенный ею метод кроя по косой линии,
который до нее никто не отваживался использовать
для всего платья, самое большее - лишь
для воротника.
Надо сказать, что надевать платья Вионне было
нелегко. Их покрой был столь необычен, что многие
клиентки обращались к Вионне, чтобы обучиться искусству надевания.
Мадлен Вионне является одним из самых влиятельных кутюрье 20-е века. «Я не знаю, что такое мода, я не думаю о моде. Я просто делаю платья». Кристиан Диор признавался, что чем опытнее он ста15
новился, тем полнее раскрывались для него техническое совершенство и новации Вионне. Её называли своим учителем Кристобаль Баленсиага, Аззэдин Алайя. Иссэй Миякэ и Йоджи Ямамото были
её поклонниками, а Джон Гальяно вернул в моду прославленный крой по косой.
Мадемуазель Шанель (1883 - 1971)
Настоящее имя Габриель Бонёр Шанель, ведущий французский модельер, одна из самых важных фигур в истории моды. Основала всемирно известный бренд Chanel.
Коко Шанель понимала, что, если хочешь выиграть войну,
нужна первоклассная униформа. А победить она хотела больше всего
в жизни. Это видно уже по ее лицу, ставшему символом века, в котором французская писательница Колетт увидела маленького черного
быка. Оружием в войне, которую она вела за освобождение женщины
от мужской зависимости, были шик и ее стратегия чистого очарования. Она знала, что сильного соперника нужно любить и уважать, если хочешь его победить.
Шанель любила мужчин, об этом свидетельствуют как коллекции ее моделей, так и многочисленные романы. Она никогда не забывала, что благодаря финансовой поддержке мужчин, точнее, ее
первых любовников она смогла открыть свое дело; что именно из гардероба мужчин она позаимствовала идеи для своего сенсационного и живущего по сей день стереотипа джерси и твид, пуговицы и кайма, как на униформе, кардиган без воротника и граненые прямоугольные флаконы для духов.
Качество, удобство и пропорции ее моделей делают тело сексуально привлекательным, не обнажая его. Коко Шанель прекрасно овладела
основами мужской элегантности, используя ее не только для себя, но и для
всех женщин, которые хотели жить так же, как она. Благодаря сильнейшему природному инстинкту она поняла один из важнейших психологических принципов жизни: мобильность - это власть. Она хотела быть не
жертвой в шелковых воланах, а творцом.
Она мечтала об одежде, которая сидит так хорошо, что о ней можно забыть и сконцентрироваться на окружающем мире.
Шанель не была величайшим кутюрье своей эпохи (эту честь, вероятно, должны разделить между собой Мадлен Вионне и Кристобаль Валенсиага), но она стала величайшим творцом моды всех времен - маленький сильный генерал, который показал батальону модельеров, какого триумфа можно добиться благодаря стилю.
Мужское и женское, суровость и шарм, простоту и роскошь, превосходство и покорность
Шанель сплавила в одно парадоксальное творение. Она сама была слишком хитрой, чтобы с этим согласиться, и настаивала на том, чтобы ее профессию называли «ремеслом». Но надо признать, что
Шанель была великим художником. Ее лучшие творения: «маленькое черное платье», каскады жемчуга на простой бечевке, туфли-лодочки и, не в последнюю очередь, ее собственный имидж - это алхимия из логики и красоты.
Стиль модельера - это всегда отклик на впечатления детства, своеобразная творческая месть.
За творениями Диора или Сен-Лорана стоит фигура матери, преображенной в нечто сказочное в вечернем туалете, у Шанель роль этой архетипической музы играли кавалерийские офицеры и школьные подруги из состоятельных семей. То, что отличает Шанель от великих гомосексуальных модельеров и придает ее стилю современную остроту, это ее первостепенная задача: не стремление к женственности, а устойчивый социальный рост. Среди множества ее остроумных высказываний о любви,
жизни и моде есть и следующая аксиома: «Если ты рожден без крыльев, то не мешай им вырасти».
Габриэль Шанель родилась 19 августа 1883 года в торговом городке Сомюр в долине Луары,
она была вторым ребенком у не состоявшей в браке пары.
16
Ее отец был бродячим уличным торговцем более чем сомнительного характера, а мать родом из крестьянской семьи из
Оверни и умерла рано, измученная тяжелым трудом и оскорблениями мужа. В 12 лет Габриэль отдали на воспитание монахиням в сиротский приют, а в 18 она с помощью благотворительной организации поступила в интернат для дочерей из знатных семей, где ей приходилось спать в неотапливаемой комнате,
а после уроков мыть лестницы. Равнодушие, недостаток любви,
тяжелая юность наложили отпечаток на ее характер. Но она
научилась искусству выживать. И главное - она научилась шить.
Работая продавщицей тканей в гарнизонном городе Мулен, она запоем читала дешевые романы и мечтала о карьере певицы варьете. После двух детски фривольных песенок, которые
она исполняла тогда в концертном кафе «Ротонда», «Тот, кто
видел Коко» и «Ко-Ко-Ри-Ко», публика прозвала ее Коко. В 25
лет она познакомилась с богатым наследником текстильных
предприятий Этьеном Бальзаном, который предложил ей стать
его любовницей. У него было поместье под Парижем, где он
разводил лошадей и встречался со своими аристократическими друзьями. Габриэль мечтала уехать из
провинции и уже знала, что за все в жизни приходится платить.
Она переехала с Бальзаном в Руаллье и стала превосходной наездницей. Она видела насквозь
истерическое поклонение мужскому либидо, стоящее за туалетами Belle Epogue, превращавшими
женщин в этакие конфетки в рюшах и шляпах, похожих на фруктовые палатки из тафты и тюля. Коко
наблюдала, как женщины снова и снова проигрывают сражение, и решила выйти из игры.
На фотографиях этого периода Шанель с длинными, забранными вверх волосами и густыми
бровями, то мальчишески-задорная, в брюках для верховой езды и белой блузе, то в облике строгой
наставницы, в пальто с пелериной и галстуке. Среди нахохленных декоративных пташек зашнурованного полусвета в кругу друзей Бальзана она была маленьким соколом, который только и ждал
возможности поохотиться.
Пташки поумнее подозревали, что в образе этого сокола заявляет о себе будущее, и хотели
знать, где Габриэль купила свои простенькие соломенные шляпки и спортивные куртки.
Габриэль поняла, что у нее есть нечто, на чем она может заработать, нечто, что спустя несколько лет покончит с громоздкой элегантностью «Прекрасной эпохи»: вкус и талант из самой малости сделать очень много. По ее настоянию Бальзан предоставил ей свои парижские холостяцкие
апартаменты, и она открыла ателье модных шляпок. Бальзана сменил Артур Кепел, англичанин,
наследник угольных шахт и игрок в поло, который, по словам самой Коко, был любовью всей ее
жизни. Он погиб в 1919 году в автомобильной катастрофе.
Кепел оплатил ее переезд на улицу, которая до конца века будет ассоциироваться с ее именем:
Рю-Камбон. Маленькая Габриэль превратилась в деловую женщину, и она никогда не оглядывалась
назад. От ее полусветского прошлого остался только символ благородной распутницы - камелия на
белом шелке, превратившаяся в роскошный аксессуар. Летом 1913 года она открыла бутик в Дёвиле,
в 1915 году - в Биаррице. Ее туники из джерси, фланелевые блейзеры и прямые юбки стали «последним криком» на пляжных аллеях. Ее летние платья из льна и первые костюмы: юбка до щиколоток,
жакет Зд с матерчатым поясом, блуза, сочетающаяся с материалом подкладки, - позволили светским
дамам испытать новое чувство, которое ударило им в головы, подобно шампанскому: ощущение молодости.
Шанель была не из тех, кто освободил
женское тело от корсета из китового уса. Это
сделали до нее кутюрье Мариано Фортени и
Поль Пуаре. Шанель затеяла нечто большее. Ее
целью было изъять корсет из сознания женщин
- это выжидание, эту тяжесть, определенную
духовную леность, которая и ставит их в зависимость от мужчин.
17
«Мода - это нечто, что существует не только в одежде, гласил один из ее девизов. - Мода витает в воздухе. Она связана с
нашими мыслями и нашим образом жизни, с тем, что происходит
вокруг нас». При этом Шанель была уже модельером в современном смысле этого слова, предшественницей Кельвина Кляйна и
Ральфа Лорана: она хотела предложить своим клиенткам не просто
новые силуэты, но и новые Десятилетия спустя это назвали «стилем жизни».
В 1918 году она расширила свое парижское предприятие.
Она завоевала город ансамблем платье-пальто из бежевого джерси и вечерним платьем из черного
кружева и тюля, расшитого бисером. Эти платья казались простыми, но были настоящим чудом
портновского искусства. Работать и добиваться успеха Шанель научилась от монахинь.
Она несла крест своего совершенства с гордым удовлетворением,
однако ее портнихи и бедные манекенщицы, которым приходилось часами
дожидаться, пока она, наконец, сделает пройму рукава достаточно высокой
и узкой, были мученицами ее изысканного вкуса.
В 1926 году Шанель создала вечернюю одежду для обновленной женщины:
стройной и спортивной, с короткой прической, в юбке, в которой можно
запрыгнуть на подножку трамвая и танцевать чарльстон. Платье-футляр из
черного крепдешина, которое американский «Vogue» за его демократичную функциональность назвал «фордом» моды. Этот «форд» существует и
сегодня, всегда новый, на коктейлях и званых обедах по всему миру.
Подвижность с самого начала была девизом облика, создаваемого
Шанель. Ее модели были удобны для тела, а коллекции соответствовали
духу двадцатых. Будь то прорезиненные плащи, модель которых она подглядела у своего шофера, ее «русский стиль» с вышивками и меховой опушкой, или геометрические
узоры, модели Шанель откликались на политические события, такие как Первая мировая война или
поток русских дворян-эмигрантов, который захлестнул Париж после Октябрьской революции. Не
остались в стороне и различные направления авангардного искусства.
Она считала своими друзьями Пикассо и Дягилева, этого невыносимого импресарио «Русских
сезонов», спала с Игорем Стравинским и создавала костюмы для постановок Кокто «Антигона» и
«Орфей».
Конкуренты, Поль Пуаре и позднее Эльза Скиапарелли, предпочитали полностью подчиняться своему вдохновению. Пуаре - восточной экзотике «Русского балета», Скиапарелли - занимательному потрясению сюрреализма. Шанель же, напротив, никогда не уступала своим принципам и
упрямо настаивала на том, что первейший «смысл существования» моды - служение тем, кто ей следует. Шляпка в форме телефона или юбка, в которой можно лишь семенить, были для нее абсолютно
неприемлемыми. «Элегантная женщина должна совершать покупки так, чтобы при этом ее не высмеивали домохозяйки, - говорила она. - Кто смеется, тот всегда прав». В этом обывательском, бескомпромиссном взгляде на моду и отказе от крайностей и заключено то, что впоследствии было
названо «вневременностью» облика Шанель.
Свой сороковой день рождения Шанель отметила выпуском первых духов, «Шанель № 5».
Другие создатели моды выпускали свою парфюмерную продукцию в роскошных флаконах и давали
ей названия типа «Китайская ночь» или «Плач поцелуев», она же и здесь осталась верна себе - никакой сентиментальности. Ее имя и номер. Считается, что это номер пробных духов, которые ей больше всего понравились: пятая попытка. Даже при выпуске
духов она не удовольствовалась чем-то обычным. У гения
бизнеса Боя Кепела она научилась тому, что настоящий
успех ждет лишь того предпринимателя, который использует все новейшие достижения в области науки и
техники.
Ее парфюмер Эрнест Бо экспериментировал в своем ателье в Грассе с альдегидами и синтетическими душистыми веществами, и с одобрения Шанель в 1921 году
он произвел первые современные духи. В их состав во18
шли более 80 компонентов, среди которых искусственный аромат жасмина в форме бензил-ацетата,
конечно, более интенсивный и стойкий, чем природный жасмин. «Я не хочу запаха роз или ландышей. Мне нужны составные духи. Это парадокс. Но женщина, пахнущая естественным цветочным
ароматом, - это нечто искусственное. Вероятно, естественно пахнущие духи должны быть созданы
искусственно», - говорила Шанель.
В то время как ее конкурентки мадам Гре, Вионне, Ланвон оставались портнихами для избранного крута, Шанель стала знаменитостью. С безошибочным чутьем на то, что произведет сенсацию у публики, она создала свою собственную легенду, образ, одинаково привлекательный для
женщин в Европе и Америке. Профессия и личная жизнь переплелись в привлекательном образе,
растиражированном благодаря газетам и модным журналам, который способствовал росту продаж ее
духов.
Жизнь Коко Шанель в 20-е и 30-е годы представляла собой захватывающее соединение богемы и буржуазии, романтики
и кропотливой работы. Она обедала с художниками в шикарных
парижских ресторанах. В отличие от писательницы Джуны
Варне она считала, что после 12 вечера не стоит развлекаться,
однако на практике все получалось иначе, а на следующее утро
она уже делала примерку и обсуждала вырез платья на спине с
ведущей портнихой своего ателье. Она оплатила Жану Кокто
курс лечения от пристрастия к опиуму и ездила с самым богатым человеком Англии, герцогом Вестминстерским, на отлов лососей в Шотландию. Она вела философские беседы с поэтом Пьером Реверди, а на следующий день играла в карты с Уинстоном Черчиллем.
Лишения, испытанные в юности, пробудили в ней небывалую жажду к блеску и комфорту. Ее
апартаменты над салоном мод украшали китайские ширмы из короманделя, хрустальные люстры и
мебель XVIII века, а ее поместье в Ривьере напоминало виллы кинозвезд на холмах Голливуда.
В 1931 году голливудский продюсер Сэмюэл Голдвин сделал ей предложение одевать его
звезд за неслыханную по тем временам сумму - миллион долларов в год. Деньги были ей нужны для
рекламы, но совместная работа не принесла успеха. Ее одежду можно было представить себе только
на актрисах, созвучных личности Шанель, таких как Луиза Брукс, Марлен Дитрих или Барбара Стенуик; но Голдвин имел в виду стареющую диву Глорию Свенсон, которая сочла строгую элегантность Шанель банальной. Королева мод отомстила по-своему. Нигде больше не выглядела она как
кинозвезда, кроме как на фотографиях, которые сделали вскоре после этого фотографы «Vogue»
Жорж Хойнин- ген-Хюне, Хорст П. Хорст и Сесил Битон.
В 53 года она была еще красивее, чем в 30, она перестала выщипывать брови в ниточку, а черты ее лица приобрели меланхолическую нежность.
Модные украшения существовали и до Шанель, но она вдохнула в них душу. Теперь целью
при их создании была не точная имитация настоящих драгоценностей, а чисто эстетический эффект игра с роскошью восторжествовала над финансовой реальностью, женский принцип - над мужским.
Сама она все еще играла украшениями, надевая жемчуг или колье с изумрудами, которые преподносили ей ее любовники, такие как великий князь, Дмитрий и герцог Вестминстерский, вместе с собственной превосходной бижутерией, на фоне которой драгоценности блекли. Шанель-женщина была
соблазнительной и принимала подарки. Но она не продавалась. Она имела собственные украшения.
Во второй половине 30-х годов она устала. В результате мирового экономического кризиса
доходы сократились, политический барометр в Европе предсказывал бурю, приближалась Вторая
мировая война. Шанель чувствовала, что мир вот-вот рухнет, и это был ее мир. В 1936 году бастующие работницы отстранили ее от работы в собственном ателье - оскорбление, которого королевакрестьянка, какой была она, перенести не могла. Предыдущим летом у нее на глазах на теннисном
корте в «Ла Позе» ее возлюбленный, иллюстратор и художественный директор Поль Иррибе перенес
инфаркт и вскоре после этого умер. Она чувствовала себя одинокой и преданной прессой, которая
теперь предпочитала эксцентричный облик Скиапарелли. Когда Англия и Франция в ответ на вторжение Гитлера в Польшу в 1939 году объявили войну, она закрыла Дом Шанель и уволила всех своих служащих.
Она бежала в Виши, но вскоре вернулась в оккупированный Париж и закрутила роман с
немецким дипломатом, который помог освободить из плена ее племянника. После войны она пересе19
лилась вместе с ним в Швейцарию. На упреки в коллаборационизме она отвечала: «От женщины моего возраста нельзя ожидать, что она будет требовать у мужчины паспорт, если он захочет с ней переспать».
Из Лозанны она наблюдала триумф Кристиана Диора, который представил свою коллекцию в
Нью-Йорке в 1947 году. Осиные талии, жесткие юбки и жакеты, женщина, похожая на семенящую
конфету, - призраки, изгнанные ею в 20-х, возвращались. Модой опять управляли мужчины, именно
их желание определяло силуэты, авторами которых были такие модельеры, как Диор, Баленсиага и
Фат.
Пьер Вертхаймер, владелец лицензии на парфюмерную продукцию Шанель, сообщал Коко,
что несмотря на признание Мерилин Монро, что в постели она использует только «Шанель № 5»,
обороты продаж духов сильно уменьшились. Шанель было 70, и она решила вернуться.
Французские и английские журналисты назвали коллекцию, которую она представила 5 февраля 1954 года в своем старом доме моделей на Рю-Камбон, «меланхолической ретроспективой» и
«фиаско». 60-е годы во многом будут повторять 20-е, но только Шанель знала это в 1954 году. Однако американская пресса была на ее стороне, и два сезона спустя она выиграла эту битву. Ее новый
костюм с золотыми пуговицами, украшенными львиными головами, хотела бы иметь каждая женщина, будь это оригинал или копия. Зрительно удлинявшие ноги туфли-лодочки с контрастными
пяткой и носком, броши из разноцветного стекла и сумочки с цепочкой через плечо воспроизводили
различные модные фирмы по всему свету, и даже в конце века они определяли понятие «аксессуары».
Коко Шанель умерла 10 января 1971 года, в воскресенье, в окружении своей свиты, в отеле «Ритц» в Париже. Ее
последние слова, обращенные к горничной Селине, были:
«Смотри, так умирают». «Time Magazine оценила ее ежегодный доход к моменту смерти в 160 миллионов долларов.
Стены ее последней спальни были совсем без украшений, без
картин, белые, как в монашеской келье. За несколько лет,
прошедших после воз-вращения, Коко Шанель пополнила
арсенал моды, из которого позднее Карл Лагерфельд возьмет
элементы для моды 80-х.
Этот крупный буржуа из Гамбурга во многом был поразительно похож на Шанель, добившуюся успеха своими
собственными силами: от личной трагедии - и у Лагерфельда
любовь всей его жизни умерла слишком рано - до необычайного фанатизма в работе, доходящего до
гениальной легкости, с которой он использовал в своих моделях влияние всего, что его окружало.
Его успех заключался в том, что он настолько бесцеремонно использовал наследие Шанель,
что оно снова ожило и сохранило свою актуальность. В коллекции конца 90-х он обращается к истокам стиля Шанель - рафинированной грубоватости, девственности в легких тканях, элегантности чистоты. Этим как бы замыкается, крут ее творений.
Консервативная революционерка, кокетливая моралистка, живущая инстинктом, она чувствовала как женщина и жила как мужчина: Коко Шанель олицетворяла собой парадокс самой сути «положения женщины» в XX веке, вплоть до такой мелкой детали, как сигарета, ее постоянный спутник
- зависимость как символ независимости.
Она до последнего дня требовала, чтобы к ней обращались «мадемуазель», а не «мадам», при
этом она была джентльменом среди женщин. И в этом качестве она всегда слегка презирала женщин
как личностей, упрекая их в том, что они не знают, что такое честь. Собирательному образу женщин
она сделала драгоценный подарок - создала одежду, которая защищала их и позволяла выглядеть на
пути к эмансипации такими уверенными, юными и свободными, какими они стали в конце этого
столетия.
20
Эльза Скипарелии (1890-1973)
Итальянский дизайнер первой половины ХХ века. Ее считают создательницей стиля прет-а-порте и главной соперницей
Коко Шанель (Coco Chanele). Творчество Скиапарелли является
ярким примером сюрреализма в моде.
Сегодня имя Эльзы Скиапарелли известно немногим. В
основном любителям истории моды и искусства сюрреализма.
Однако в 20-30 годах прошлого века она стояла в одном ряду с
самыми великими модельерами и художниками той эпохи.
Родилась Эльза 10 сентября 1890 года в городе Риме.
Детство будущей художницы прошло в творческой и интеллигентной среде. Джованни Скиапарелли (Govanni Schiaparelli) –
ее дядя, был знаменитым астрономом. Ему принадлежит открытие «каналов» на планете Марс. Родители Эльзы были аристократами, обедневшими после Первой мировой войны. Однако,
не смотря на это, девочка воспитывалась в традициях высшего света. Она серьезно изучала живопись
и историю искусств, любила посещать театр, особенно ей нравились театральные костюмы. Конечно
же, такое воспитание не могло не сказаться на формировании личности ребенка.
В 1922 году Эльза решает уехать в Париж, где на тот момент были сосредоточены главные силы искусства. Она выходит замуж, но брак вскоре распадается и Скиапарелли остается одна с маленькой дочкой в чужом городе. Чтобы содержать себя и ребенка, а также оплачивать уроки живописи, Эльза подрабатывает экскурсоводом. Она водит небольшие группы туристов по историческим
местам Парижа. Но ее слушателями чаще всего были жены богатых американцев. Этих дам слабо интересовала архитектура Парижа или коллекции Лувра, они стремились только в модные магазины.
Там женщины скупали все подряд, чтобы приобщиться к «парижской моде». Поначалу это сильно
возмущало Эльзу, но в итоге натолкнуло на гениальную идею. Она подумала, что можно создавать
то, что никто не купит ради престижа, но каждый захочет увидеть. А в качестве реакции прозвучат
слова: «Какой кошмар!». Она твердо решила, что будет шокировать публику.
Однажды к ней в гости заглянул один старый приятель-американец. На нем был одет вязаный
свитер, который поразил Эльзу своей простотой и элегантностью. Она заинтересовалась происхождением этой вещи, и оказалось, что это работа эмигрантки из Армении, живущей неподалеку.
Скиапарелли познакомилась с той женщиной и предложила ей сотрудничество. Вместе они взялись
за создание необычных моделей одежды. Так появилось шерстяное платье черного цвета, украшенное бантом в виде бабочки. В 1927 году это было настоящим изобретением, оно поразило всех.
Результатом напряженной работы Скиапарелли стал крупный заказ от магазина спортивной
одежды «Strauss». Эльза и почти вся женская часть армянской диаспоры Парижа упорно работали
над его выполнением. Именно этот заказ подарил Скиапарелли славу, а армянам фабрику трикотажных изделий. В последствие дизайнера и эмигрантов связала крепкая дружба.
Эльза основала свой модный дом Schiaparelli. Поначалу он располагался на улице Рю-де-ля-Пэ
в трех маленьких комнатках. Вход в магазин украшала вывеска «Для спорта».
Первая коллекция нового бренда состояла из свитеров, которые были выполнены в африканском стиле. Также на эту коллекцию повлияло творчество художников-кубистов. Для следующих
своих работ Эльза черпала вдохновение в татуировках матросов. Змеи, сердца, пронзенные стрелами,
якоря – все это вызывало шок. Ей принадлежала идея рисунка под названием «рыбий хребет».
В 1927 году состоялся первый перелет через Атлантический океан. Совершил его Чарльз
Линдберг (Charles Lindberg). Это событие подвигло Эльзу на создание новой коллекции, которая стала основой стиля «пилот».
Через несколько лет работы по созданию спортивной одежды Скиапарелли переключается на
вечерние наряды. Здесь нельзя оставлять без внимания платье-футляр. Длинный, сшитый из черной
материи туалет в сочетании с жакетом белого цвета и шарфом, небрежно перекинутым за спину. Это
был новый образец безупречного стиля и элегантности.
1934 год – Эльза Скиапарелли открывает бутик на Вандомской площади, которая была из21
любленным местом прогулок богатых людей. Здесь кроется еще
одно изобретение этого дизайнера. Впервые за всю историю появилось такое понятие, как бутик,
т.е. магазин, где продаются небольшие серии авторской одежды.
В середине 30-х годов популярность Эльзы достигает своего пика. Любое творение этой
женщины становится сенсацией.
Например, коллекция «Остановись, смотри и слушай». В ней Скиапарелли представила вечерние
платья в виде дождевиков, необычайно расшитые сари, пуговицы в форме луидора – французской
монеты. Именно в этой коллекции в качестве застежки впервые была использована молния. Раньше
ее применяли только для изготовления сумок. В те годы это было больше, чем неожиданно, это было
революционно.
Эльза создавала модели, которые показывала в других странах. Например, в Германии прошли
показы таких коллекций, как «Языческая», «Музыкальные инструменты» и «Бабочки». Наиболее известной стала коллекция «Цирк». Возникла она благодаря впечатлениям дизайнера от американского
цирка «Barnum». Помещение, где проходил показ, оформил известный дизайнер Жан Мишель Франк
(Jane Michelle Franke). Одежда просто пестрила изображениями слонов, клоунов, воздушных шаров и
прочих цирковых мотивов. Пуговицы были сделаны в виде гимнастов на трапециях. Перчатки напоминали гетры, а шляпки – перевернутый рожок мороженого. Сам показ больше напоминал фееричное шоу. Это, кстати, было еще одним изобретением Эльзы Скиапарелли, которое многие дизайнеры
в последующем взяли на вооружение.
Эльза плотно сотрудничала со многими знаменитостями того времени. Например, актриса
Кэтрин Хепберн (Katrine Hepbern) однажды сказала, что ее карьера начала развиваться только с тех
пор, когда она впервые стала носить одежду от Скиапарелли. Марлен Дитрих (Marlen Ditrih), Гари
Купер (Harry Kuper), Грета Гарбо (Greta Garbo), Мишель Морган (Mishele Morgan), Джоан Кроуфорд
(Joane Krouford) и многие другие актеры создавали свой имидж при помощи творений Эльзы. Знаменитости обращалась к Скиапарелли не только за сценическими образами, они покупали ее одежду и
для обычной жизни. Существовал даже многолетний контракт между руководством Голливуда и дизайнером.
Но ближе всего с Домом Скиапарелли сошлась Мэй Уэст (May West). Эта киноактриса принесла дизайнеру настоящую славу. Уэст была очаровательной блондинкой и секс-символом 30-х годов. Она обладала роскошной фигурой и неординарным умом. Ее манеры были откровенными и вызывающими, зачастую казалось, что она выходит за рамки дозволенного. Лучшей рекламы для Эльзы
было просто не найти. Мэй Уэст заказывала наряды у Скиапарелли очень часто, и чтобы не ходить на
постоянные примерки придумала одну хитрость. Она прислала модельеру в мастерскую гипсовый
слепок, повторяющий ее фигуру в позе Венеры Милосской. Этот слепок впоследствии вдохновил дизайнера на создание флакона для своих первых духов. Это был оригинальный аромат Shoking, и посвящался он Мэй Уэст.
С тех пор названия всех ароматов Дома Скиапарелли начинались на букву S. Например, мужские духи Suff – их флакон имел форму курительной трубки.
В последние предвоенные годы Эльза Скиапарелли выпускает завораживающую осеннеезимнюю коллекцию, которая называлась «Астрология». Состояла она по большей части из пальто,
украшенных ручной вышивкой из золотой парчи. На одежде были изображены знаки гороскопа и
небесные тела. Рисунки были созданы компанией «Лесаж» – известнейшим парижским домом вышивки.
В 1939 году началась Вторая мировая война и Эльза сократила свое производство. В 1940 году
фашисты устанавливают в Париже оккупационный режим, и Скиапарелли уезжает в США. Там она
продолжает творить. В Париже работу фирмы поддерживает один из ее менеджеров Беттина Берджери (Bettina Berdgerris).
В конце 1944 года Эльза возвращается во Францию с намерением снова взяться за дело. Одна22
ко все изменилось, настали новые времена. Теперь над парижской модой царствует стиль Шанель и
Кристиана Диора (Christiane Dior). Стиль Скиапарелли становится вчерашним днем. Тогда Эльза решает навсегда покинуть мир моды. Она стала проводить время в общении с деятелями искусства. У
нее было два дома: парижский на Рю-де-Берри и особняк в Тунисе – Эльза жила в каждом по очереди
до самого конца своих дней.
Последняя коллекция Эльзы Скиапарелли увидела свет в 1953 году.
Франция 1920-х годов стала родиной нового направления в искусстве, которое называется сюрреализм (фр.
surrealisme – сверхреализм). Оно видело свое предназначение
в том, чтобы объединить реальность с мечтой и сном. Оно
стремилось постичь глубины человеческого подсознания, хотело в своем искусстве выразить что-то непостижимое разумом, иррациональное. В числе представителей этого течения
можно назвать таких людей, как Андре Бретон (Andres
Bretone), Сальвадор Дали (Salvador Dali), Жан Кокто (Jane Koktos), Эрнст Фукс (Ernst Fuks) и многих
других. Идеи этих людей оставили огромный след в литературе, живописи и кинематографе ХХ века.
Сюрреализм в моде был представлен творчеством Эльзы Скиапарелли.
Модельер активно сотрудничала со многими приверженцами сюрреализма и применяла в дизайне одежды мотивы этого направления. Ее фантазия не знала пределов. Каждая модель, созданная
Эльзой, была произведением искусства, мини-шедевром. К примеру, платье с выдранными клочьями,
костюм, надетый задом наперед или шарфики, декорированные вырезками из газет. Неизменный шок
вызывала одежда, украшенная рентгеновскими снимками и перчатки с длинными красными когтями.
Многие вещи были созданы Эльзой в единственном экземпляре. Они не поступали в продажу, а
предназначались конкретному лицу.
По эскизу художника Жана Кокто Эльза сотворила платье с рисунком в виде двух женских
профилей, образующих вазу с цветами и знаменитый жакет, на котором изображены обнимающие
руки. Наиболее плодотворной стала дружба Эльзы с великим Сальвадором Дали. Он подсказал ей
идею сумки-телефона и платья с омаром и листиками петрушки. Для карманов жакета художник
придумал ручки, как у выдвижных ящиков. До сих пор всемирно известен созданный им розовый диван, который повторял форму губ Мэй Уэст. Этот предмет стал главным украшением фирменного
бутика Скиапарелли. Под влиянием этого художника Эльза создала перчатки с карманами для спичек
и необычные шляпы, которые могли выглядеть как чернильница, поношенная туфля или баранья отбивная.
В 1935 году Эльзу заинтересовала тема галлюцинаций и оптических
иллюзий, которую она решила воплотить в рисунке и крое одежды. Так
рождается на свет пиджак с квадратными, чрезмерно широкими плечами.
Он стал неотъемлемой частью образа
актрисы Марлен Дитрих, и благодаря
ней обрел популярность. Еще одним интересным экспериментом стало платье с рисунком-слезой.
Изображение было сделано так, что видно его было только на расстоянии или под определенным углом. Эта задумка тоже принадлежала Сальвадору Дали. Скиапарелли любила надевать платьегаллюцинацию и тем самым вводить публику в замешательство. Люди видели интересный рисунок,
но когда пытались рассмотреть его поближе, то изображение вдруг пропадало. Многие задумывались
о вреде алкоголя и наркотиков.
Появлялось все больше и больше людей, желающих иметь в своем гардеробе «безумную
одежду» этого странного дизайнера. Сама герцогиня Виндзорская упрашивала Эльзу продать ей одно
вечернее платье. Скиапарелли тогда была страшно удивлена этому. И действительно, кому могло
прийти в голову, что представительница королевской семьи Британии захочет надеть на себя платье с
гигантским омаром, да к тому же еще приправленным петрушкой. Сама Скиапарелли называла свой
модный дом сумасшедшим.
В 1932 году на свет появилась коллекция бижутерии, созданная тремя художниками: Скиапа23
релли, Дали и Кокто. Это было настоящим буйством фантазии. Материалом могло послужить все,
что угодно: лекарства, леденцы, настоящие птичьи перья, карандаши, ластики и многое другое в том
же духе. Дали придумал коллекцию серег-телефонов, и проектировал модель омара-телефона. Жан
Кокто сделал для коллекции серьги - Всевидящее око, которые производили немного жуткое впечатление. Вклад Эльзы представлял собой ожерелье и браслет, собранные из высушенных жуков. После
этого Скиапарелли работала уже одна, но друзья-художники иногда предлагали интересные идеи для
ее творений.
Эльза Скиапарелли против Коко Шанель
Сегодня имя Скиапарелли в основном упоминается только когда говорят о Габриель Шанель.
Однако многие историки утверждают, что Эльза повлияла на современность намного сильнее, чем
Коко. А в 30-е годы именно Скиапарелли была самым ярким человеком в мире моды.
Соперничество двух гениальных женщин стало главной интригой того времени. Они были абсолютно разными
во всем, но главная особенность была у них общей. Эльзу
Скиапарелли и Габриель Шанель объединяло новаторство и
собственный, не похожий на все остальные, взгляд на моду и
ее предназначение.
Шанель предпочитала творить в рамках классического стиля. Скиапарелли опиралась на сюрреализм и стремилась подчеркнуть духовную составляющую человека, его
личность. Коко, в отличие от нее, стремилась придать красоту телу. Ее работы всегда отличались выдержанностью стиля, Шанель не использовала яркие ткани и броскую отделку. Эльза была экстравагантной в своем
творчестве. Она любила провоцировать и шокировать окружающих. Ее материалы и фасоны отличались роскошью и просто невероятным декором.
Соперничество женщин-модельеров часто не ограничивалось только их разными стилями.
Ходят слухи, что однажды Коко на одном из светских приемов с необычайной любезностью усадила
Эльзу на свежеокрашенный стул. При этом она учтиво заметила, что новый узор только придаст дополнительной пестроты гардеробу соперницы и пойдет ей на пользу. Скиапарелли в свою очередь не
оставила обидчицу без ответа: карикатурные изображения Габриэль нередко становились украшением новых работ Эльзы. Остроты их «дружбе» придавало то, что общались обе женщины с одним и
тем же кругом лиц.
Сложно определить, кому отдать звание главной законодательницы моды 30-х годов. Но бесспорно лишь то, что именно одежду Скиапарелли предпочитали голливудские звезды, а ее женственные образы тогда сильно затмевали мужеподобный стиль «гарсон», придуманный Шанель. Да и сама
Коко, в конце концов, признала яркие цвета именно под влиянием стиля Эльзы.
Говорили, что в жизни Великой Коко было всего две вещи, которые
могли доставить ей серьезные неприятности. Первая – это немецкие офицеры, связь с которыми стала причиной закрытия дома Chanel на целых 15 лет.
Эльза Скиапарелли сыграла роль второй такой вещи. Художница на время
затмила славу Шанель как женщины-модельера номер один.
Однажды Коко задали вопрос: «Завидуете ли вы успеху Эльзы
Скиапарелли?», на что Шанель ответила: «Да нет, что вы? Это никому не
известная итальянская художница, которая всего лишь шьет одежду!». Хоть
сегодня и кажется, что Габриэль одержала победу (ведь мало кто помнит
Эльзу, да и бренд Elsa Schiaparelli не существует уже больше, чем полвека),
однако мода обязана «никому не известной итальянской художнице» очень
многим.
Эльза Скиапарелли и ее вклад в современную моду
Творчество Эльзы всегда было отражением ее жизни, ее новых увлечений, переживаний и поисков. Например, ее интерес к авиации обернулся созданием нового стиля «пилот», который актуален и по сей день. Она всегда считала, что обществу не нужны просто хорошие и удобные вещи, и
стремилась, чтобы ее модели во всем отличались от работ других дизайнеров. Таким образом, эта
женщина привнесла в моду много новых идей: раздельную юбку, которая потом стала шортами, раздельный купальник телесного цвета и бижутерию. Без этих предметов мы уже не можем представить
24
современной моды. А в 30-е годы такие новинки хоть и шокировали, но все-таки очень привлекали
клиентов в бутики Скиапарелли.
Яркие цвета и необычные сочетания красок были еще одной страстью Эльзы. Она смело объединяла пурпурный, алый и оливковый цвета или черное платье с красными чулками, она с легкостью могла украсить бирюзовый жакет бардовыми деталями, а на розовую ткань нанести зеленый
узор.
Материалы, которые Эльза Скиапарелли использовала для создания своих моделей, всегда были
необычными и нетрадиционными. Мешковина, родофан, мех обезьяны, солома – это все могло ей послужить для создания коллекции.
В 1936 году Скимапарелли представила на суд
зрителей свою новую фирменную деталь – цвет
«Shocking pink» («шокирующий розовый»). Он действительно шокировал публику. Зато сегодня ни одна
уважающая себя модница не может без него обойтись.
Многие открытия Эльзы нашли себя в моде
лишь через 40-50 лет после их создания. Например, застежка-молния, впервые попавшая на одежду в ее коллекциях, громко заявит о себе только в 60х. То же самое можно сказать и о многом другом: флакон в виде женского
тела, цвет фуксии, сумки-предметы, перчатки гетры, ботильоны и меховые
туфли – если оглядеться, то всюду можно заметить идеи этой женщины.
Эльза Скиапарелли еще в 30-е годы создала современную моду.
Эльза уступила новым веяниям тех лет. Время требовало от дизайнеров утилитарности и универсальности в одежде. Однако в ее творениях
находили вдохновение такие таланты, как Джон Гальяно (John Galliano),
Biba, Вивьен Вествуд (Vivienne Westwood), Жан-Поль Готье (Jean-Paul
Gaultier). Но, пожалуй, самым главным последователем ее стиля был Франко Москино (Franko Moschino).
Эльза Скиапарелли покинула Францию в 1939 году, с тех пор она
больше никогда не создавала ничего выдающегося. В том же году был закрыт и Дом Chanel.
С тех пор, Эльза прожила еще долгую и насыщенную жизнь. Она увидела всемирную славу двух своих внучек Марисы (Marisa) и Берри Беренсон (Berry Berenson). Они стали актрисами и
фотомоделями. Мариса очень долго была лицом журнала Vogue.
Скончалась Эльза Скиапарелли 13 ноября 1973 года в Париже. С
момента выхода ее последней коллекции прошло 20 лет. Была похоронена в шелковом платье шокирующего розового цвета.
Однажды Эльза сказала по поводу создания одежды, что это
«самое трудное и неблагодарное искусство, потому что вскоре после
того, как платье появится на свет, оно становится вещью прошлого». Но
своим примером она подтвердила обратное. Сегодня творчество
Скиапарелли обязательно изучают все, кто выбрал для себя занятие
этим «неблагодарным» делом.
25
Нина Риччи (1883-1970)
Известный французский модельер. Настоящее имя Мари Аделаид Ньели (Maria Adelaide Nielle). Создательница собственного успешного бренда Nina
Ricci.
Мари Аделаид родилась в 1883
году в Турине (Северная Италия). Ее
отец был известным сапожником.
Вместе с семьей он решает переехать в
Монте-Карло в поисках богатых клиентов. Лазурный берег – основное место отдыха светских дам. Однако в 1895 году он умирает, а его семья оказывается в весьма затруднительном материальном положении. Мари было всего 12 лет, когда она начала
работать, чтобы помочь матери.
Девочка всегда мечтала, что вырастет и будет шить красивую одежду, поэтому она отправилась в одно ателье, где ее приняли ученицей швеи. Затем она начинает сама шить превосходные
шляпки, которые были настолько очаровательными, что пользовались огромным спросом среди дам
на Лазурном берегу.
Когда Мари исполняется 14 лет, она идет работать в галантерейную мастерскую, где трудились ее мать и старшая сестра. Однако увлечение швейным ремеслом будущий модельер не бросила.
Ньели продолжает учиться в ателье по вечерам. Спустя некоторое время Мари вновь меняет место
работы. Теперь она попадает в настоящий Дом моды. Новичкам здесь приходится выполнять самые
мелкие обязанности: пришивать пуговицы, гладить, прислуживать. Но, девушки терпели все это,
ведь перед ними раскрывалась захватывающая дух перспектива – теоретически любая работница
могла стать сначала младшей модисткой, затем подняться еще на одну ступень и занять должность
средней модистки, а уже потом, по прошествии нескольких лет, появлялась возможность сделаться
первой модисткой.
Множество девушек мечтали сделать такую карьеру, но удавалось это лишь единицам и только после долгой напряженной работы. Мари получает звание первой модистки, когда ей было всего
18 лет. А совсем скоро она уже создавала эскизы и управляла собственным ателье. Молодой талантливой портнихой заинтересовались именитые дома мод в Париже. Ей стало поступать огромное число заказов.
Мари Ньели превратилась в мадам Нину Ричи после того, как вышла замуж за цветочника по
имени Луи Ричи (Luis Ricci). Они познакомились на автобусной остановке в 1904 году. Сегодня уже
никто не знает настоящего имени Нины Ричи, она пожелала навсегда оставить его в прошлом. Дело в
том, что все родные Мари называли ее Ниной, она привыкла к этому прозвищу, и полюбила его
больше, чем настоящее имя. У супругов Ричи родился сын Роберт (Robert), но семейная жизнь не
сложилась и пара вскоре развелась.
После развода Нина начинает работать с удвоенной силой, ведь у нее на руках остался маленький ребенок, которого
она хотела обеспечить всем самым лучшим. Не зная усталости, эта женщина постепенно поднимается по карьерной лестнице все выше и выше. Каких трудов ей это стоило, знает
только сама Нина. Но она никогда не жаловалась, и судьба подарила Ричи свою благосклонность.
В 20-е годы Ричи становится дизайнером в Доме моды
Раффин. Ее имя становится известно всему Парижу. Проходит
10 лет, и Нина уже совладелица компании. Она получила от
26
жизни все, чего хотела, и чего добивалась в течение столь долгого времени. Теперь мадам Нина стала богатой дамой, она ездит на белом роскошном кадиллаке и постоянно носит жемчужные бусы, которые не снимает никогда, даже ночью. Спустя некоторое время Дом Раффин закрывается из-за финансовых трудностей, однако Ричи это сильно не беспокоит, потому что ей уже 49 лет, и она давно
заработала себе на обеспеченную старость. Эта женщина вырастила сына и мечтала теперь только о
покое.
Тем не менее, мечтам Нины не суждено было исполниться. Всему помешал Роберт. Именно
он, после долгих и упорных уговоров, убеждает мадам Ричи открыть собственный Дом моды. Это
происходит в 1932 году. Нине было уже 50 лет, когда в доме номер 20 по улице Капуцинов в Париже
появляется вывеска с ее именем.
Теперь кроме богатства Нина получает еще и всемирную известность. Роберт принимает активное участие в работе компании. Он был по-настоящему талантливым бизнесменом, благодаря ему
фирма Nina Ricci захватывает рынок в 130 странах по всему миру. Мать и сын стали владельцами
настоящей модной империи. Успех объяснялся тем, что Нина умела превосходно угождать вкусам
буржуазии, представители которой были ее основными клиентами. Эти люди всему предпочитали
качество и элегантность по приемлемой цене.
Первые же ее коллекции покорили всех торжеством стиля и практичности. Платье-пиджак,
варианты на тему «маленького» черного платья, строгий костюм – Ричи всегда делала упор на классику и не ошибалась. Идеальный крой, превосходная отделка и умеренные цены неизменно привлекали покупателей. Она продавала свои изделия в 3 раза дешевле, чем Дома Ланвин и Пуаро. В разгар
мирового финансового кризиса Nina Ricci входит в число ведущих производителей одежды во Франции. Роберт Ричи унаследовал от матери художественный талант, объединив его с собственными
коммерческими способностями. Однажды он приходит к решению, что пришло время создать первый женский парфюм от Nina Ricci. Этим он хотел убить двух зайцев: дополнить создаваемый ими
образ женщины элегантным ароматом и расширить известность компании, увеличив ее доходы. Роберт нанял целую армию парфюмеров, и, в результате долгой работы, в 1946 году появились первые
духи – Соеur Joie. Дизайн флакона разработал Марк Лалик (Mark Lalik) – школьный друг Роберта.
Новый парфюм имел просто оглушительный успех с первых же дней существования. Это вдохновило
владельцев компании на создание еще одного аромата, которым стали духи L`Air du Temps. Они обрели известность далеко за пределами Франции. Существует легенда, что этот парфюм Роберт посвятил любимой девушке и создал его со всей нежностью, предназначающейся ей. Именно поэтому
аромат до сих пор не теряет своей популярности. Марк Лалик вновь выступил разработчиком флакона, украсив колпачок парой голубей – символом любви и мира. Стекло сосуда покрыто выпуклыми
цветами, которые создал художник Кристиан Берар (Christian Berard).
Стиль Nina Ricci сдержанный, даже немного строгий, но при этом романтичный, женственный
и сексуальный, но всегда приличный. Женщина-модельер из самых простых вещей с легкостью создавала шедевры моды. Обычную блузку при помощи декора она превращала в произведение искусства. Банты, красивые пуговицы, ленты непременно присутствовали во всех изделиях Ричи.
Сама Нина полностью придерживалась образа, создаваемого ее фирмой. Она всегда выглядела
элегантно. Окружающих неизменно привлекала в ней красота, манеры, обаяние, а также ее спокойствие, уверенность в себе и чувство собственного достоинства. Работники ее компании называли мадам Нину «королевой».
В 1979 году мастерская Нины Ричи переезжает на новое место, теперь она располагается на
улице Монтань, которая была одним из самых престижных кварталов города. Офис компании занимает целых 5 этажей, на которых превосходно умещаются несколько студий, мастерских, бутиков и
демонстрационных залов. Отсюда осуществляется руководство всей деятельностью модной империи
Nina Ricci, которая сегодня занимается производством одежды, кожаных изделий, аксессуаров, часов, ювелирной продукции и многого другого.
История создания
Основательница бренда, дочь сапожника Мари Адэлаид Ньели (родные называли ее Ниной)
родилась в итальянском городе Турин. Отец в надежде найти клиенток среди светских дам, отдыхавших на Лазурном берегу, перебрался с семьей из Турина в Монте-Карло. Вскоре он умер, и двенадцатилетней Мари пришлось поступить ученицей в швейную мастерскую, чтобы помогать семье.
От своего отца девочка унаследовала не только страсть к красоте и роскоши, но и умение много и
27
кропотливо работать. Она мечтала о славе знаменитой модистки и открытии собственного ателье.
В четырнадцать Мари вместе с матерью и старшей сестрой работала в галантерейном магазине, а вечером продолжала учиться швейному ремеслу. К восемнадцати годам она получила место
первой модистки, а еще через пару лет наняла портних, которые шили одежду по ее собственным эскизам.
Мари Ньели вышла замуж за цветочника Луи Риччи и стала носить имя,
которое теперь известно каждому, – Нина Риччи. Однако их брак не был
счастливым и вскоре распался. После развода Нина Риччи начинает работать с
удвоенной силой, ведь теперь ей надо обеспечивать не только себя, но и своего сына Роберта.
В 20-х Нина Риччи поступает на работу в Дом Раффин, а через десять
лет становится его совладелицей. Когда ателье приходится закрыть, она решает уйти на покой, но сыну удается убедить Нину открыть Дом Высокой моды
под собственным именем. В 1932 г. появляется модный дом NINA RICCI на
улице Капуцинов (Capucine) в Париже.
Несмотря на то, что в разгаре был мировой финансовый кризис, первые
же показы приносят новому предприятию успех. Нине Риччи удавалось полностью удовлетворять высоким запросам буржуазии, которая искала безупречное качество за умеренную цену. Большим спросом пользовались классический костюм, «маленькое» платье и платье-пиджак. У Нины был прирожденный талант создавать настоящие шедевры из самых простых вещей. Добавив декоративных деталей, она превращала
банальную блузку или платье в произведение искусства. Использование атласных лент, бантов и пуговиц стало фирменным стилем мадам Риччи, а успех каждой ее коллекции обуславливался необыкновенной женственностью, совершенством силуэта и великолепными материалами.
Нина Ричи умерла 30 ноября 1970 года, в возрасте 87 лет и была похоронена в Париже. Роберт
продолжает управлять компанией вплоть до самой смерти в 1988 году, а после него дело переходит в
руки Жиля Фуша (Gille Fuche) – приемного сына Нины. Разработку коллекций в свои руки взял бельгийский дизайнер Жюля-Франсуа Крае (Jules-François Craer).
В 1970 г., после смерти Нины Риччи, главой модного дома стал бельгийский модельер ЖюляФрансуа Крае. Роберт по-прежнему участвовал в управлении компанией и до самой своей смерти в
1988 г. продолжал создавать восхитительные ароматы.
Бренд с мировым именем
Семейная компания Риччи входит в список лучших производителей
одежды во Франции. Мировой успех приходит после войны, и связан он
был с созданием духов под маркой NINA RICCI, которые получили название «Coeur-Joie». Их выпускает Роберт Риччи. Двумя годами позже «L’air
du Temps» принесут модному дому не только славу, но и колоссальную
прибыль. Популярность этого волшебного аромата, который, как гласит
легенда, Роберт создал для любимой женщины, с годами не слабеет.
Одним из приоритетных направлений в деятельности компании
Nina Ricci является производство часов. В ноябре 1998 г. NINA RICCI передала лицензию на производство своих часов швейцарской компании
Time Avenue SA, расположенной в городе Вомаркю.
Линия мужской одежды и парфюмерии получила название Ricci
club. Ее появление стало знаменательным событием в истории бренда.
Линия создана в духе английского клуба для мужчин из Высшего света.
Отличается изысканностью и элегантностью.
Марка Nina Ricci хорошо известна во всем мире, благодаря своим модным коллекциям и красивейшим ароматам. С первого же дня существования это имя стало синонимом истинного шика и
романтики.
28
Алис Грэ (1899-1993)
Шанель и Скиапарелли придали профессии кутюрье столько блеска,
что все больше талантов отваживались сделать шаг к самостоятельности. Но
в то же время они затмевали все, поэтому казалось, что только благодаря им
мода 30-х годов стала источником, из которого черпали большинство идей
модельеры этого столетия.
При этом метод раскроя по косой, изобретенный Вионне, имел по меньшей
мере такое же воздействие.
В лице Алис Грэ Вионне нашла последовательницу, которая с таким же чутьем работала с материалом и движением. Собственно говоря, Алис, которая
стала выступать под именем мадам Грэ лишь с 1942 года, хотела стать скульптором, но семья не поддержала ее в этом. В конце концов, она стала драпировать платья прямо на фигурах клиенток и кроить так же, как и ее конкурентка Нина Риччи, без всяких выкроек, непосредственно на ткани. Большинство ее платьев были белыми и напоминали греческие одежды. Модели
мадам Грэ 30-х годов и сегодня не выглядят старомодными. В 1931 году Алис открыла свой первый
дом моделей, и до самой смерти в 1993 году она, с ее вневременным идеалом красоты и профессиональным умением, оказывала влияние на целые поколения модельеров. В
1981 году она обратилась к направлению Pret-a-porter, для которого она использовала прежде всего
твид и мягкие шерстяные ткани. Как старейшая из кутюрье, мадам Грэ с 1972 года в течение 20 лет
была председателем Синдиката высокой моды.
Мэгги Руфф (1876-1971)
К значительным фигурам моды ЗО-х годов, оставшимся в тени, относится и Мэгги Руфф, открывшая дом моделей в 1929 году. Она родилась в
Вене, мечтала стать хирургом, но работала в магазине спортивной одежды,
принадлежавшем ее родителям. Она разработала модели, отличающиеся элегантным, повторяющим изгибы тела силуэтом, с драпировкой на талии - для
дня и с бахромой
по кромке и рюшами - для вечера. Даже украшающие элементы ее моделей
были функциональными: на ее ранних платьях в качестве воротничков часто
использовались шали или шейные платки, которые можно было завязывать
различными способами. После ее смерти в 1971 году дом моделей Мэгги
Руфф закрылся.
Марсель Роша (1902-1955)
Французский дизайнер.
Сегодня многие имеют представление о диоровской концепции New Look, однако не все знают, что Диор вовсе не является первопроходцем в этой области. Другой французский дизайнер, а именно Марсель Роша, задолго до Кристиана Диора
придумал силуэт, напоминающий по форме песочные часы.
Обладая неким гением пророчества, он словно угадывает
будущий образ Женщины 20-го века. Выступая против излишней
андрогинности, которую навязывали представительницам прекрасного пола дизайнеры того времени, Роша, как истинный ценитель женского тела, совершает настоящую революцию в дамском белье, изобретя корсет из гипюра, модель которого сохранилась в женской одежде вплоть до наших дней в качестве вин29
тажного элемента.
Марсель Роша родился 24 февраля 1902 года в Париже;
первый дом моды открывается в Париже в 1925 году на улице Фобур Сент-Оноре, а в 1931 переезжает на авеню Матиньон;
 в 1936 году выходит первый аромат, однако в течение Второй мировой войны парфюмерное производство полностью прекращается и лишь в 1945 году,
после ее окончания, основывается Parfums Rochas
S.A.;
 в 1955 году после смерти Роша руководство компанией переходит к его жене Элен Роша (Helene
Rochas);
 в 1969 году производство переезжает в Пуасси
(Poissy);
 в 1987 году компанию приобретает Wella AG;
 в 1990-м году вместе с приходом дизайнера Питера
О’Брайна (Peter O’Brien) возрождается линия «от
кутюр»;
 в 2000 году после трехлетнего перерыва выходит новая весенне-летняя коллекция.
Карьера Роша в модном бизнесе началась в 1925 году, когда он, отказавшись от поста адвоката,
основывает в Париже собственный Дом моды. Главной особенностью этого заведения являлось то,
что кроме роскошной одежды посетительницам предлагалась помощь в подборке дополнительных
аксессуаров: обуви, перчаток, сумок. Однако вовсе не это притягивало женщин к Модному дому Роша. С самого начала, абсолютно во всех вещах молодого дизайнера прослеживается его искренняя
любовь и восхищение женским телом, а также умение выгодно его подчеркнуть. Почувствовав в этих
нарядах что-то новое, а именно полную свободу, экспрессию и чувственную индивидуальность, многие женщины уже не могли пройти мимо.
Можно было бы счесть, что перед Второй мировой войной моду определяли только женщины.
Но это не так. Ведь был, например, Марсель Роша, чей дом моделей часто преподносил столь же
оригинальные модели, как и Скиапарелли: на плечах его платьев сидели малиновки или были отпечатаны крошечные книги. Так же, как и Скиап, он создавал из пуговиц маленькие произведения искусства, использовал прозрачный целлофан и фосфоресцирующую парчу и шокировал пестро раскрашенными мехами. Помимо этого, он был первым, кто в 1932
году создал брючный костюм из серой фланели, который был задуман как дневной наряд.
Дела Роша идут настолько хорошо, что уже в 30-х годах он
открывает бутик готовой одежды в Нью-Йорке, в котором также
принимали заказы на индивидуальный пошив. В свое время модельер утверждал, что именно он в начале 30-х годов 20-го века первый ввел в обиход слово «слаксы», которое возникло одновременно с идеей включить свободные серые фланелевые брюки в ансамбль женского костюма. Костюм сочетался с блузой с широкими
плечами. Надо сказать, что для женщин той эпохи подобный образ
был весьма продвинутым, если не революционным. Ведь в большинстве своем брюки не входили в повседневный наряд. Представительницы прекрасного пола надевали штаны в исключительных
случаях – либо на отдыхе, либо в неформальной домашней обстановке.
Роша был не только талантливым дизайнером, он также обладал поразительной деловой хваткой. Послевоенный период заставил его задуматься о том, насколько долго еще продержится система
«от кутюр». Сделав свой выбор, Роша обращается к идее реализации готовой продукции через бутики, а также к парфюмерному бизнесу. Девизом его работы становятся слова «Молодость. Простота.
Индивидуальность». Последняя характеристика отличала Роша от остальных дизайнеров того времени.
30
Индивидуальность
заключалась
для него, прежде всего, в оригинальности,
непохожести на других. Каролин Реннольдс Милбанк (Caroline Rennolds
Milbank) в своей книге «Кутюрье: величайшие дизайнеры» (Couture: the Great
Designers) пишет, что мастерство Роша
«характеризовалось хорошо просчитанной оригинальностью», ведь она не пугала, а наоборот притягивала женщин. За
довольно короткий срок Роша обзавелся
постоянными клиентами среди таких знаменитостей, как Марлен Дитрих (Marlene Dietrich) и Кэрол
Ломбард (Carole Lombard). Его образы стали узнаваемы благодаря нарочитому подчеркиванию изгибов женского тела. Замечательными примерами работ того периода можно назвать знаменитое платье для вечеринок, перехваченное поясом, и вечернее платье с «русалочьим хвостом».
В 1942 году за пять лет до диоровского прорыва, Роша, мечтая о возрождении женственности
в охваченной войной Европе, предлагает прекрасному полу корсет из сексуального, полупрозрачного
и загадочного гипюра, позволяющий счастливой обладательнице подчеркнуть свою осиную талию.
Также корсет обладал вместительным лифом, эластичным поясом и подвязками, удивительным образом сочетая в себе удобство, изящество и моду. Гипюр, изобретенный Роша, стал настоящим прорывом в индустрии женского белья.
Дела Роша идут хорошо, и вскоре он задумывается о собственной парфюмерной линии. В
1944 году в качестве свадебного подарка для своей молодой жены (он был практически в два раза
старше) Роша выпускает духи с простым и в то же время емким названием «Femme» («Женщина»).
Дизайн флакона разрабатывает известная фирма «Lalique», а сам аромат – Эдмон Рудницка (Edmond
Roudnitska), один из величайших парфюмеров 20-го века. Помимо его супруги Элен, пользоваться
этим ароматом могли лишь герцогиня Виндзорская (Duchess of Windsor), баронесса Ротшильд
(Baroness Rothschild), французская актриса Мишель Морган (Michele Morgan) и певица Даниель
Даррье (Danielle Darrieux). И лишь через год, после того как Роша основывает Parfums Rochas S.A.,
духи были запущены в массовое производство и стали доступны любому желающему.
Марсель Роша был убежден в необходимости симбиоза меджду костюмом женщины и ее ароматом. Он считал, что «присутствие женщины нужно ощущать до ее появления». Однако в скором
времени Роше пришел к выводу, что слишком неразумно сочинять духи к каждому платью и наоборот, поэтому решает сконцентрировать все свои силы на чем-то одном, выбрав парфюмерное дело.
Его резиденцией стала парфюмерная компания в пригороде Аньер (Asniиres-sur-Seine). Ежегодно
фирма выпускала до 500 тысяч флаконов, что было гигантской
цифрой для послевоенного времени.
Однако в 1955 году Марсель Роша скоропостижно умирает. Во главе Модного дома встает вдова Роша – Элен, которая
в дальнейшем создает настоящую парфюмерную империю. В
1960 году Элен выносит на суд публики свои первые духи
«Madame Rochas». В течение нескольких последующих десятилетий имя Роша стало синонимом интригующих и пробуждающих ароматов как для женщин, так и для мужчин. В 1987 году
компанию приобретает немецкая компания Wella AG, которая
решает вернуться к моделированию одежды и специально
нанимает для этих целей знаменитого дизайнера Питера
О’Брайна (Peter O’Brien) в 1990 году. Тем не менее, долгие годы направление остается в тени парфюмерной славы компании.
31
Огюста Бернар (1886-1946)
Огюстабернар решила соединить имя и фамилию, чтобы ее не путали
с конкурентами-однофамильцами. Она открыла свое дело уже в 1919 году и
одевала в свои необычные модели женщин, уверенных в себе. Маркиза из
Парижа в 1930 году в модели от Огюстабернар из серебристой парчи победила на «Конкурсе элегантности» в Сент-Морице.
Для вечерних платьев Огюстабернар часто выбирала бледные цвета,
как бы предназначенные для прогулок при свете луны и идеально подходящие для того, чтобы представить в выгодном свете драгоценные украшения.
Ее платья и костюмы для дня были простыми и практичными, а ее излюбленным материалом был грубый твид, как было принято в ее родной провинции.
Луизбуланже (ок. 1878-1950)
Модели Луизбуланже ценились за молодость и смелость. Она была первой, кто в 1927 году
удлинил юбки «мальчиков», добавив к ним шлейфы. После короткого перерыва она в 1934 году
вновь открыла свой салон и поразила всех видом современного турнюра, который возвышался сзади,
как пуф. Она была весьма изобретательна в применении своих любимых тканей - органди и тафты,
которые она использовала как с лица, так и с изнанки, чтобы достичь различных эффектов. В 1939
она ушла из моды, не без афоризма на прощанье: «В день, когда вошел в моду теннис, дама полусвета покинула сцену. Мода ушла с нею». Это далеко не так, мода стала многообразнее, чем прежде, только война приостановила развитие новых дарований.
Кристобаль Баленсьяга (1895-1972)
Знаменитый испанский дизайнер одежды. Конец 40-х и 50-е годы –
время расцвета творчества кутюрье – названы в истории моды «эрой Баленсиаги». Именно тогда он заложил основу современного дизайна.
Кристобаль появился на свет 21 января 1895 года на севере Испании
в крохотном городке Гетариа. Его мать работала швеей, а отец занимался
рыболовством. Многому будущий дизайнер научился у своей матери, которая с удовольствием делилась с ним своими идеями и мыслями о красивой
одежде. Когда Кристобалю исполнилось 12 лет, погиб его отец, а вся семья
переехала в город Сан-Себастьян. Там мальчику предстояло самому зарабатывать деньги и помогать близким. Так как на тот момент он уже неплохо овладел мастерством шитья, то его отдали подмастерьем к местному портному.
В те времена, когда Баленсиага был ребенком, в Испании еще существовал монархический
строй. Многочисленные представители знати иногда заглядывали в бедные края, где жила семья
Кристобаля. Мальчик с интересом и восхищением разглядывал их роскошные одежды, и уже тогда
он начал мечтать о том, чтобы и самому создавать такие же наряды.
Когда Баленсиаге было всего 13, в его жизни произошла судьбоносная встреча с маркизой де
Касас Торрес (de Kasas Torres) – знатной дамой и настоящей красавицей. Однажды она выходила из
церкви, вдруг подбежал мальчик и смело заявил, что сшил бы наряд гораздо лучше, чем у нее, если
бы владел такой же превосходной материей. Ребенок шокировал эту синьору своими разумными и
верными суждениями о моде и манере одеваться. Удивленная маркиза показала ему один из своих
туалетов от-кутюр и даже сделала мальчику заказ на пошив наряда. Ее изумлению не было предела,
когда 13-летний Кристобаль сделал для нее костюм не хуже, чем именитые кутюрье.
32
Так началось их многолетнее сотрудничество и дружба. Она помогает будущему дизайнеру
устроиться на службу к Калле де Хернани (Kalle de Hernani), известному в то время дамскому портному. Кроме того, маркиза стала покровительницей юного дарования и оплатила ему поездку на обучение в Париж. Там у него была возможность наблюдать за работой самой Шанель. Баленсиага многому у нее научился.
В Испанию молодой кутюрье вернулся полным всевозможных идей. Для начала он стал переделывать парижские модели одежды под вкусы местных красавиц. В работе Кристобаль учитывал
особенности сложения испанок и их менталитет. Такие переработки французских нарядов пришлись
по душе его клиенткам и имели невероятный успех.
В возрасте 16 лет Кристобаль Баленсиага уже открыл свое собственное
ателье в Сан-Себастьяне, а через 4 года
создал там же Дом моды, который назвал
своим именем. Прошло 5 лет, и его салоны уже были открыты в Барселоне и
Мадриде. Баленсиага шил роскошную и
очень дорогую одежду из элитных материалов. У него одевалась высшая знать
Испании, включая членов королевского
двора и саму монаршую семью.
В 30-е годы на родине модельера началась Гражданская война, и Баленсиага переселяется в
Париж. У него почти нет денег. Однако, истратив последние сбережения, в 1937 году он открыл свой
салон на авеню Георга Пятого, 10. Позже этот адрес воплотится в названии знаменитого парфюма от
Balenciaga, выпущенного в 1947 году – Le Dix (франц. «десять»). Чтобы создать свою первую парижскую коллекцию Баленсиага набрал огромную сумму долгов. Он прекрасно понимал в тот момент,
что от успеха этого показа зависят его судьба и будущее. Все силы мастер вложил в работу, его упорство было просто фанатичным. Итогом стал триумф. Коллекция «Инфанты» увидела свет в 1939 году
и наградила дизайнера успехом и известностью. Кристобаль смог отблагодарить всех людей, которые
помогли ему финансово и морально.
Работая во Франции, Кристобаль, несмотря ни на что, сохранял в творчестве испанский дух.
Его творения были внешне величественными и невозмутимыми, как испанские королевы, но на самом деле очень пылкими и страстными. Наряды, сделанные этим модельером, очень похожи были на
полотна испанских художников, где в изобилии показаны дорогие ткани, шлейфы, воланы, кружева,
драгоценная отделка. Однажды о своей работе Баленсиага произнес слова, которые вошли в историю
и стали известными на весь мир. Он сказал:
«Модельер должен быть архитектором в эскизах, скульптором в форме, художником в цвете, музыкантом в гармонии и философом в чувстве меры».
Баленсиага в работе ориентировался на желания конкретных клиентов. Этот модельер даже не
хотел слышать ни о какой массовости, он производил только эксклюзив. Особый интерес у Кристобаля вызывали женщины с нестандартной фигурой или недостатками во внешности. Он хотел сделать их красивыми и считал, что именно в этом заключается профессиональный долг кутюрье. Он
точно знал, как сделать любую женщину королевой. Марлен Дитрих говорила:
«Первая примерка костюма от Баленсиаги смотрится точно так же, как третья от любого другого мастера».
Модельер мог за несколько минут с удивительной
легкостью обычный кусок ткани превратить в изысканный
туалет. Творчеству Кристобаля Баленсиаги не помешала даже Вторая мировая война. В эти годы из оккупированного
Парижа костюмы от Баленсиаги, вопреки всем опасностям и
рискам, вывозились контрабандой. Женщины и сами готовы
были переходить линию фронта, только чтобы заполучить
модный наряд от Баленсиаги. Модельер работал в захваченном фашистами городе ничуть не меньше, чем прежде. Темпы производства, как ни странно, только
росли. Кроме того, ему удалось возобновить работу ранее закрытого испанского ателье и успешно
33
там торговать.
Когда закончилась война, творчество Кристобаля Баленсиаги заиграло новыми красками, его
талант раскрылся полностью. Новый мир просто требовал новой одежды и нового стиля. Именно тогда и свершилась так называемая «революция Баленсиаги». В этот период кутюрье создал большинство своих изобретений. Например, все линии в костюмах обязательно должны были быть круглыми:
пуговицы, вырезы, кромки кружев и т.д. Именно Кристобаль придумал закругленные воротники с
открытой шеей. Все его вечерние наряды были максимально шикарными, а дневные – максимально
строгими. Конструкции вещей были очень просты, но выглядели эффектно. Баленсиага создал рукав
три четверти, широкие плечи в сочетании с узкой талией, платья-туники и трапеции, юбки-бочки,
платья-мешки, узкие силуэты, пальто-карэ, огромные капюшоны. А также шляпы-коробочки, свободные пальто без воротников и застежек и многое другое.
Сам Кристобаль Баленсиага никогда не считал себя революционером моды. Вдохновение он
черпал в костюмах прошлых времен, источниками идей для него были картины эпохи Средневековья, Возрождения, полотна XVIII века. Однако костюмы мастера выглядели, несмотря на это, необычайно свежо и современно. Работа над историческими образами пригодилась дизайнеру и при создании костюмов для кино и театра.
Важным элементом стиля Баленсиаги была сдержанность. Модельер считал, что тело должно быть скрыто под одеждой. Женщина, которая не выставляет его напоказ, а
только лишь намекает, по мнению Кристобаля, выглядит
гораздо привлекательнее. Никогда в нарядах этого дизайнера не использовались накладные бюсты и бедра. Он
делал акцент на свойства используемого материала и не
понимал Диора, который любил эксперименты с тканями. Кристобаль называл это «ужасным насилием». Баленсиага предпочитал однотонные материалы, повышенное внимание уделял фактуре и любил играть на контрастах. Благодаря этому кутюрье модными стали тафта
вместе с бархатом, рогожка, муар, жатые ткани, ратин, твид и букле для изготовления пальто. Модельер не любил лишней отделки, единственным украшением нарядов могла
быть изысканная вышивка.
Габриэль Шанель однажды сказала о Кристобале, что кроме него, ни один модельер не может
полностью сам разрабатывать, резать, кроить и шить одежду.
«Он единственный Кутюрье в прямом смысле слова — все остальные дизайнеры»,
- говорила Коко.
Материалы, которые использовал Баленсиага в своей работе, всегда были жесткими и плотными. Одежда из них была похожа на скульптуру. Изделия, создаваемые испанским модельером,
многие сравнивали с настоящими произведениями искусства. Совершенство кроя, загадочные и
неподражаемые образы – вот главное в творениях Кристобаля. Они не знакомы с понятием сезонной
моды, эти изделия вне времени.
Сам Баленсиага в каждой коллекции обязательно одну-две модели создавал полностью своими
руками. Он виртуозно владел мастерством шитья от-кутюр, легко изготавливал костюмы методом
наколки, мог сделать любую выкройку и шов, владел секретами хорошей отделки. Ткань для собственных моделей Баленсиаги доставляли точного размера и ни сантиметром больше, настолько превосходно он владел искусством кройки. Рукава и воротники его костюмов сохраняли совершенство
форм во время любых движений.
Черный цвет в коллекциях Баленсиага является доминирующим, дополняют его оттенки белого, темно-зеленого и коричневого. Изредка черный у него использовался в сочетании с ярко красным,
иногда встречались розовый и желтый цвета. В качестве украшения Кристобаль выбирал обычно
жемчуг. Шляпы имели большие поля, были украшены перьями или небольшими наколками. Также
модельер любил крупные береты и капюшоны. С помощью изысканной простоты одежды дизайнер
хотел подчеркнуть индивидуальность клиентки.
Самой любимой деталью Баленсиаги была крупная вечерняя накидка, сшитая из тафты. Под
ней непременно должно было быть длинное узкое облегающее платье. Ему принадлежит идея эф34
фектного туалета, который спереди закрыт полностью, а сзади шокирует сильно декольтированной
спиной.
Фотограф Сессил Битон (Seccil Biton) сказал однажды о Кристобале: «Он основал будущее
моды».
Клиентками салона Balenciaga были все известные женщины, которые славились превосходным стилем. В их число входили герцогиня Елизавета Винздорская (Elizaveta Vinzdor), Грейс Келли
(Grace Kelly), испанская королева Виктория (Viktoria) и бельгийская правительница Фабиола
(Fabiola). А также Полин де Ротшильд (Pauline de Rothschild), Марлен Дитрих (Marlene Dietrich), Мона фон Бисмарк (Mona von Bismarck), Ингрид Бергман (Ingrid Bergman), Глория Гиннес (Gloria
Guinness), Барбара Хаттон (Barbara Hutton) и многие другие.
12 мая 1958 года Кристобаль Беленсиага был удостоен Ордена Почетного Легиона.
Сам модельер был личностью невероятно замкнутой, он совершенно избегал публичности. Очень редко фотографировался и почти
не давал интервью, ограничил свое общение
узким кругом лиц. Дизайнер почти не разговаривал, даже во время работы не делал никаких
замечаний своим ассистентам, которые, впрочем, за годы сотрудничества с мастером, научились виртуозно угадывать все его мысли и желания.
Большинство из них впоследствии сами стали известными кутюрье. Самыми талантливыми помощниками Баленсиаги были Оскар де ла Рента (Oskar de la Renta), Эммануэль Унгаро (Emanuel Ungaro),
Андре Курреж (Andre Courreges) и Юбер де Живанши (Hubert de Givenchy). Им удалось в чем-то даже превзойти своего учителя.
Во время показов одежды Кристобаль никогда сам не появлялся на сцене. Модельер предпочитал тихо наблюдать за всем, скрывшись за занавеской. В 1957 году он закрыл вход журналистам на
демонстрации своих коллекций. Это беспрецедентное явление для мира моды. Баленсиага хотел,
чтобы пресса не навязывала своего мнения покупателям. Только через два месяца кутюрье давал газетчикам возможность познакомиться с новой коллекцией.
Несмотря на внешнюю меланхоличность, Кристобаль в кругу близких ему людей сразу преображался. Говорили, что он был совершенно раскованным, веселым, остроумным и даже язвительным
человеком. Кто-то из журналистов назвал его однажды «денди-отшельником», с тех пор это прозвище прочно закрепилось за испанским модельером.
В последний период своей работы Кристобаль Баленсиага пришел к мысли о необходимости
ориентации на экспорт. Он разрешил американским производителям одежды снимать копии с его
моделей.
1968 год – Кристобаль Баленсиага совершил поездку в США, где
посетил швейную фабрику Нью-Джерси и подробно изучил производство готовой одежды. Там он понял, что не хочет отдавать свои изысканные туалеты машинам. Модельер решил, что ни за что не будет перестраивать свою работу. Вместо этого он закрыл свои ателье и ушел
на покой. В последний раз Кристобаль появился на публике в 1971 году
во время похорон Коко Шанель.
Свой модный дом Баленсиага продал, оставив себе лишь парфюмерную
линию. Его владелицами сегодня являются Жак (Jacues) и Режин Конкьеры
(Regin Konkier). Бренд Balenciaga входит в мировой холдинг Gucci Group.
Кристобаль Баленсиага скончался 23 марта 1972 года в Валенсии.
Салон Balenciaga был описан в литературном произведении «Жизнь
взаймы» известного писателя Эриха Марии Ремарка (Erich Maria Remarque).
Героиня романа приходит в бутик и покупает там пять шикарных нарядов, истратив на них все последние деньги. Это говорит о том, что Баленсиага в те годы был недосягаемой величиной моды. Ведь даже другие модельеры всегда
говорили о нем с почтением, хотя подобное и несвойственно представителям
этой профессии.
35
Пьер Бальмен (1914-1982)
После учебы у Молине Пьер Бальмен пять лет проработал у Люсьена
Лелонга, бок о бок с Кристианом Диором. Оба ученика так хорошо понимали
друг друга, что решили основать совместное предприятие, но Диор слишком
долго медлил с решением, и в 1945 году Бальмен открыл свое дело в одиночку.
На первой демонстрации моделей Бальмена присутствовала и Гертруда Стайн, пришедшая со своей подругой Элис Б. Токлас и королевским пуделем Баскетом. Об этой премьере американская писательница написала свою
первую и единственную статью о моде для журнала «Vogue». Простая элегантность Бальмена нашла свое типичное выражение в 1952 году в коллекции
«Милая мадам>>, привлекавшей прежде всего аристократов. Его знаменитой
клиенткой была королева Сирикит из Таиланда. Позднее он покорил также
Северную и Южную Америку, открыв салоны в Нью-Йорке и Каракасе. Как
и Диор, Бальмен удовлетворил тоску послевоенного времени по роскоши и красоте с помощью расточительно широких юбок.
Некоторые критики находили его моду слишком миловидной и лишенной риска. Бальмен
предпочитал нежные цвета и часто украшал свои модели изысканными вышивками. Бальмен был
любим среди своих клиенток и за то, что был блестящим собеседником.
Стайн о Бальмене
Это были тяжкие времена, когда мы познакомились с Пьером Бальменом. Мы встретились с его
матерью в 39-м на водах, и она рассказала, что у нее есть сын там, наверху, в армии, в заснеженной
Савойе, и он читает мои книги, и не могу ли я написать ему что-нибудь. Конечно, я была рада. А
потом пришел 40-й и поражение, мы задумывались о Пьере Бальмене, которого еще никогда не видели, но который застрял там, в снегах, и потом, наконец, мы услышали, что он в безопасности. Он
возвратился, и мы с ним встретились.Обычно он приезжал к нам на велосипеде, хотя нас разделяли
многие мили, но это никому не мешало. Была холодная зима, и мы мерзли. Он сшил нам красивые
теплые костюмы и чудесное теплое пальто. Элис Токлас настаивала на том, чтобы один из ее костюмов был так же красив, как те, которые он представлял на своей премьере. А почему бы и нет?
Ведь, в конце концов, разве не он его создал, и разве не приезжал он на своем велосипеде, чтобы все
осмотреть и разве это не было просто так, как всегда бывает в темные времена, когда пробивается луч света. Да, мы узнавали его все лучше. Дети поставили несколько моих пьес, и он показал нам
тонкую хитрость, как сделать большую девочку еще больше, поставив ее на скамеечку. Это были
хорошие дни в те тяжкие времена, к тому же Пьер разъезжал обычно туда-сюда в Париж и приносил с собой частичку любимого нами Парижа и кроме того нитки, чтобы штопать наши чулки и
белье, это было так на него похоже. Он кочевал, как приходилось это делать молодым людям в те
времена, чтобы их не отправили в Германию. Потом пришло освобождение, и мы все были в Париже. Пьера обуревала жажда деятельности, и мы были уверены, что он сделает это, и он это сделал. Наверное, мы были на премьере единственными, кто все эти долгие годы носил модели Пьера
Бальмена, и мы этим гордились. Это прекрасно, познакомиться с молодым человеком просто как с
молодым человеком, когда никто ничего не подозревает, а теперь, ну да, я надеюсь, очень скоро это
узнает каждый. Мы были так счастливы и горды. Да, это было так.
© 1S>45 «Vogue», Conde Nast Publications, Inc.
Balmain - модный бренд, специализирующийся на производстве одежды и аксессуаров. На сегодня ведущим направлением работы марки являются стильные швейцарские часы. Основал компанию талантливый французский кутюрье Пьер Бальман (Pierre Balmain) в середине ХХ века. Он был
одной из ведущих фигур в мире Высокой моды.
История появления бренда
Самый первый бутик марки Balmain появился в послевоенном Париже на улице Франсуа Первого, 44 в 1945 году. Освобожденный город, в то время как никогда раньше, нуждался в красоте.
36
Пьер Бальман решил заняться созданием элитной модной одежды для высшего общества. Наряды
этого модельера с удовольствием покупали самые известные и богатые люди того времени, в их числе можно назвать Марлен Дитрих (Marlene Dietrich), Дженнифер Джонс (Jennifer Jones), Жан-Поля
Бельмондо (Jean-Paul Belmondo), Бриджит Бордо (Brigitte Bardot), Вивьен Ли (Vivien Leigh), Софи
Лорен (Sophia Loren), Кэтрин Хепберн (Katharine Hepburn), таиландскую королеву Сикирит (Sikirite)
и многих других звезд. Он даже предвосхитил самого Кристиана Диора (Christian Dior), когда начал
шить платья с невероятно тонкой талией и обширной юбкой-колоколом.
Сам основатель марки родился в городе Сен-Жен де Мариенн в 1914 году. Отец Пьера был
владельцем небольшой мануфактуры, которая занималась производством одежды. Вскоре он умер, и
фабрика перешла под управление Пьера Бальмана. С детства мальчик любил наблюдать за работой
семейного предприятия. Его просто завораживал процесс создания изысканного туалета. Почти чудом для него было превращение кусочков тафты, гипюра и нескольких искусственных жемчужин в
готовое платье. Нетрудно догадаться, что с выбором профессии молодой человек определился почти
мгновенно. После окончания школы он оставил родной город и отцовскую фабрику. Юноша уехал в
Париж, где был зачислен в Академию Изящных Искусств. Там он изучал архитектуру, однако это
было только днем, и только на лекциях. Все же оставшееся время молодой человек посвящал рисованию эскизов роскошных вечерних платьев. Однажды Пьеру выпал счастливый случай показать свои
труды известному в то время модельеру Роберу Пиже (Robert Piguet), который остался высокого
мнения о способностях начинающего дизайнера и даже купил у него три зарисовки.
Окрыленный успехом, Бальман решил сам стать модельером,
чего бы ему это ни стоило. Он обошел все парижские ателье в поисках
должности ассистента. За такую возможность он готов был даже подметать полы и собирать с пола разбросанные булавки. Однако не оказалось ни одного желающего принять усердного юношу. Но Пьер не
сдавался, и удача ему улыбнулась: в 1936-ом Бальмана пригласил на
стажировку ведущий парижский модельер Эдвард Молине (Edward
Molyneux). Восторг Пьера был безграничным, ради такого он, не задумываясь, бросил свою учебу в Академии Искусств.
В 1939-ом Пьер перешел в мастерскую Люсьена Лелонга (Lucien Lelong). Там он научился искусству ручной вышивки бисером и стеклярусом, а также овладел методиками работы с камнями из
стекла. За эти навыки он всегда будет благодарен Лелонгу. Именно искрящиеся платья принесли
Бальману известность в 1945 году, когда он стал основателем своего собственного модного бренда.
Свои модели Бальман создавал в экзотическом стиле, вдохновение он черпал из произведений
мирового искусства, среди которых преобладали мандаринские и арабские. Эта особенность выражалась в использовании крупных деталей – различных растений и цветов. Но главным элементом стиля
дизайнера были арабески, их он любил больше всего. (Арабеска – от итал. arabesco, сложный восточный орнамент, который возник в эпоху Средневековья; основу узора составляют причудливые растительные и геометрические переплетения). Эта деталь была обязательным элементом каждой коллекции Бальмана. Модельер повсеместно применял ее в отделке и кружевах.
1950 год – проходит первый показ моделей Бальмана в Соединенных Штатах. Тогда же начал
работу нью-йоркский бутик его марки. Пьер стал вторым после Кристобаля Баленсиаги (Cristóbal
Balenciaga) французским дизайнером, ступившим на территорию модного рынка США. Бальман,
правда, немного адаптировал свои коллекции под более полных американок, но они не меньше, чем
хрупкие француженки любили искрящиеся стеклышки и роскошный дизайн.
Кроме всего прочего, Пьер Бальман вел
активное сотрудничество с кинематографом.
Именно он был создателем костюмов для таких
картин, как «Ночь нежна» («Tender Is the Night»)
Генри Кинга (Henry King), «И Бог создал женщину» («Et Dieu… créa la femme») Роже Вадима
(Roger Vadim), а также еще дюжины известных
лент. Благодаря этой работе, он сильно укрепил
свой успех в мире моды.
В то же время дизайнер начинает создавать целые вечерние комплекты от-кутюр. Например, к
37
каждому платью прилагалась накидка, горжетка или пальто. Причем ткань и отделка этих предметов
совпадала с основным нарядом.
В конце 50-х Бальману даже удалось шокировать мир моды. Он создал слишком откровенные
для того времени коктейльные платья. Они предполагали открытые ключицы и коленки. Но покупательницам эта идея пришлась по вкусу.
Кризис бренда. Однако с приходом 60-х стало заметно, что
Пьер Бальман немного перестарался с роскошью. Это мировой общественности дал понять гениальный минималист Ив-Сен Лоран (Yves
Saint Laurent). Блеск тысячи бусин проигрывал оригинальному принту в стиле картин Пабло Пикассо (Pablo Picasso).
Следующее десятилетие ситуацию не изменило. Модельер
продолжал применять ручную вышивку, которая требовала грандиозных финансовых затрат.
В 70-е годы процветающая прежде марка впервые занялась
производством роскошных аксессуаров, в том числе и стильных часов.
После смерти своего основателя компания пришла в упадок. В
1982-ом, в год смерти Бальмана, управлением марки занялся Эрик
Мортенсен (Erik Mortensen) – давний помощник Пьера. Он внес несколько изменений в работу компании, но в целом успеха не добился.
Новая жизнь марки: швейцарские часы. 1987 год – линия часов марки Balmain переходит в
собственность компании Swatch Group – крупнейшего мирового производителя элитных часов. Так
началась новая жизнь старого бренда. Свежие силы в него вдохнул Кристоф Декарнин (Christophe
Decarnin) (в прошлом главный дизайнер марки Paco Rabanne), который стал арт-директором фирмы
Pierre Balmain. Декарнин по духу был очень близок Бальману. Он также отдавал предпочтение изысканному, роскошному и дорогому дизайну.
Концепция бренда Balmain опирается на сочетание оригинального дизайна, элегантной отделки и превосходного качества изделий.
В 1993 году циферблаты всех моделей часов украсил запатентованный фирменный узор в виде
арабески в сочетании с изящной надписью «PIERRE BALMAIN». Именно так называлась марка, пока
в 2001 году ее руководство не решило дать фирме новое имя. Теперь бренд называется Balmain – это
было сделано, чтобы упростить произношение для людей, которые не знают французского языка. Таким образом, новые владельцы не оставили без внимания традиции марки, но и не обошлись без собственных нововведений.
1995 год – холдинг Swatch Group
покупает у французского Модного Дома
все права на использование бренда.
1997 год – марка Pierre Balmain
празднует 10 лет своего существования,
как бренда швейцарских часов. В честь
этого события была выпущена ограниченная серия аксессуаров из платины.
Коллекция называлась «Elysees 64-83».
Это название отсылало к далекому прошлому марки, когда ателье Пьера Бальмана располагалось в самом центре Парижа. 64-83 – это были
цифры прямого телефона элитной швейной мастерской.
1998 год – марка Balmain продемонстрировала публике интересное изобретение – миниатюрные хронографы для женщин. Был запущен массовый выпуск этих аксессуаров, которые невероятно
понравились покупательницам. Очаровательная коллекция называлась «ChronoLady».
В 1999 году компания стала первым производителем титановых часов прямоугольной формы.
Они вошли в состав коллекции «Elysee». Тогда же в коллекции «Haute Elegance» появилась самая
тонкая модель часов. Толщина ее корпуса равнялась всего четырем миллиметрам.
2000 год был отмечен еще одним необычным изобретением. Впервые мир увидел часы, сов38
мещенные с зеркалом. В их корпус был вмонтирован кусочек сильно отполированной стали, который
и создавал нужный эффект. Компании Balmain принадлежит исключительное право на производство
данной модели часов.
2001 год – на международной выставке часов в Базеле, публику поразила модель от Balmain,
которая имела форму кошачьего глаза. Эта коллекция называлась «Excessive». Многие критики
назвали этот дизайн тенденцией будущего, именно таким представлялся стиль XXI века. Часы стали
выполнять непросто функции хронометра, но начали играть роль модного аксессуара. Цифры необычной формы, а также крупные деления на циферблате создавали особенный, неповторимый образ, мгновенно вошедший в моду.
2002 год – компания Balmain значительно расширяет свое производство. Коллекций становится еще в два раза больше, при этом и формы аксессуаров продолжают удивлять. Теперь часы имеют
формы квадрата, круга, прямоугольника, все большую популярность приобретают ассиметричные
часы. В том числе большое внимание разработчики уделили новой коллекции Elysees XO (Extra
Open), которая была выполнена в стиле арт-деко. Это было связано с всеобщим увлечением модой
20-х годов.
На сегодняшний день Balmain входит в число самых успешных производителей модной продукции. Товары этой компании отлично продаются в 75 странах по всему миру. Лицом бренда является Аманда Амманн (Amanda Ammann) – обладательница титула «Мисс Швейцария-2007».
В отличие от других марок швейцарских часов компания Balmain не может похвастаться долгой многолетней историей. Однако, не смотря на это, ей удалось занять достойное место в общем ряду и доказать свою конкурентоспособность. Более того, Balmain не устает поражать своих поклонников, а также модных критиков невероятной изысканностью своих моделей, безупречным вкусом и
оригинальным дизайном. Благодаря этому продажи компании стабильно растут год от года.
Официальный сайт: www.balmain.com
Жак Фат (1912-1954)
Вранцузский модельер. Оказал большое влияние на моду послевоенных лет наряду с Кристианом Диором (Christian Dior) и Пьером Бальменом (Pierre Balmain).
Будущий дизайнер родился во французском городе МезонЛафит 6 сентября 1912 года. Его отец, Андре Фат (André Fath), был
эльзасско-фламандским страховым агентом. Жак всегда стремился к
изобразительному творчеству, это неудивительно, если знать о том,
кем были его предки. Теодор-Жорж Фат (Theodore-Georges Fath) и
Кэролайн Фат (Caroline Fath) – прадедушка и прабабушка Жака по
линии отца, были писателями и иллюстраторами. Рене-Морис Фат
(Rene-Maurice Fath) – дед модельера, прославился как хороший пейзажист.
В юности Жак Фат поступил на службу во французскую армию. Он был наводчиком второго класса в артиллерийских частях. За военные заслуги был награжден Крестом с пальмовой ветвью, а также Орденом Почетного легиона. За время службы довелось
ему побывать и в плену. После этого, до 1932 года Жак Фат проработал на Парижской фондовой
бирже.
Дизайнерская карьера Фата началась с открытия маленького салона, который располагался
всего в двух небольших комнатах. Находился новый Дом моды на улице Рю-де-ла-Боэти (Rue de la
Boetie). Там была создана его первая коллекция, которая увидела свет в 1937 году.
Впоследствии мастерская Фата много раз переезжала. Сначала это была улица Рю-ФрансуаПремьер (Rue Francois Premier), где Жак обосновался в 1940 году. В 1944 году он окончательно поселился со своей студией в помещении на 39-авеню-Пьер-1-де-Серби (39 Avenue Pierre 1er de Serbie).
Модный салон Жака Фата был открыт в годы фашистской оккупации. Многие объясняют его
скорый успех тем, что модельер отлично поладил с правительством Виши. Современные критики обвиняют его в сотрудничестве с оккупантами. Однако подобной политики придерживался не только
Фат, но и другие дома мод во Франции. Для них это было единственным способом выжить.
39
В те годы любимицей Жака Фата была модель Люси Дофар
(Lucie Daouphars), по прозвищу Lucky. Позже, после смерти Фата,
она стала музой Кристиана Диора.
Интересно то, что Жак не получил художественного образования. Он окончил коммерческий институт бухгалтерского учета и
права. Мастерству дизайнера Фат обучался сам. Для этого Жак регулярно посещал выставки и изучал всю доступную литературу о моде.
Кроме того, он окружил себя талантливыми помощниками. Это были
молодые дизайнеры, которые только делали первые шаги в мире моды. Впоследствии они открыли собственные модные салоны. У Фата начинали свою карьеру такие
величайшие модельеры, как Юбер де Живанши (Hubert de Givenchy), Валентино Гаравани (Valentino
Garavani) и Ги Лярош (Guy Laroche). Жак Фат также очень помог дизайнеру обуви Андре Перуджиа
(Andre Perugia).
Популярность Фат приобрел благодаря созданию совершенно нового образа, который стал
называться «шикарная молодая парижанка». Для создания этих нарядов модельер использовал необычные материалы – пеньку и блестки из миндаля и грецкого ореха.
В годы Второй мировой войны Жак Фат создал очень широкие развевающиеся юбки. Они
быстро обрели популярность, и стали одной из примет времени. Даже газета «The New York Times»
высказалась по поводу творений Жака, заметив, что эти юбки он «задумал в интересах женщин, вынужденных ездить на велосипедах в эпоху нормирования бензина».
Послевоенные годы ознаменовались рождением стиля New Look, создателем которого традиционно считают Кристиана Диора, хотя предвестником новой модной тенденции был именно Жак
Фат. Вообще, между этим двумя дизайнерами в то время была настоящая конкуренция. Эту вражду
очень любили освещать журналисты, и многие газеты просто пестрели заголовками, такими как
«Диор против Фата» и тому подобным. Сложно сказать какой был бы исход у этого соперничества,
если бы Жак не умер, когда ему было 42 года. Тогда как Диор прожил до глубокой старости и успел
достичь многого.
В 1949 году Жаку Фату была
вручена премия Neiman Marcus в Далласе.
В 1950 году он выпустил коллекцию, которая получила нежное
название «Lily». В нее вошли женственные наряды, проникнутые необычайной романтикой. Юбки были похожи на прекрасные экзотические цветы,
а вечерние платья сшиты из роскошного бархата.
У Жака Фата, как у любого именитого дизайнера, были свои поклонницы из числа знаменитых современниц. К ним можно отнести Грету Гарбо (Greta Garbo,) Аву Гарднер (Ava Gardner) и Риту Хейворт (Rita Hayworth). На своей свадьбе с принцем Али Ханом (Aly Khan) последняя была в
платье, сделанном Фатом специально для нее.
Кроме модной одежды, марка Jacques Fath занималась изготовлением парфюмерии, перчаток,
аксессуаров, чулочно-носочных изделий и многого другого. Самые известные эксклюзивные ароматы, вышедшие при жизни модельера – это «Jacques Fath L’Homme», «Yin», «Yang», «Fath de Fath»,
«Iris Gris» и «Green Water».
Что касается личности самого Фата, то, по словам итальянского журналиста Бонавентуро Калора (Bonaventuro Calora), Жак был очень мягким и женственным человеком. Ему были свойственны
гомосексуальные наклонности. Например, он состоял в интимных отношениях с известным французским режиссером Леонидом Могая (Léonide Moguy). Однако, несмотря на все это, в 1939 году он женился. Супругой его стала бывшая модель Женевьева Буше де Лабрюйер (Geneviève Boucher de la
Bruyère), а в1943 году у них родился ребенок – мальчик по имени Филипп (Philippe). Избранница
Жака выросла в аристократической семье и когда-то была секретарем самой Коко Шанель (Coco
Chanel). Принцесса и светская дама Джованна Пиньятелли Арагона Кортес (Giovanna Pignatelli
Aragona Cortés) считала, что жена Фата была лесбиянкой.
40
В 1952 году врачи диагностировали у Жака Фата лейкемию. От этой болезни он скончался 13
ноября 1954 года. Модельер был похоронен в Париже в церкви Сент-Пьер де Шайо (St. Pierre de
Chaillot). Проститься с ним пришли более 4000 человек.
Модный Дом, основанный Фатом, был закрыт в 1957 году. Последние три года его существования созданием коллекций руководила жена дизайнера. Ей помогали в этом некоторые партнеры
мужа, такие как Пьери Метти (Pierrey Metthey), Катрин Бриве (Catherine Brivet) и Сюзанн Рено
(Suzanne Renoult), которая была специалистом по тканям.
Официальный сайт: www.jacquesfath.com
Кристиан Диор (1905-1957)
Один из самых известных французских модельеров.
Диор являлся пионером активного синтеза haute couture («высокой моды») и сценографии: был художником по костюмам в нескольких спектаклях («Школа злословия» по Ричарду Шеридану в Театре де Матюрин; ряд постановок Ролана Пети (Rolan Petit), 1950-е
годы) и кинофильмах (режиссеров Клода Отан-Лара, Альфреда Хичкока и др.). Создавал сценические туалеты для таких звезд эстрады и
киноэкрана, как Эдит Пиаф и Марлен Дитрих,
The Beatles.
Кристиан Диор родился 21 января 1905
года в Гранвилле (Франция), бывшем рыбацком порту на берегу Ла-Манша. Через несколько лет семейство переехало в Париж и устроилось в районе Пасси, который Диор так никогда и не покинет. Кристиан рос в большой семье, где
было пятеро детей. Несмотря на это, семья была довольно обеспеченной, так
как отец Диора сделал целое состояние на торговле химическими удобрениями.
В юности Кристиан увлекся рисованием, у него открылся художественный дар и он мечтал стать великим художником, но родители прочили
сыну карьеру дипломата. После просьб матери Кристиан сдался и поступил в Свободную школу политических наук. Однако на этом его «политическая деятельность» закончилась: вместо занятий по
международному праву и географии будущий кутюрье проводил время в музеях, учился живописи и
музыкальной композиции. В 1925 году он все-таки окончил школу политических наук, но его призвание было совсем в другой области.
В 1928 году Диор вместе с Жаком Бонжаном, художником и актером, открыл частную Галерею искусств, в которой продавались картины Дерена, Матисса, Брака, Пикассо, а также работы малоизвестных художников. Галерея приобрела известность и солидную репутацию. Однако счастье не
могло длиться вечно, и в жизни Кристиана Диора наступила черная полоса. В 1929 году из-за мошенничества и экономического кризиса обанкротился его отец, а в 1931 году его мать умерла от рака.
Через несколько месяцев, вернувшись из поездки по Советскому Союзу, куда Диор ездил с группой
молодых архитекторов, он оказался перед закрытой дверью обанкротившейся Галереи.
Лишь в 1935 году, после нескольких лет безработицы, полунищенского существования и апатии, переболевший туберкулезом Диор нашел приют у художника и актера Жана Озенна. Кристиан
стал разрабатывать театральные костюмы. Вместе с этим по совету друзей он готовит рисунки для
французских модных журналов и быстро завоевывает известность: эскизы шляпок и платьев печатают в журнале Le Figaro Illustre. Вскоре последовало сотрудничество с отделом мод популярной газеты Figaro.
Несмотря на то, что модели шляп пользовались гораздо большим успехом, Кристиан все же решает
специализироваться на моделях одежды. В 1938 году его заметил известный модельер Робер Пиге, но
Вторая мировая война помешала бурному развитию карьеры. Диор уходит в армию и служит на юге
Франции, но уже в 1941 году он возвращается в Париж. Там он начинает работать в известном модельном доме Lucien Lelong. Пиге научил Кристиана элегантности и простоте, а у Лелонга он освоил
ремесло и технологию, унаследовал чутье материала и любовь к ручной работе.
41
В 1946 году французский текстильный магнат Марсель
Буссак профинансировал открытие собственного Дома моды
Кристиана в Париже.
Довольно поздно, лишь в 42 года, слава нашла своего
героя. Первая собственная коллекция Кристиана Диора была
по-настоящему революционной и кричащей. Модная пресса
назвала ее «New Look», а сам дизайнер окрестил ее «Венценосная Линия». Затянутые талии, пышный бюст, маленькие круглые плечи, юбки до щиколотки, либо прямые, либо довольно
широкие – вот основные черты его первой коллекции, которая
смело отходит от традиционных канонов высокой моды и стремится к простоте и функциональности. Казалось, что фасоны Диора испугают покупателя, привыкшего к коротким юбкам и квадратным пиджакам, но случилось наоборот. Уставшие от ограничений
и нищеты парижанки с восторгом приняли коллекцию. Примечательно, что ее концепция имела поразительное сходство с французской модой 1860-х годов. Сам Диор говорил, что его вдохновили
воспоминания о красивых элегантных нарядах, которые носила его мама в 1910-х.
Несмотря на то, что несколько других дизайнеров экспериментировали с новыми силуэтами,
именно роскошная коллекция Кристиана Диора напомнила миру о состоятельности и важности парижской моды. Во время Второй мировой войны Париж потерял свою позицию, но Диор вновь провозгласил этот волшебный город столицей мировой моды.
Впрочем, первый успех не был окончательной победой: было и очень много критики в адрес
«New look». Феминистки утверждали, что корсеты и кринолины – это
попытка вернуть женщин к угнетенной «трудовой» роли. Другие был
шокированы орнаментами и цветовой гаммой, так как в послевоенные
годы использование таких ярких тканей казалось почти что кощунственным. Неожиданным протестом отозвалась и Америка: «Как он
посмел вернуться к роскоши в стране, парализованной забастовками,
где правительства сменяются одно за другим, где не хватает буквально всего?!» – американские кутюрье реагировали очень резко. Был
даже создан клуб в защиту коротких юбок, а Диора обвиняли в том,
что он обезобразил женщин. Однако несмотря ни на что «New look»
стал настоящим «пост-военным культурным символом»,
как впоследствии описал его сам дизайнер.
После того, как первая коллекция произвела фурор,
Диор стал широко известен. Он использовал самые роскошные ткани (сатин, костюмная ткань, тонкая шерсть,
тафта) и продолжал шокировать публику прогрессивными
силуэтами. Названия линий буквально резали слух: «Венчик», «Циклон», «Вертикаль», «Тюльпан». Это были
сильные образы, публика с трепетом ждала их, но в то же
время опасалась. Перед каждым показом зрители предвкушали появление чего-то грандиозного. Каждая модель
имела свое название, а общий стиль коллекции отражал
разнообразие мира, которым так дорожил кутюрье: театр, опера, литература, цветы, музеи, Париж.
В течение тех десяти лет, когда Кристиан Диор был по-настоящему знаменит, ни одна из его
коллекций не провалилась – ни с коммерческой, ни с творческой точки зрения. Единственным опасным моментом для карьеры кутюрье стал 1954 год – неожиданное возвращение Коко Шанель в модную индустрию. Философия легендарной Шанель – полная противоположность философии Диора.
«Ужасы пятидесятых» – вот как она отозвалась о моделях Кристиана Диора, обвиняя его в том, что
он затянул женские тела в нелепые формы. Реакция Диора последовала незамедлительно: он выпустил новую коллекцию «Лилия Долины». Смягченные линии, естественные силуэты, ненавязчивые
жакеты, нежные плиссированные юбки, блузы с морскими воротниками… Одежда Кристиана Диора
стала легкой и красивой.
42
Вскоре имя Диора стало синонимом
роскоши и хорошего вкуса. Товарооборот
Christian Dior составлял примерно $20 миллионов ежегодно. Примечательно, что
кутюрье организовал несколько крупных
международных соглашений, и незадолго
до его смерти Дом моды начал выпуск духов, драгоценностей, нижнего белья, аксессуаров и обуви.
Вдохновение Диора распространялось не только на Высокую моду, он активно работал и в киноиндустрии. Одежду
Christian Dior можно увидеть в фильмах
«Кровать с колонками» Тюаля, «Любовные письма» Клода Отан-Лара, «Молчание – золото» Рене
Клера и многих других. В его платьях играли великие актрисы: Марлен Дитрих, Ава Гарднер и Оливия де Хевилленд. Однако, как признался Диор в своих мемуарах, это была скорее дань моде, нежели
страсть. По его мнению, образ на экране всегда незакончен и слишком структурирован.
Кристиан Диор умер в 1957 году. Это была невосполнимая утрата
для мира высокой моды.
Мадам Реймонд, личный помощник великого Кутюрье, отметила:
“Если бы Диор был жив, мода не оказалась бы в таком плачевном состоянии, в котором она находится теперь”
После смерти мэтра многократно менялись владельцы Модного
дома, а фирменный стиль Christian Dior был почти потерян. За два десятка лет бренд потерял много лицензий, его популярность и авторитет
неуклонно «ползли» вниз. К счастью, в 1984 году Бернар Арно купил
фирму у несостоятельного владельца и буквально восстановил модную
империю.
Кристиан Диор – один из самых знаменитых модных дизайнеров XX века. Последователи легендарного кутюрье бережно хранят традиции мастера, никогда не забывая его взглядов на моду, его
тягу ко всему новому и страсть экспериментировать. Если другие легендарные имена дизайнеров
стали синонимами стиля, то имя Кристиана Диора – это выражение всей магии и волшебства высокой моды.
Официальный сайт: www.dior.com
Christian Dior
Всемирно
известный
французский Дом Моды, основанный модельером Кристианом Диором. Под брендом
Christian Dior выпускается
одежда, обувь, аксессуары,
украшения, белье, косметика и парфюмерия. В настоящее время
марка входит в холдинг LVMH (Louis Vuitton Moet Hennesy).
Christian Dior – это международная компания со штатом сотрудников 56 тысяч человек, имеющая более 60 бутиков по всему миру.
Кристиан Диор родился в городке Гранвиль на северо-западе
Франции (Нормандия) 21 января 1905 года. В 1911 году, когда
мальчику исполнилось 6 лет, он вместе с семьей переехал в Париж
на постоянное жительство.
Еще в детстве цыганка предсказала Кристиану будущее, поведав о том, что он останется без
средств к существованию, но затем разбогатеет благодаря женщинам. Естественно, 14-летний мальчик не поверил в это, ведь дела семьи обстояли более чем хорошо.
43
По настоянию родителей Кристиан готовился стать дипломатом, для чего в 1920 году поступил в свободную школу политических наук. Однако этим Диор ограничился, ведь данная сфера мало
его интересовала. С детства он увлекался искусством и мечтал связать с ним свою жизнь. Вместо того чтобы изучать географию, политическое дело и другие науки, необходимые дипломату, Диор вместе со своим другом открыл картинную галерею, в которой они продавали произведения искусства
своих современников и антиквариат.
Какое-то время дела шли хорошо, но с наступлением 1930 года пришли трагические изменения: умерла от рака мать Диора, а отец разорился и заболел туберкулезом. Семья осталась без гроша.
Чтобы как-то сводить концы с концами, Кристиан по совету друзей начал продавать свои рисунки и
эскизы.
В 1938 году работы юного модельера были замечены известным дизайнером Робером Пиге
(Robert Piguet). В 1941 году он начал работать в Модном Доме Lucien Lelong, в 1942 открыл парфюмерную лабораторию, выросшую впоследствии в фирму Christian Dior Perfume, а уже в 1946 году,
после войны, Кристиан Диор смог открыть Дом Моды под собственным именем.
Так началась история великого бренда Christian Dior. Зимой 1947 года в Париже состоялся показ первой его коллекции, названной “New Look”(«Новый стиль» или «Новый облик»). Принципиально новая концепция женской одежды прославила Диора: на подиуме блистали манекенщицы в
платьях с новым вариантом кринолина, узкой талией и прилегающим лифом. В коллекции была
сконцентрирована вся та женственность и романтичность, которой так не хватало послевоенной столице Франции. Позже современники говорили, что модели напоминали собою только что распустившиеся цветы.
В этот первый год ошеломительного успеха у Диора случился первый сердечный приступ, после которого
врачи посоветовали ему лучше и внимательнее следить
за здоровьем.
Новый стиль от Christian Dior был принят не сразу. В 1948 году модельер посетил Америку, где был удостоен престижной премии. Там прием публики был весьма противоречивым: многие горячо приветствовали его,
но не обошлось и без оскорбительных выкриков. Некоторые высказывали свое недовольство коллекцией, называя ее чересчур откровенной для послевоенного времени. Также отмечали неудобство узких платьев, которые не позволяли ездить на лошади, и чрезмерно тесное белье.
Несмотря ни на что, в этом же году Christian Dior открыл свое представительство в Америке,
для которой он начал выпускать по две специальных коллекции в год, отвечающие всем требованиям
американок. И вот уже через год «New Look» был принят не только многими странами Европы, но и
США, а каждую коллекцию Модного Дома встречали с восторгом.
Уже с 1948 года Кристиан Диор вместе со своим партнером Джаквесом Роуетом стал одним из
первых, кто начал применять лицензионные соглашения в модельном бизнесе. Он упорядочил лицензирование производства своих моделей сначала на территории Франции, а затем и по всему миру.
Так, фирменный знак Dior распространился везде, где продавалась продукция Модного Дома.
В 1950-51 годах Christian Dior представил линии одежды под названиями Vertical, Oblique,
Oval и Longue, также ставшие хитами.
В 1952 году открылся лондонский офис Christian Dior.
В 1953 году Диор основал Dior Delman – отделение, занимающееся изготовлением обуви на
заказ по эскизам Роже Вивье (Roger Vivier).
В 1954 году Кристиан Диор получил лицензию на производство белья. В этом же году Дома
Моды Dior открылись в Мехико, Каракасе, в Австралии, Чили и на Кубе.
В 1955 году Модный Дом запустил собственную линию бижутерии Bijoux.
1956-57 годы ознаменовались созданием коллекции Arrow, Aimant, H и Libre, основанные на
так называемых vareuses (куртках).
За несколько лет бренд превратился в огромное предприятие, для которого трудились свыше
двух тысяч человек. Сам Кристиан Диор признавал только ручную работу, поэтому каждый предмет
в его мастерских создавался тщательными трудами высокопрофессиональных портных. Таким обра44
зом, кутюрье не давал произведениям дизайнерского искусства превратиться в бездушные штампованные вещи.
Диор всю жизнь трудился не покладая рук, что впоследствии отрицательно повлияло на его
здоровье. В 1957 году он скоропостижно скончался, находясь на оздоровительном курорте в Италии.
После смерти Кристиана Диора на пост ведущего модельера бренда Dior пришел его молодой
преемник – Ив Сен Лоран (Yves Saint Laurent).
История Модного Дома после смерти Диора и новые руководители бренда
Ив Сен Лоран
Ив Сен Лоран начал работать в Модном Доме Dior еще в 1953 году. Уже тогда талант молодого человека был замечен Кристианом Диором, и с 1955 по 1957 Лоран был его ассистентом. В 1958
году он презентовал свою первую коллекцию для Dior – «Трапеции». Представленные в ней короткие
трапециевидные платья и юбки разительно отличались от нарядов с округлыми плавными линиями,
созданных Диором и предназначенных для женщин со сформировавшейся фигурой. То, что делал Ив
Сен Лоран, скорее было предназначено для молодых особ. Ко ллекция дышала свежестью и произвела настоящий фурор.
В 1960 году свет увидела коллекция «Битник» (Beatnik). В ней модельер представил укороченные мотоциклетные куртки и костюмы, под которые вместо сорочек были надеты водолазки. Однако непривычные резкие линии и новые пропорции испугали инвесторов Дома Dior, посчитавших
стиль молодого кутюрье слишком авангардным. Поэтому Ив Сен Лоран не смог долго задержаться
на должности главного дизайнера Dior: в 1960 году под предлогом призыва на военную службу дизайнер вынужденно покинул пост.
Марк Боан
С 1961 по 1989 год брендом Christian Dior управлял Марк
Боан (Marc Bohan). За эти 28 лет модельер почти кардинально перекроил стиль марки, отказавшись от той роскоши блеска и часто
неносибельной красоты, которую создавал великий Диор. Свою
концепцию Боан объяснял так:
«Я создаю одежду для реальных женщин, а не для себя, не для манекенов и не для модных журналов».
В 1970-80 годах запущена линия Christian Dior Minsieur.
В эти годы спутниками бренда стали незатейливость дизайна и легкость, в моду вошла новая «шикарная роскошь» от Dior, а
главными клиентками Модного Дома являлись Грейс Келли (Grace
Kelly), Марлен Дитрих (Marlene Dietrich) и Миа Фэрроу (Mia
Farrow).
Однако такая смена стиля не могла не повлиять на бренд
отрицательно. Со временем к марке стали проявлять все меньше
интереса, а на показах Dior не собирал и половины зала.
Джанфранко Ферре
Из-за значительного упадка бизнеса, в 1989 году Марк Боан был отправлен в
отставку, а главным модельером Дома Dior стал Джанфранко Ферре (Gianfranco
Ferre). Этому дизайнеру уже делали подобное предложение в 1984 году, однако тогда Ферре от него отказался.
45
Первая коллекция этого дизайнера для Dior снискала небывалый успех и признание. По сей
день многие считают, что именно этот кутюрье вернул тот уникальный стиль Модного Дома, который создал его основатель. В каждом предмете чувствовался дух Dior, а красота, изысканность и
утонченность вновь стали сопровождать все изделия марки.
В 1996 году Джанфранко Ферре неожиданно объявил о том, что покидает должность главного
модельера Christian Dior, чтобы посвятить себя продвижению бренда под собственным именем.
Джон Гальяно
В октябре 1996 года на место Ферре был назначен молодой и перспективный британец Джон
Гальяно (John Galliano). С его приходом и первой коллекцией «Misia Diva», заложившей основу модного направления «гламур», начался совершенно новый этап истории Дома Dior. Стиль бренда стал
более ярким, авангардным и театральным. Гальяно щедро украшает наряды бахромой, камнями, вышивками, оборками, использует бархат, атлас, парчу и другие роскошные материалы. Его коллекции
очень экстравагантны, в меру романтичны и женственны. А появление на подиуме самого Гальяно
теперь считается неотъемлемой частью шоу, которого с нетерпением ждут.
Осенью 1997 года под началом Гальяно открылся первый магазин Dior в Москве.
С
тех пор, как
Джон Гальяно встал у
руля Dior,
коммерческая
успешность
бренда значительно
возросла.
Среди звезд
стало модным появляться на
красной
ковровой дорожке в нарядах от Dior, а в рекламных кампаниях
в
разные годы участвовали Шарлиз Терон (Charlize Theron), Моника Белуччи (Monika Bellucci), Шерон
Стоун (Sharon Stone), Марион Котийяр (Marion Cotillard), Жизель Бюндхен (Gisele Bündchen) и другие.
1 марта 2011 года Гальяно был официально уволен с должности ведущего дизайнера Dior.
Причиной этому послужил скандал, вызванный антисемитскими высказываниями модельера, находившегося в состоянии сильного алкогольного опьянения.
Раф Симонс
13 декабря 2011 года стало известно имя
нового креативного директора Дома Dior. Им
стал 43-летний бельгиец Раф Симонс (Raf
Simons), который до этого создавал коллекции
для минималистской немецкой марки Jil Sander.
Директоратом компании также рассматривались
46
кандидатуры таких дизайнеров, как Марк Джейкобс (Marc Jacobs) и Рикардо Тиши (Ricardo Tisci).
Однако, по общему согласию, должность досталась именно Симонсу.
Другие дизайнеры
Среди дизайнеров Dior широко известно имя француза Эди Слимана (Hedi Slimane), который с
2001 по 2007 год являлся креативным директором отделения Dior Homme. Слимана прославили уникальные утонченные силуэты, создаваемые им для мужских коллекций бренда. По словам деятелей
мира моды, он на ближайшие несколько лет предопределил то, как должен выглядеть идеальный
мужской костюм.
Несмотря на свой успех в Модном Доме, в 2007 Эди Слиман объявил об уходе, объяснив это
тем, что хочет продавать свое имя и боится попасть в рабство лейблу.
Духи Christian Dior
На сегодняшний день парфюм от Christian Dior занимает 4-е место в
мире по объему продаж. Также именно парфюмерам ателье Dior принадлежат
многочисленные открытия в области получения эссенций ароматов: например,
эссенции ландыша и ванили.
Первый аромат от Dior – Miss Dior – вышел в 1947 году. В его основу
заложен аромат ландышей – любимых цветов матери Диора.
За ними последовали духи Diorama и Diorissimo.
В 1999 году вышли известные J’adore от Dior.
Другими наиболее популярными ароматами марки являются:









Dior Addict;
Dior Dune;
Dior Dolce Vita;
Dior Poison;
Dior Miss Dior Cherie;
Dior Fahrenheit;
Dior Homme Sport;
Dior Higher;
Dior Homme.
Косметика Dior
Как завершающий штрих женского образа, была создана линия Dior,
специализирующаяся на производстве косметики.
В 1955 году под маркой Dior начала выпускаться помада, в 1961 – лак для ногтей.
С 1969 года Christian Dior начал выпускать косметику сериями. Каждая
коллекция содержала в себе новый набор цветов, которые не повторялись и
гармонично сочетались между собой.
Сейчас косметическая марка Christian Dior выпускает такие линии, как:





Bikini (средства для создания четких линий тела);
Capture (средства для предотвращения старения кожи);
Dior Bronze (средства для автозагара);
HydraAction (увлажняющие средства для сухой кожи);
Icone (средства для нормальной кожи);
47




Miss Dior (средства для тела);
Resultante (уникальная серия средств против мимических морщин);
Diorshow (серия декоративной косметики);
Dior Addict (серия декоративной косметики).
Ювелирные украшения Christian Dior
Уникальным достоинством украшений Dior является использование в них переливающихся
камней из цветного горного хрусталя. Их ошеломляющий эффект Кристиан Диор открыл вместе со
Сваровски в 1955 г.
Сейчас главным дизайнером ювелирных украшений Dior является Виктория де Кастеллан
(Victoire de Castellane).
Официальный сайт: www.dior.com
Юбер де Живанши (1921)
Французский модельер, входит в число классиков высокой моды.
Основал собственный бренд Givenchy в 1952 году.
Известный дизайнер появился на свет 21 февраля 1921 года во
французском городке Бове. Происходит из семьи летчика и портнихи. Отец
был фанатично предан своему делу, принадлежал к поколению первых покорителей небес, поколению романтиков, к которому относился и Антуан
де Сент-Экзюпери (Antoine de Saint-Exupéry). Люсьен Таффин де Живанши
(Lusien Taffin de Givenchy) – отец Юбера погиб во время одного из полетов, когда мальчику не было и трех лет.
С детства было заметно, что Юбер – натура возвышенная, творческая, романтичная; он был необычайно мечтателен, жил в мире своих красочных иллюзий. И, конечно же, непременно хотел стать летчиком-героем как его отец. Мать категорически запретила Юберу
даже мысли о небе, она боялась потерять его так же, как мужа.
Мальчик прислушался к ней, потому что понимал все ее горе и страдание.
Мать мечтала, что сын станет в будущем превосходным юристом. Однако в 17 лет Юбер начал активно интересоваться модой. В
нем проснулась настоящая страсть к этому ремеслу.
Как только страна была освобождена от фашистов, Юбер отправляется в Париж и поступает учиться во французскую Школу
изящных искусств. Однажды молодой человек побывал на Всемирной выставке в Павильоне Элегантности, там он впервые увидел
продукцию известнейших домов моды Франции. Именно тогда он
загорелся идеей создания собственного бренда.
Свою карьеру Живанши начал с работы у самых знаменитых
дизайнеров тех лет, таких как Робер Пьяже (Robert Piguet), Жак Фат
(Jacques Fath), Кристиан Диор (Christian Dior), Люсьен Лелонг
(Lucien Lelong) и Эльза Скьяпарелли (Elsa Schiaparelli). Юбер сначала был всего лишь ассистентом, но со временем набрался мастерства
и сам стал отличным дизайнером. Именно Эльза дала ему путевку в жизнь. Она по достоинству оценила работу молодого помощника и доверила ему руководить одним из своих бутиков.
2 февраля 1952 года Живанши запускает работу собственного дома мод и открывает свой первый магазин. Сначала он располагался на улице Альфреда де Виньи, затем переехал на авеню Георга
V. Юбер в то время был самым молодым дизайнером высокой моды, ведь он еще даже не достиг 25
лет!
48
Однако, не смотря на юный возраст, он сразу же стал известен на
весь Париж, о нем отзывались с восхищением в светских кругах Франции. На его первом показе присутствовало 15 человек – это был успех
для того времени.
Первые модели коллекции Живанши были сшиты из хлопка. Этот
материал впервые был использован для изготовления одежды. Раньше
он использовался лишь на этапе кройки, как побочная ткань. У дизайнера просто недоставало средств на более дорогие ткани, но талант виден
всегда и успех ему был обеспечен благодаря оригинальности фасонов.
Кроме того, Живанши стал отцом-основателем одежды прет-апорте. Считается, что и создание самого термина принадлежит ему. Живанши говорил: «Роскошь имеет будущее только при условии, что она
демократизируется».
С первых дней существования компании главной поддержкой
модельера была Беттина Грациани (Bettina Graziani). Она являлась моделью, пресс-секретарем и лицом Givenchy, по слухам, кроме всего
остального, у них были романтические отношения. Грациани вдохновляла молодого мастера, именно
для нее была создана знаменитая визитная карточка дома Givenchy – «блузка Беттина». Блузка эта
была из самого обычного хлопчатобумажного материала. Однако отличительной чертой нового модного изобретения стали крупные черно-белые воланы не рукавах.
Бренд развивался все быстрее и быстрее. Бутики открылись уже в
Риме, Цюрихе, Буэнос-Айресе.
В следующем, 1953 году события вокруг нового дизайнера продолжали кипеть. Именно этот год прочно и навсегда вошел в историю
модельера, оказал сильное влияние на последующий стиль мастера.
Юбера ждали два самых важных знакомства его жизни. Первым был
Кристобаль Баленсиага (Cristóbal Balenciaga) – испанский дизайнер. Он
стал главным учителем и кумиром Живанши. Однако их связала не только любовь к моде, на долгие годы их соединила любовь… друг к другу.
Баленсиага допускал Живанши ко всем своим коллекциям, находящимся
в стадии разработки.
В 1959 году Юбер решает переехать поближе к своему другу, чтоб их встречи стали ежедневными. Когда Баленсиага закрывал свою компанию, он по-дружески передал Живанши лучших своих
клиентов. Живанши во всем был близок любимому человеку. Когда в 1957 году Баленсиага решил не
пускать журналистов на свои показы, Юбер горячо поддержал его. Это нужно было, чтобы пресса
своим мнением не влияла на покупателей. Новые коллекции становились доступными прессе лишь
через 2 месяца после выхода.
1953 год подарил Юберу де Живанши новую музу. Ею стала начинающая актриса Одри Хепберн (Audrey Hepburn). На все последующие 40 лет он сделалась его главной клиенткой. Познакомились они, когда Хепберн искала костюмы для нового фильма «Сабрина». В числе прочих она пришла и к Живанши. Дизайнер тогда еще не слышал ничего о ней и, когда ему сообщили имя покупательницы, он решил, что это американская актриса Кэтрин Хепберн, просто кто-то ошибся.
“Я ее обожал! Но какой же сюрприз был, когда я увидел юную тростинку, которая попросила меня помочь с дизайном платья для героини!”, - рассказывал модельер впоследствии.
Однако девушка сразу же понравилась Юберу. Он показал ей готовящуюся новую коллекцию,
Одри из нее подобрала все нужные вещи. Так они прославили друг друга.
Одри после выхода фильма стала известной актрисой, а Юбер 4 февраля 1955 года получил
первый свой Оскар как лучший кинокостюмер. Модельер называл актрису воплощением своих представлений о стиле. Она была именно такой женщиной, на которую были рассчитаны все его модели.
Одежда от Givenchy теперь сопровождала Одри во всех ее ролях. «Завтрак у Тиффани», «Забавная мордашка» и другие – вот фильмы, в которых появлялись творения Живанши вместе с великой актрисой. Мировую славу приобрело маленькое черное платье, разработанное Юбером вслед за
Коко Шанель. В этом платье Хепберн была воплощением элегантности в фильме «Завтрак у Тиффани». Но не только в кино они сотрудничали друг с другом, и в обычной жизни Одри была настоящей
поклонницей Givenchy.
49
Одри Хепберн вдохновляла
модельера на новые подвиги, как
средневековая дама вдохновляла
рыцаря. Ей был посвящен самый
первый парфюм французского бренда, который назывался «L’Interdit»
(«Запрещенные»). Он открыл собой
линию «Parfums Givenchy», которая
продолжилась ароматами «Vetiver»,
«Le De» и «Monsieur de Givenchy».
Кроме Одри Хепберн были и
другие звездные поклонницы неповторимого стиля Живанши. Постоянной клиенткой
Кутюрье была
Грейс Келли. В 1961 году, когда она приехала в Вашингтон, то поразила общественность невероятно
элегантным платьем и жакетом изумрудного цвета от Givenchy.
Еще одна икона стиля – Жаклин Кеннеди также предпочитала одежду этого французского модельера. Даже на похороны мужа она пришла в очень стильном черном платье, разработанным специально для нее Юбером де Живанши.
Герцогиня Виндзорская и баронесса Ротшильд, Грета Гарбо и Марлен Дитрих были его почетными клиентками.
Модельер в более поздние годы начал ставить творческие эксперименты. Например, разработал коллекцию молодежной одежды в спортивном стиле для двух журналов: «Glamour» и
«Seventeen». Он готовил костюмы для постановок Большого театра, оформлял интерьер сети отелей
«Хилтон» и автомобилей «Линкольн». Одежду от Живанши носила даже такая великая модница как
кукла «Барби».
Кутюрье был избран почетным представителем Дома аукционов Christie’s в Париже.
В парфюмерной истории модельера и его бренда после выхода первых ароматов произошел
долгий перерыв. Только в 1970 году она возобновилась парфюмом «Givenchy III» – третий аромат
для женщин от компании Givenchy. Интересны эти духи еще и тем, дизайн флакона разрабатывал
Пьер Динан (Pierre Dinand) – самый известный дизайнер флаконов современности.
1973 год – Живанши, наконец, дебютирует как дизайнер мужской одежды.
1974 год – выходит мужской аромат «Givenchy Gentleman». То же название и у коллекции
мужской одежды этого бренда.
Затем были выпущены такие мужские и женские ароматы, как «Ysatis» и «Xeryus».
В 1988 году Юбер де Живанши решает продать свою компанию крупной международной корпорации LVMH (Louis Vuitton Моеt Hennessy). На тот момент компании LVMH уже принадлежали
такие известные бренды как «Louis Vuitton», «Christian Dior», «Celine» и «Christian Lacroix». Сам
Кутюрье продолжает создавать новые коллекции и ароматы для женщин и мужчин.
В 1995 году Живанши решает покинуть высокую моду и уйти на покой. В июле этого года
прошел последний показ легендарного мастера. Новое руководство бренда им созданного посчитало,
что стиль Живанши сильно устарел, и его пора менять кардинальным образом. Юбер сказал тогда:
«Необходимо знать, когда пора остановиться. В этом мудрость».
Когда Живанши покинул свой дом моды, его место занял Джон Гальяно (John Galliano), однако пробыл на этом посту недолго и ушел всего через 1,5 года. В конце 1996 года во главу компании
встал Александр МакКуин (Alexander Mc Queen), он пробыл до 2001 года, пока на его место не пришел Жюльен Макдоналд (Julien Macdonald), которого в свою очередь сменил Освальд Ботенг
(Ozwald Boateng). Успехов Юбера Живанши на этом поприще повторить пока никому из них не удалось.
Основатель бренда Givenchy занялся работой в свое удовольствие. Сначала он организовал
выставку в честь дорогого ему Баленсиаги, затем участвовал в восстановлении королевских садов
Версаля. В январе 2007 года Юбер разработал дизайн двух почтовых марок, выпущенных ко Дню
Святого Валентина французской почтой. Он уже давно перестал интересоваться высокой модой и
работой дома Givenchy в частности. Его не устраивает современное положение дел, Юбер де Живанши никогда не принимал эпатажа и несдержанности в одежде. Собственный его стиль является
50
общепризнанной классикой. Отличительной чертой одежды Живанши была аристократичность.
Изящество, простота, безукоризненность, четкость линий – вот, что было для него смыслом творчества. Самое известное высказывание модельера гласит:
«Мода – это умение одеться так, чтобы пройти по улице незамеченным».
Имя этого великого модельера стоит в одном ряду с такими классиками моды как Кристиан
Диор и Коко Шанель. Его особый стиль и талант уже обеспечили мастеру бессмертие. Его творения
отличаются необычайной простотой и строгостью, вместе с тем они женственны и элегантны. Главное для дизайнера – это ткань. Все его шедевры основаны на материале и на линиях кроя, декор идет
в последнюю очередь. Свои коллекции он создавал для женщин с врожденным чувством стиля и элегантности, дизайнер придерживался взгляда, «что элегантности достичь невозможно, с нею необходимо родиться».
Веб-сайт: www.givenchy.com
Луи Феро (1921 - 1999)
Луи Феро решился выпустить свою первую коллекцию в 1955
году. По образованию пекарь, он открыл со своей первой женой бутик
в Кане, и это предприятие имело успех. Его коллекцию отличали яркие
цвета, типичные для его средиземноморской родины - Феро родился в
1921 году в Арле - и для его увлечения испанскими и индийскими мотивами. Покупательницы приняли его рюши на декольте и цветочные
узоры с такой же готовностью, как перед этим кинозвезды и «звездочки» на Лазурном берегу. Кстати, самой известной среди них
была Брижит Бардо. Каждое платье, которое она
покупала у Феро, копировали сотни раз.
Даже голливудские звезды, приехав на Каннский фестиваль, одевались у него: Ингрид Бергман,
Лиз Тэйлор, Ким Новак, Грейс Келли. Популярность Феро среди актрис была так
велика, что он шил костюмы более чем для 20 фильмов, в их числе Жизнелюбие и
пристрастие к ярким расцветкам сделали Феро кумиром звезд на Лазурном берегу. Вот одна из самых знаменитых его покупательниц Брижит Бардо в сексуальном платье-футляре 1959 года. После того как Феро переехал в Париж, его мода
стала строже. Этот брючный
костюм с круглыми прорезями внизу - в стиле 60-х годов «В случае несчастья»
(1953) с Брижит Бардо и
Жаном Габеном. Случайно
его коллекцию в Париже
увидел японец Олег Кассини, получивший мировую
известность как кутюрье
Жаклин Кеннеди. Ему понравилась беззаботная мода
от Феро, и он решил заключить с ним контракт. Вскоре
модели Феро продавались по
всему миру. Слава пришла
даже чересчур быстро. Феро
начал разъезжать по свету в
поисках всего нового и невиданного. В конце концов,
он приобрел имение на гра51
нице Парагвая и Бразилии, где создал большую часть своих коллекций. Конечно, в его работы проникали экзотические влияния. Феро увлекался пышными, пестрыми расцветками тканей, которые
ему разрабатывали в особом ателье. Из этих материалов он создавал необычные, даже дерзкие композиции. Поскольку его вещи особенно эффектно смотрелись на цветных женщинах, он первым пригласил на работу черных манекенщиц. Это вызвало сенсацию, и у Феро появилось много последователей.
Валентино (1932)
Тот, кто делает моду, всегда стремится в Париж. Но в 50-е годы
мода оборонялась от непрошеных гостей. Итальянцу Валентино удалось прорваться в этот круг, потому что он в 1950 году приехал в Париж получать образование. Впоследствии он стал известен всему миру. Он посещал курсы в Синдикате высокой моды, занимался танцами,
восхищался театром. На моду пал окончательный выбор, когда Валентино выиграл конкурс Международного секретариата по шерсти. Кстати, такая же победа впоследствии положила
начало карьере Карла Лагерфельда и
Ива Сен-Лорана.
Валентино 5 лет работал у Жана
Дессе, пока не последовал примеру Ги
Лароша, основавшего в 1957 году свой
собственный дом моды. Не успел Валентино прославиться как выдающийся
создатель дорогостоящей элегантности, как в 1968 году он представил
юную и современную «белую коллекцию», которая считается вершиной его творчества. На базе этой коллекции он создал свадебное платье для Жаклин Онассис. Фирменным знаком Валентино стал яркий
оранжевый цвет вечерних платьев. С 1968 года у Валентино появился собственный бутик в Париже,
и там он представил в 1975 году свою коллекцию Pret-a-porter.
В течение сорока с лишним лет синьор Гаравани, больше известный как Валентино, является
некоронованным королем итальянской моды, считаясь одним из самых роскошных дизайнеров мира.
Его великолепные вечерние платья носили Жаклин Кеннеди, Фара Диба, Элизабет Тэйлор, Джулия
Робертс и Дженнифер Лопес. Вещи с классическим логотипом "V" - предмет вожделения модниц
всего мира.
Похоже, что Валентино Гаравани (Valentino Garavani) - один из немногих гениев прошлого
века, который, несмотря на свой достаточно зрелый возраст, не собирается следовать по стопам своих коллег и оставлять модный бизнес. Мастер родился в Италии в 1932 году, и вскоре академия искусства в Милане обрела одного из самых преданных учеников. Молодой человек с энтузиазмом
изучал дизайн и прилежно занимался французским языком в надежде покорить город, который по
меткому замечанию одного из королей Франции "стоит мессы".
В 17 лет начинающий модельер отправился на завоевание Парижа. Любопытно, что параллельно с занятиями в школе моды, Валентино Гаравани (Valentino
Garavani) с удовольствием осваивал сложное искусство танца, а по
вечерам пропадал на театральных спектаклях. Однако, в конце
концов, его воображение полностью захватила революция, происходившая в мире моды.
Поработав в качестве ассистента в Домах Моды Жана Десса и Ги Лароша, в 1960 году Валентино возвращается в родные
пенаты с твердым намерением бросить вызов безраздельному господству французского кутюра. Несмотря на то, что предприятие
выглядело почти безнадежным, представление первой же самостоятельной коллекции мастера в 1962 году во Флоренции расставило все точки над i. Энтузиазм прессы и огромный интерес пуб52
лики ясно дали понять, что на модном
небосклоне взошла новая яркая звезда.
Своим успехом Валентино Гаравани (Valentino Garavani) не в последнюю
очередь обязан Элизабет Тэйлор, одной из
первых обратившей внимание на талант
молодого итальянца. Вскоре к ней присоединились Жаклин Кеннеди и принцесса
Маргаретт. В конце 60-х годов Валентино Гаравани (Valentino Garavani) встретил Джанкарло Джиамметти, который покидает университет, где он изучал архитектуру, для того чтобы стать полноправным деловым партнером своего друга.
Сотрудничество этих двух, несомненно, талантливых людей дало великолепные результаты и
обеспечило быстрое создание настоящей международной империи: создание бутиков в Европе, США
и Японии, открытие Академии Моды в Риме, финансовая поддержка ассоциации по борьбе со СПИДом. В 1967 году маэстро создал так называемую "белую коллекцию", в которой впервые появляется
знаменитый логотип "V". Примерно в то же время журналы всего мира публикуют фотографии великолепного кружевного миниплатья, в котором Жаклин Кеннеди вышла замуж за миллиардера Аристотеля Онассиса.
Мужская и женская коллекции прет-а-порте "от Валентино" становятся символами женственности и роскошной жизни. А в 1978 году на свет появляется собственный парфюм мастера, который
торжественно представляет Михаил Барышников после премьеры "Пиковой дамы" в Театре на Елисейских полях. В 1991 году, отмечая тридцатилетний юбилей своей карьеры, модельер устроил один
из самых пышных приемов в истории модной индустрии, на котором присутствовали Элизабет Тэйлор, Нэнси Киссинджер и Джина Лоллобриджида.
Валентино Гаравани (Valentino Garavani) было что праздновать: его роскошные костюмы стали непременным атрибутом оскаровских вечеринок, в платьях "от Валентино" выходили замуж Элизабет Тэйлор, Джекки Онассис, Кортни Кокс и Дженнифер Лопес. В
1998 году крупнейший итальянский холдинг Partecipazioni
Industriali приобрел модную империю Валентино, создав на ее основе новую группу компаний по производству предметов роскоши.
В результате модельер и его давний деловой партнер стали богаче
на 211 миллионов фунтов стерлингов.
В 2002 году новым владельцем компании стал холдинг
Marzotto, включающий также лейблы Hugo Boss, Marlboro Classic, Gian franco Ferre Studio и M
Missoni. Фирменный стиль кутюрье можно охарактеризовать лишь одним словом "роскошь". Тщательная обработка деталей, великолепная вышивка, элегантный крой стали символами итальянской
моды. С самого начала своей карьеры Валентино Гаравани (Valentino Garavani) твердо заявил о своем
намерении воздать должное женственности и подчеркнуть женскую чувственность.
"Я не думаю, что мужчины жаждут увидеть рядом с собой женщину, одетую как мальчишка",
- однажды заявил мастер. Даже в эпоху безраздельного господства мини модельер продолжал покорять мир своими длинными юбками, контрастными черно-белыми расцветками и пристрастием к роковому красному цвету. Лучшим олицетворением стиля "от Валентино" является сам дизайнер.
Его дома в Нью-Йорке и на острове Капри, его вилла в Риме и 43-метровая яхта, знаменитые
друзья Валентино Гаравани (Valentino Garavani) и ослепительный образ жизни свидетельствуют
лучше всяких слов: этот человек умеет наслаждаться жизнью, и желает подарить частичку этого чувства всем женщинам, для которых он создает прекрасную одежду.
Его логотип "V" известен во всем мире. Его эксклюзивные наряды носили такие легендарные
женщины, как Жаклин Кеннеди, Farah Diba и Элизабет Тейлор. Валентино Гаравани (Valentino) родился в городке Вогера (северный пригород Милана) 11 мая 1932. Талант и выдающийся артистический темперамент проявились у Валентино еще в старших классах школы. Тогда же он впервые заинтересовался модой. Юный Валентино рано понял свое предназначение и стал брать уроки дизайна
модной одежды и французского, готовясь к переезду в Париж.
Первый шаг к осуществлению мечты будущий кутюрье сделал в семнадцать, когда прибыл в
столицу мировой моды и творчества. После нескольких лет ученичества в Модных Домах Jean Desses
53
и Guy Laroche в начале 60-х Валентино (Valentino) вернулся в Рим, где открыл собственное ателье в шикарных апартаментах на Via Condotti. Великий
Феллини воспел это время в «Сладкой жизни» - звезды Голливуда то и дело
приезжали в Рим, ставший одной из крупнейших киносъемочных площадок
мира, и становились завсегдатаями ателье Валентино, которое быстро приобрелопопулярность в кругах «богатых и знаменитых».
Дебют маэстро на международной сцене состоялся только в 1962 году
во Флоренции, в то время модной столице Италии. Первый показ его одежды
с триумфом прошел в Pitti Palace и стал настоящим откровением для ценителей моды - на молодого дизайнера немедленно посыпались заказы от иностранных заказчиков. Пресса приняла новую звезду моды с восторгом.
Конец шестидесятых ознаменован судьбоносной встречей с Giancarlo
Giammetti, студента архитектурного факультета, который оставил учебу в
университете и на долгие годы стал деловым партнером Валентино. Предпринимательский гений
Giammetti впоследствии сыграл огромную роль в распространении творений Валентино по всему
миру и в немалой мере обеспечил успех его Модного Дома Valentino.
Валентино (Valentino) - на гребне успеха.
Знаменитая «Белая коллекция» (White Collection) Валентино
увидела свет в 1967 вместе с легендарным логотипом "V". Дизайнер
становится полновластным королем моды. Белое кружевное миниплатье, созданное им для свадебной церемонии Жаклин Кеннеди и
Аристотеля Онассиса, украсило обложки журналов во всем мире и
подняло Валентино на недосягаемую высоту. К 1972 он уже выпустил
коллекции готовой одежды для женщин и мужчин и открыл первые
бутики в Риме и Милане. Коллекция одежды для молодежи получила название Oliver (в честь любимой собаки Валентино). В дальнейшем кутюрье расширил ассортимент продукции с фирменным логотипом "V" - ему удалось найти успешное применение всем своим идеям и воплотить самые смелые
замыслы в разных секторах моды (галстуки, рубашки, аксессуары, джинсы) и дизайна помещений
(текстиль, плитка, мебель и обои). В 1978 итальянский маэстро выпустил собственный парфюм, презентация которого состоялась на гала-праздновании в Париже, где приглашенная звезда Михаил Барышников станцевал партию из «Пиковой дамы» Чайковского.
Закономерным продолжением модной экспансии Валентино стало открытие сети магазинов в
США и Японии. 1989 год ознаменован основанием Academia Valentino - культурного центра, расположенного неподалеку от римского ателье Валентино. Сегодня там
проходят многие примечательные культурные события, в частности,
художественные выставки. Год спустя при содействии своей подруги
Элизабет Тейлор Валентино Гаравани и Giancarlo Giammetti основали
ассоциацию поддержки больных СПИДом L.I.F.E., финансирование
которой осуществляется за счет поступлений от Accademia Valentino.
Valentino – всемирно известный модный Дом. Его создателем
стал итальянский дизайнер Валентино Гаравани (Valentino Garavani).
Этот человек был признан общественностью настоящим королем моды. Еще ни один дизайнер не одевал столько известных личностей, как он. Марка Valentino уже более полувека является олицетворением ведущих тенденций в мире высокой моды.
История бренда.
Фирменный логотип компании Valentino в виде большой буквы «V» известен всему миру.
Главная черта бренда – это использование элитных материалов в сочетании с превосходным дизайном и роскошной отделкой.
Полное имя основателя бренда – Валентино Клименте Людовико Гаравани (Valentino
Clemente Ludovico Garavani). Он родился в Ломбардии, на севере Италии 11 мая 1932 года. Увлечение модой у молодого человека началось в старших классах. Он тогда жил в своем родном городе
Вогера и учился в местной школе. Именно в это время родители отдали мальчика в мастерскую городской портнихи Эрнестины Салвадо (Ernestina Salvadeo), где работала тетушка Валентино. Там он
пробыл подмастерьем до 17 лет.
В этом возрасте юноша самостоятельно уезжает в Париж без всякой поддержки со стороны
54
родителей. Он давно уже мечтал покорить мир моды. В столицу Франции он едет, имея конкретную
цель – самому стать известным модельером одежды.
Специально ради этого юноша в совершенстве
овладел французским языком, которого раньше вообще не знал. Там Валетино поступает учиться в
Парижскую школу изящных искусств, затем учится
при Синдикате Высокой моды.
Дизайнерскую карьеру он хотел начать в мастерской
знаменитого Кристобаля Баленсиаги
(Cristóbal Balenciaga), но его не туда взяли. Поэтому
он пошел в салон Жана Дэссе (Jean Desses), где завязалась его дружба с другим начинающим дизайнером Ги Лярошем (Guy Laroche). Большинство эскизов, сделанных Валентино в те годы, до наших
дней не дошло.
Через 5 лет молодого дизайнера увольняют из Дома Desses за слишком долгий отпуск, и по
настоянию родителей он уезжает обратно в Италию. В 1959 году будущий дизайнер поселяется в Риме. Из Парижа Валентино возвращается на родину не один, с ним едет его любовник Жерар Нанти
(Gerar Nanti), активный приверженец светского образа жизни. По прибытии они открывают модный
дом на улице Via Condotti, одном из самых роскошных мест Рима.
Валентино во всем старается следовать парижским традициям. Однако целью его было противостоять господству французского кутюра в мире моды. Первый показ он провел с настоящим размахом, манекенщицы специально прилетели из Парижа для участия в нем. Именно тогда модельер создал свои красные платья, которые подарили ему невероятную славу. Кутюрье использовал особый
ярко-красный оттенок, который с тех пор стал называться «Красный Валентино».
«Красный – самый лучший цвет, – Утверждает дизайнер, – Он подходит любой женщине, просто нужно помнить, что существует более 30 разных оттенков красного».
В 1960 году состоялось знакомство Валентино и Джанкарло Джамметти (Gankarlo Gammetti),
ставшее для обоих судьбоносным. Они случайно встретились 31 июля в одном из римских кафе под
названием Via Veneto. Джанкарло тогда был студентом архитектурной школы, ему было всего 20 лет.
«Терраса была забита, и Валентино спросил у меня разрешения подсесть к моему столику. Я
с трудом представлял, кто он, и это притом, что все газеты были забиты сообщениями о
кутюрье-вундеркинде, приехавшем из Парижа», - так впоследствии Джанкарло рассказывал об их
первой встрече.
На вопрос, было ли это любовью с первого взгляда, Валентино всегда отвечал:
«Да что вы! Мне просто нужно было куда-то сесть».
Действительно, через какое-то время между ними завязываются романтические отношения.
Свое обучение Джамметти вскоре решил бросить, чтобы стать деловым партнером Валентино. Вместе они занимаются решением проблем ателье, которых к тому времени накопилось немало. Дом моды был почти банкротом. Такое положение дел не помешало Джанкарло настоять на захвате мирового рынка моды.
Джанкарло Джамметти был генеральным директором модного Дома Valentino с 1962-го по
1998 год. Под его управлением компания стала ведущим мировым брендом в сфере производства
роскоши.
В 1962 году произошел первый международный дебют марки Valentino во Флоренции, которая тогда была избрана итальянской столицей высокой моды. После успешного показа коллекции
Gotha дизайнер получил огромное число заказов из разных стран, он был признан новой восходящей
звездой моды. Все газеты посвятили ему свои первые полосы.
В 1968 году модельер выпускает еще одну свою легендарную коллекцию, которая полностью
выполнена в белом цвете, а каждое изделие украшено буквой «V» – новым логотипом компании. Теперь Валентино стал подлинным законодателем итальянской моды.
1967 год – Валентино был удостоен премии Маркуса Неймана (Neiman Marcus). Это одна из
самых престижных наград мира моды, по значимости для модельера она может сравниться только с
«Оскаром» для режиссера.
Валентино одевает самых известных женщин мира – сестру английской королевы принцессу
55
Маргарет (Margaret), Одри Хепберн (Audrey Hepburn), императрицу Ирана Фару Диба (Farah Diba),
Элизабет Тэйлор (Elizabeth Taylor) и других. Тэйлор, кстати, была одной из самых первых поклонниц
итальянской марки, эта актриса во многом способствовала росту популярности Valentino.
В сентябре 1964 года проходил показ новой коллекции от Valentino в США. На работы дизайнера впервые обратила внимание Жаклин Кеннеди (Jacqueline Kennedy), вдова убитого незадолго до
этого президента. Сразу после презентации она заказала у итальянского мастера шесть платьев черного цвета, чтобы надевать их в качестве траурных нарядов. После этого Жаклин сделалась поклонницей бренда и постоянной клиенткой Дома Valentino. На свадьбе с миллиардером Аристотелем
Онассисом (Aristotelis Onassis) на ней было платье именно этой марки. Журналы всего мира растиражировали фотографию Жаклин в необычайно красивом белом кружевном мини-платье.
В 1969 году начинают активно открываться бутики компании Valentino во многих городах мира. Первый появился в Милане.
В 70-е годы Валентино большую часть своего времени проводит в Нью-Йорке. Здесь он близко сошелся с Дианой Вриланд (Diana Vriland) – главным редактором американского Vogue, и знаменитым художником Энди Уорхолом (Andy Warhol).
В 1971 году Валентино открыл свой первый бутик мужской одежды в Риме на Via Condotti.
1976 год – бутик Valentino появился в Токио.
В 1982 году в свет выходит книга, написанная кутюрье о своей жизни, она так и называется –
«Valentino», редактором ее стал Франко Риччи (Franko Ricci). В этом же году дизайнер показал новую коллекцию осень-зима в музее Метрополитен в Нью-Йорке.
В 1983 году начинается сотрудничество итальянского модного бренда и американского производителя автомобилей Lincoln Continental. В результате было выпущено несколько уникальных моделей с применением оригинальных красок. В этот ряд вошли автомобили Lincoln 83-его, 84-го и 85го годов выпуска.
В 1989 году Валентино торжественно открыл Академию моды, названную его именем. Располагалась она неподалеку от мастерской дизайнера в Риме, и предназначалась для разнообразных выставок и презентаций. Проект здания был разработан архитектором Томасом Зиффером (Tomas
Ziffer).
1990 год – компанией Valentino был учрежден благотворительный фонд L.I.F.E. Его работа
была направлена на борьбу со СПИДом по всему миру.
Через год мэр города Рима лично организовал выставку, посвященную 30-летию модного
бренда, называлась она – «Валентино: 30 лет Волшебства».
В 1996 году модельер удостоился государственной награды «За заслуги в труде».
Новый период.
1998 год – компания Valentino была продана за 300 миллионов долларов. Новым владельцем
стал крупный итальянский концерн Partecipazioni Industriali, которому также принадлежала автомобильная марка Fiat. Во главе конгломерата стоял Джованни Аньели-младший (Govanni Anieli).
В 2002 году бренд был вновь продан, на этот раз текстильному гиганту из Милана Marzotto
Appareli. Этому холдингу принадлежат также такие известные марки как Hugo Boss, Gianfranco Ferre
Studio, Marlboro Classic и M Missoni. Оборот Valentino тогда составлял 180 миллионов долларов в
год. Сам дизайнер продолжал трудиться в созданной им компании до 4 сентября 2007 года. Именно
тогда он принял решение навсегда покинуть модный бизнес. Через месяц в Париже состоялся прощальный показ Валентино. Модельер представил коллекцию женской одежды под названием Readyto-wear. Дизайнер ушел на покой в блеске славы.
В 2004 году компания Valentino впервые взялась
за продажу косметики под своим именем. Эта линия сначала включила в себя товары для женщин, потом началось производство мужской парфюмерии.
24 января 2007 года Валентино получил почетную
Медаль Парижа за свою работу на благо города.
Кроме дизайна одежды модельер увлекался коллекционированием. В принадлежащих ему домах по всему миру собраны разнообразные предметы искусства –
работы Пикассо, Херста, Бальтюса и многих других.
Сегодня марку Valentino выбирает большинство
56
голливудских звезд. Например, Джессика Симпсон (Jessica Simpson), Кэтрин Хейгл (Katherine Heigl),
Камила Белль (Camilla Belle), Молли Симс (Molly Sims), Дженифер Лопес (Jennifer Lopez), Джулия
Робертс (Julia Roberts) и многие другие знаменитости.
P.S. Мастер, различавший тридцать оттенков красного, покинул трон короля моды, осознав,
что сделал для нее все, что мог - от свадебного платья Джекки Онассис до свадебного наряда Джей
Ло. После стольких лет, проведенных среди модников и модниц, маэстро предпочел скоротать старость в компании своих любимых мопсов.
Пьер Карден (1922)
Французский дизайнер. Родился 2 июля 1922 г. в Италии, в
городе Сан Андреа да Барбара. Получил архитектурное образование
в Сэйнт-Этьен во Франции.
Во время Второй Мировой войны служил в Красном Кресте.
1936-40 – работал бухгалтером и помощником портного в
Виши;
1939 – там же учился у мужского портного Манби;
1945-46 – был ассистентом модельеров, работавших на дома
моды мадам Пакуин и Эльзы Скиапарелли в Париже;
1946-50 – возглавляет мастерские Дома моды Кристиана Диора в Париже;
1946 – начинает разрабатывать костюмы для кино;
1947 – помогает разрабатывать New Look;
1950 – становится директором и главным конструктором Дома моды Пьер Карден в Париже;
1951 – представляет первую коллекцию;
1958 – осваивает японский рынок высокой моды.
1959 – представляет первую коллекцию prêt-a-porter;
1968 – появляются собственные ткани Cardine;
1969 – представляет детскую коллекцию;
1970 – создаёт Espace Cardin;
1996 – устраивает специальный показ в Атланте, приуроченный к Олимпийским играм;
1998 – представляет аромат Orphee;
2000 – в честь Пьера Кардена назван новый культурный
центр во французском Сент-Уан.
Пьер Карден на протяжении всей своей карьеры проявлял
незаурядные предпринимательские навыки. В связи с этим, он
стал не только одним из самых богатых дизайнеров, но и человеком, чьё имя стало нарицательным. Карден – это глобальное
явление. Именно он стал первым дизайнером, начавшим освоение рынков Японии, Китая, России и Румынии, называя своим
именем сотни вещей, от галстуков и будильников до белья и
сковородок.
Пьер Карден был первым дизайнером, который смог понять истинные возможности бизнеса в мире моды. В 1959 г. он
начинает выпускать вещи категории prêt-a-porter. Этим поступком он шокировал Chambre Syndicale – главный контролирующий орган высокой моды в Париже. Его действия были расценены, во-первых, как попытка сделать элитную дизайнерскую
одежду более доступной, и, во-вторых, открыть глаза на реальное положение вещей в сфере модного бизнеса. Всё это повлекло исключение Кардена из рядов Chambre Syndicale.
57
Пьер Карден всегда был заинтересован
в качественном покрое и производстве. Отличное качество и по сей день является его товарным знаком. Одежда от Cardin минималистична, изысканно сшита, имеет причудливые
формы и дополнена различными аксессуарами.
Основной упор сделан на шерсть и трикотаж.
Начиная с платья «баллон», продолжая платьями-рубашками и заканчивая серией кринолинных платьев, Пьер Карден как бы двусмысленно выделяет наиболее примечательные
формы тела.
Технический прогресс, достижения науки и техники были выражены в его коллекции Space
Age в 1964 г. Он представил белые трикотажные чулки, гербовые накидки, носимые поверх леггинсов, и «трубчатые» платья. Был очевиден интерес Кардена к искусственным волокнам. В 1968 г. он
создал свою собственную ткань Cardine. Основными её составляющими были ультрапрочные волокна с вкраплениями различных геометрических узоров.
Весьма любопытны асексуальные проекты Пьера Кардена для женщин. В них при помощи
различных конусов, очертаний, вырезов и лепных украшений, был сделан акцент на женской груди.
Точно так же, с помощью его асексуальных мини, акцентировались ноги. Эксперименты с перфорированием, которыми Пьер Карден был увлечен в 1960-х, в 1970-х сменились использованием более
легких материалов, таких как джерсовая ткань, методов «Sunray» и плиссирующего гофрирования.
На передний план выходят спирали, вытесняя геометрические узоры. Становятся популярными волнующие вечерние наряды из слоистого и печатного шифона.
Пьер Карден был первым дизайнером, который в
послевоенные годы бросил вызов лондонскому Savile
Row. Невероятную популярность приобретают пиджаки
без воротников, которые застёгивают на все пуговицы.
Нечто подобное носили Битлз. Очень многие начинают
носить такие пиджаки с водолазками, что выглядит
весьма свежо и стильно. Карден убирает воротники и
оставляет карманы, тем самым отступая от традиционных веяний. Всё это делается с целью создания нового
мужского стиля. С тех пор мужской костюм, который
всегда являлся традиционным, становится частью мира
высокой моды.
Возможно, в последние годы влияние Кардена как модельера несколько снизилось. Дизайнер
считает, что изобретательность и талант часто недооценивались. В выступлении перед студентами
американского колледжа в Атланте в июле 1996 г. он сказал:
«Я могу проектировать всё, от стульев до шоколада, но мода – всё ещё моя первая любовь. Вы
можете сделать что-то классическое, что-то красивое, но это – только хороший вкус. Истинный талант должен сопровождаться элементами шока; 30 лет назад я сделал чулки чёрного цвета, и все решили, что они уродливы. А вот теперь эти чулки стали классическими».
К концу 2000 г. Пьер Карден начал искать покупателя для своей империи. Он отклонил предложения от французского гиганта LVMH, так же как и от Gucci, желая найти кого-то, кому он будет
безгранично доверять, и кто не только сохранит целостность бренда, но и позаботится о его многочисленных служащих.
«Я не становлюсь моложе», – сказал он Women’s Wear Daily 5-го декабря 2000 г. «У меня нет
никаких наследников, и я хочу гарантировать, что моя компания продолжит существовать и в будущем. Пока что я не нуждаюсь в продаже; я всё ещё встаю и работаю каждый день. Но если я хочу гарантировать своим служащим, что они не останутся без работы, я должен начать планировать будущее компании уже сейчас».
58
Выставки
1990-91 — Пьер Карден: прошлое, настоящее и будущее,
Victoria & Albert Museum, Лондон.
Награды
1963 — награда Sunday Times International Fashion,
Лондон;
1977, 1979, 1982 — награда Dé d’Or;
1983 — присвоен титул «Шевалье Почетного Легиона»;
1985 — Оскар моды, Париж;
1988 — награда Foundation for Garment and Apparel Advancement, Токио;
1988 — присвоено звание «Кавалер Почётного Ордена»,
Италия;
1991 — назначен почетным послом ЮНЕСКО.
Официальный сайт: www.pierrecardin.com
Пако Рабанн (1934)
Пако Рабанн родился 18 февраля 1934 года в баскской части
Испании в городе Сан-Себастьян.
Нет ничего удивительного в том, что этот человек стал объектом повышенного внимания:
вся его долгая карьера в мире моды и искусства была и остается
чередой бесконечных провокаций.
Детство Пако Рабанне прошло в обществе крайне религиозной бабушки, не чуждой оккультизму, матери - видного деятеля
испанской Социалистической партии и абсолютной атеистки, и отца, рано покинувшего мир из-за нежелания расстаться с республиканскими убеждениями. Столь неоднозначное окружение предопределило развитие в юном Пако Рабанне тех качеств, которые
пригодились ему в дальнейшей жизни: терпимости, убежденности в
том, что у реальности много граней, щедрости, заботе об окружающих и открытости миру.
В 1952 Пако Рабанн поступил в Национальную школу художественного искусства, на архитектурное отделение.
Чтобы оплачивать учебу, он делал модные аксессуары, пуговицы для Дома Баленсиага (не без
влияния матери: в Испании она работала главным ассистентом у Кристобаля Баленсиаги). Постепенно он перешел на другие аксессуары - создавал сумочки, украшения и пояса ля Юбера де Живанши,
Кристиана Диора, Ива Сен-Лорана. И это далеко не полный перечень имен известных дизайнеров, с
которыми сотрудничал и дружил Пако Рабанн.
В начале 60-х годов в искусстве произошли значительные изменения. Стало модным «Оптическое» и «Кинетическое» искусство. Архитекторы, отвернувшись от камня, обратились к металлу,
живописцы - к неону. Эти революционные изменения в искусстве вдохновили Пако Рабанна на создание собственной коллекции.
Так, в феврале 1966 г. Рабанн представил двенадцать экспериментальных платьев, которые
можно делать из современных материалов - пластика и металла. Эти конструкции были собраны при
помощи пассатижей и паяльной лампы. Вдохновленный авангардным движением художников Dada
Пако Рабанн захотел стать начинателем моды, которая бы шла в разрез традициям. Необычные произведения Пако Рабанн продемонстрировали на подиуме чернокожие манекенщицы. Первая коллекция вызвала шок у публики, но принесла Рабанну признание в среде модных дизайнеров Парижа.
В 1966 году Рабанн создал бумажные платья - так родилась идея одноразовой одежды. В1968
году появились вязаный мех и алюминиевое джерси. Для платьев 1988 году дизайнер использовал
лазерные диски. «Днем ее одежда должна определять деловой скоростной образ жизни. Вечером подчеркивать величие и женственность богини», - говорил в конце 80-х Пако Рабанн. Для достижения вечернего эффекта Пако Рабанн играл со светом и прозрачностью, используя сверкающие на теле
59
отражающие и микрокристаллические материалы.
Вскоре Пако Рабанн бросается в другую авантюру - в мир ароматов. В 1969 г. созданный им аромат
‘Calandre’ становится сенсацией. Названный в честь
автомобиля, флакон с металлическим ободком ассоциировался с нью-йоркской архитектурой, а общепринятому основному лимонному тону ароматов той
эпохи Рабанн предпочел аромат кипариса. Затем появились ‘PacoRabannePourHomme’ в 1973 году,
‘Metal’ (1979 год), ‘LaNuit’ (1985 год), ‘Sport’ и его
вариации (1986 год), ‘Tenere’ (1988 год). В 1993 году
XS (Excess Pour Homme) - аромат 90-х – для дерзкого, желанного и чувственного мужчины.
Этот аромат по сей день пребывает в списке самых покупаемых мужских туалетных вод.
Многочисленные награды Пако Рабанне свидетельствуют о международном признании его
искусства: приз ‘Beauty Products Industry’ - за ‘Calandre’ (1969 год), Оскар «Фонда ароматов»
(Fragrance Foundation Recognition Award) - за композицию и упаковку ‘Paco Rabanne Pour Homme’
(1974 год), «Золотая игла» - за коллекцию Haute Couture (1997 год), награда за вклад в моду на Первом Международном фестивале моды (1985 год), «Золотой наперсток» (1990 год), Пако Рабанн также
стал Кавалером «Ордена почетного легиона» во Франции, а в 1992 году удостоился высокой чести
представить ретроспекцию своих работ королевскому Двору Испании на выставке в Севилье.
В течение многих лет творения Рабанна выставлялись в лучших музеях мира в Нью-Йорке,
Токио, Париже, были представлены на фестивалях и ярмарках в Монреале,
на Капри, в Милане.
В 1989 году в знак признания его таланта и за активный вклад в
многочисленные гуманитарные проекты Пако Рабанн был награжден высочайшим орденом Испании «Орденом Изабеллы Католической».
Страстный ценитель культуры, Пако Рабанн вкладывает силы и
средства в открытие культурных центров, в издание журналов. В его костюмах снимались актеры фильмов «Казино Royal», «Барбарелла», «Искатели приключений» и других, такие, как Урсула Андерс, Джейн, Франсуаза Харди, Брижит Бардо, Одри Хепберн, Патрисия Каас.
В своей первой книге «Траектория», вышедшей в 1991 году, Пако
Рабанн отражает все свой глубочайшие убеждения с энтузиазмом и искренностью. Книга стала бестселлером и разошлась тиражом более 500
000 экземпляров. Вскоре появилась вторая – «Конец времен», в которой он
призвал человечество к более глубокому проникновению в суть вещей и
нравственных ценностей, к заботе о ближних. В 1994 году Пако Рабанн написал новую книгу
«Настоящее время: дорога посвященных» - личный путеводитель, рассказывающий о том, как стать
более светлым и искренним в наш изменчивый век.
1999 год стал одним из самых ярких в творчестве Пако Рабанне. Он ознаменовался, прежде
всего, выходом его книги «Небесный огонь», в которой ведется рассказ о катастрофах современного
мира; с одной стороны, довольно пессимистичным произведением, но с точки зрения автора - открывающим глаза читателей на возможности человечества. Вторым знаменательным событием стало появление нового аромата от Пако Рабанна ‘Ultraviolet’, создающим портрет женщины третьего тысячелетия: сильной, независимой, чувственной.
В 2001 году он создал мужской аромат ‘Ultraviolet Man’.
29 мая 2001 года Пако Рабанн был удостоен чести быть награжденным Золотой медалью
изящных искусств Его Величеством Королем Испании.
Часы Paco Rabanne появились в результате сотрудничества компаний PACO RABANNE и
MONTRES AMBRE SA, лидера на рынке Франции с 2000 года. Для часов характерно сочетание городских традиций, активной и независимой от современности жизненной позиции. Часы принадлежат стилю унисекс, даже если модель представлена в двух размерах. Учитывая то, что проблемы
экологии являются самыми важными проблемами современности, все часы изготовлены из вторичного сырья.
«Простые и четкие формы, крупные и рельефные корпуса характерны как для аналоговых мо60
делей, так и для хронографов. В связи с тем, что мода изменяет свои требования к размеру часов, те
модели, которые когда-то считались мужскими, стали приобретать большую популярность у женщин. Наиболее популярные цвета - коричневый, черный и белый матовый и стальной».
Карл Лагерфельд (1933)
Знаменитый немецкий модельер и фотограф. Признан одним из
самых влиятельных модельеров конца XX века. Известен своим сотрудничеством с модными домами Chloe, Chanel, Fendi. Является владельцем художественной галереи 7L в Париже, а также издательского
дома 7L .
Сам Лагерфельд утверждает, что родился в 1938 году. Мальчик
был поздним ребенком в зажиточной и благополучной семье. Изначально фамилия модельера была Lagerfeldt (Лагерфельдт), однако
позднее он немного изменил ее. Его отцу, Кристиану Лагерфельдту, на
момент рождения сына было 60 лет, матери Элизабет – 42. У Лагерфельда есть две сестры от предыдущих браков родителей.
В 1952 году Лагерфельд переезжает в Париж и поступает в
школу при Синдикате Высокой моды (Chambre Syndicale des couturies),
а в 1955 году он, благодаря своему эскизу пальто, уже выигрывает
конкурс, устраиваемый Международным Секретариатом Шерсти. Среди жюри на тот момент присутствовал известный модельер Пьер Бальмен (Pierre Balmain), который
разглядел в Лагерфельде одаренного дизайнера и пригласил Карла на должность своего ассистента.
С Balmain Лагерфельд проработал до 1958 года, а в 1959-м его приглашают занять место артдиректора в Модном доме Жана Пату (Jean Patou). Для Jean Patou Карл создает по две коллекции
Haute couture в год, однако встречают их прохладно,
поэтому Лагерфельд покидает Модный
дом в 1963. Годом раньше он подписал
контракт с сетью японских магазинов
Isetan, для которой разрабатывает затем
линию мужской и женской одежды.
После ухода из Jean Patou Лагерфельд получает приглашения из Модных домов Франции и Италии. Примерно
в это же время возникает понятие prêt-àporter (готовое для носки), как более простой вариант
Haute couture. В 1963 году Лагерфельд начинает сотрудничать одновременно с Chloe, Fendi, Charles
Jourdan, Krizia. Его целью было создать столько разных типов женщин, сколько возможно.
Присоединившись к модному дому Chloe, Карл Лагерфельд добавил коллекциям легкости,
молодости и женственности. Одежда, представленная на подиуме, состояла из нескольких воздушных слоев тончайшей ткани. По такому принципу модельер создавал блузки, рубашки, безрукавки.
Лагерфельд экспериментирует с декором, фасонами, фактурами: вышивка шелком, кружевные вставки, высокие воротники «а-ля Байрон» (“Byronesque”), обвязывание шарфов вокруг бедер – всё это
отличительные черты творений дизайнера для
дома Chloe.
Для дома Fendi модельер создает знаменитый логотип в виде двух F, одна из которых
перевернута. При Лагерфельде бренд существенно расширяет ассортимент выпускаемой
продукции: появляются сумки, ремни, аксессуары, платья и многое другое.
61
Собственная линия Карла Лагерфельда – Karl Lagerfeld Impression- была основана в 1974 году.
Пять лет спустя он получает приглашение на должность профессора от Венской высшей школы прикладного искусства.
С 1975 года Лагерфельд начинает заниматься парфюмерией и создает свой первый аромат –
Chloé. Позднее модельер выпустит духи KL (1982), KL Pure Homme (1986), Lagerfeld Photo (1990),
Sun Moon Stars (1994) и Jako (1997).
В 1983 году Карл Лагерфельд становится художественным руководителем Модного дома
Chanel, о котором, после смерти самой Коко Шанель, уже почти успели забыть. Модельер вдохнул
новую жизнь в магазины бренда. Тогда же дизайнер основывает бренды KL и KL by Karl Lagerfeld.
За коллекцию Haute couture для Chanel в 1986 году Лагерфельд получил премию «Золотой
наперсток».
С 1987 года Лагерфельд занимается
фотографией. Он выпускает несколько книг –
коллекций собственных снимков и в 1993 году награждается Lucky Strike Designer Award,
а тремя годами позже – призом Немецкого
общества фотографии (Deutsche Geselleschaft
fur Fotographie).
В начале 90-х модельер в качестве
главного дизайнера возвращается в Chloe.
Этот пост он передаст затем Стелле Маккартни в 1997 году.
Карл Лагерфельд является владельцем художественной галереи Lagerfeld Gallery — Studio 7L.
В 2000 году открывается собственный издательский дом Лагерфельда, также носящий название 7L. Вскоре он выпустил книги о поэте Алане Сигере (Alan Seeger), легендарной французской актрисе Габриэль Режу (Gabrielle Reju) и фотоальбом, посвященный работам визажиста Стефана Марэ
(Stephane Marais).
В 2002 году Лагерфельд сотрудничает с Diesel, благодаря чему появляется джинсовая коллекция Lagerfeld Gallery by Diesel.
Далее модельер работает с брендом H&M. 12 ноября 2004 года в магазины поступила лимитированная коллекция фирмы, созданная совместно с Лагерфельдом, которая была распродана за 2 дня.
10 сентября 2010 года, на благотворительном обеде в Нью-Йорке в Avery Fisher Hall Лагерфельд был награжден премией The
Couture Council Fashion Visionary
Award.
Весной 2011 года была выпущена 1-я коллекция хрустальных изделий, включающая вазы, фужеры и
другую продукцию – результат совместной работы Карла Лагерфельда и
шведской компании Orrefors под
названием Orrefors by Karl Lagerfeld.
Среди знаменитых клиентов модельера можно выделить Мишу Бартон (Mischa Barton), Николь Кидман (Nicole Kidman), Ванессу Паради (Vanessa Paradise), Мадонну (Madonna), Кайли Миноуг (Kylie Minogue), Дженнифер Лопес (Jennifer Lopez).
Интересные факты.
Лагерфельд отлично владеет английским, итальянским, немецком и французским языками.
В 1980 году дизайнер выступил в роли иллюстратора при издании сказки Ганса Христиана
Андерсена «Новое платье для короля».
Помимо моды и фотографии Лагерфельд увлекается антиквариатом.
В 2001 году у модельера возник конфликт с представителями организации PETA, которые выступали против использования меха в показах дизайнера.
В 2007 году на Берлинском международном фестивале состоялась премьера фильма «Секреты
62
Лагерфельда» режиссера Родольфа Маркони
(Rodolphi Marconi).
В 2011 году модельер сбросил 42 килограмма, чтобы надеть костюм, созданный
Эди Слиманом.
Карл Лагерфельд владеет библиотекой, которая насчитывает несколько сотен
тысяч томов. Он создал духи Paper Passion с
запахом книги. Сам флакон при этом выглядит, как томик из библиотеки.
Модельер выпускает по 10 коллекций в год и, по его собственным словам, спит по 4 часа в
день, доказывая тем самым, что он справедливо называет себя трудоголиком, влюблен в свою работу
и полностью отдается ей.
Официальный сайт: www.karllagerfeld.com
Жан-Поль Готье (1952)
Родился в пригороде Парижа Аркей. В детстве очень любил кино. Его больше интересовали зрительные восприятия и ощущения. Его
отец работал бухгалтером, мать секретарем. Они были очень занятые и
отдали сына на воспитание к бабушке. Она вызывала восхищения своего внука. Она занималась знахарством и экстросенсорикой. Посетителей принимала у себя дома. Мальчик с интересом наблюдал за приходившими женщинами, их нарядами и манерами.
В 14 лет Жан-Поль по настоящему влюбился в моду. Он начал
рисовать, посылал свои рисунки во все дома моды. Предложений не
поступало, но бабушка предсказывала внуку большую известность.
И вот, когда Готье исполнилось уже 18 лет, Карден захотел
встретится с молодым человеком. С этого и началась его карьера. Он
стал учеником великого мастера. В последующие годы он учился у
Жака Эстереля и Жана Пату.
В 24 года Жан-Поль Готье со своими друзьями начал создавать собственные коллекции. В
1976 году вместе с Франсисом Менюжем дизайнер создал электронную бижутерию. Затем последовала коллекция салфеток, скатертей и ковров.
В 1978 году Готье вместе с японцем Кашийямой показал первую коллекцию одежды. Но известность ему принесла только коллекция 1979/80 годов под названием "Джеймс Бонд". Она походила на моду 60-х годов.
В 1981 году Дом Жана-Поля Готье приобретает вес
среди известных Домов. Он никогда не стоит на месте, постоянно меняется и ищет новые подходы к женщинам, для которых творит.
Темы коллекций 1982 - 84 годов. "Париж. Готье", "Дадаизм", "Пять последних минут". Появляются острогрудые
бюсты, браслеты из консервных банок.
В 1984 году Готье создает мужскую коллекцию, навеянную женским образом. Его называют хулиганом и шалуном. Он становится популярен.
В 1985 году выдвигается на соискание премии "Оскар
моды". Начался стремительный взлет.
63
Жан-Поль Готье является кумиром молодежи, он
всегда будоражит общественность. Его наряды сделаны с большим
юмором.
Обнаженные попки, прозрачные платья без трусиков.
Вдохновение он находит на улице: консьержка, проститутка, буржуазная
дама, пуританка. Он отрицательно относится к элитарной
роскоши.
Его мода демократична. Он придумывает новые фасоны,
новые
способы ношения одежды Готье играет и шокирует, но его
одежда
приемлема для жизни.
Последние коллекции от Кутюр сочетают классические линии и нетрадиционные решения. Готье работает и с натуральным
мехом. Из норки он создал костюм в полоску и тельняшку.
Из каракули - комбинезоны, а из шкурок стриженой лисицы - вечернее платье.
В последней коллекции от Кутюр его "невеста" была одета в
"бабушкин" корсет волшебного розового цвета.
Дефиле Прет-а-Порте Готье представил 12 марта.
Оно началось под "Сказки венского леса" Штрауса. В эту мелодию
врывались
песни разных народов. Манекенщики представляли все народности. Были представлены классические и авангардные одежды, парча и фланель, мужское в
женском и женское в мужском. Сочетание многообразия
моды Востока и Запада, этнической и городской моды,
одежды для всех возрастов.
Готье, Жан-Поль (р. 1952) — французский дизайнер
одежды, родился в пригороде Парижа Аркей.
С 1970 г. работал у П. Кардена, с 1971 г. — ассистентом в Доме «Пату», в 1974—1975 гг. — в отделении
фирмы Кардена в Маниле.
В 1976 г. основал собственную фирму и в 1977 г. показал первую коллекцию одежды с «электронными украшениями».
В 1980-е гг. Готье стал самым авангардным французским модельером, шокируя зрителей соединением несоединимого, намеренным
нарушением правил «хорошего вкуса», нетрадиционными показами своих коллекций.
С 1984 г. создает мужские коллекции, в
которых предлагал декольтированные платья,
корсеты и юбки.
В 1988 г. выпустил параллельную коллекцию «Юниор Готье», в 1992 г. — коллекцию
джинсовой одежды.
В 1990-е гг. Ж.-П. Готье увлекся этнической темой, смешивая элементы национального
костюма разных регионов.
Огромное влияние на моду оказали его коллекции «Рабби шик» (осень/зима 1993—1994гг.) и
«Тату» (весна/лето 1994 г.).
С 1997 г. Готье создает коллекции «от
кутюр».
Готье работал в кино: в 1989 г. сделал
костюмы для фильма П.Гринуэя «Повар, вор,
его жена и ее любовник», в 1994 г. — для
фильма П.Альмодовара «Кика», в 1997 г. —
для фильма Л.Бессона «Пятый элемент», а
также записывал песни, вел телепередачи.
В 1999 г. 35% акций фирмы «Готье»
приобрела фирма «Гермес».
64
Кензо (1939)
Известный французский дизайнер, который родился в Японии.
Он первым привнес элементы национального костюма своей страны в
западный мир и ввел моду на японский стиль.
Родился Кензо неподалеку от старинного замка Химейи в провинции Хиого. Его родная деревушка была крохотной и небогатой.
Будущий дизайнер был самым младшим ребенком в семье. У его родителей – владельцев местного чайного домика, было пятеро детей. Однажды когда Такада был еще школьником, ему в руки попался
модный японский журнал Sunflower. Модели одежды, которые мальчик там увидел, поразили его до глубины души. Они настолько понравились Кензо, что он попытался их перерисовать. С тех пор любимым занятием мальчика стало рисование эскизов одежды. Он придумывал прекрасные наряды для бумажных кукол.
Мальчик окончил школу, и перед ним встал вопрос, где
жить свое образование. Мечтой Кензо была, конечно же, мода,
он стал просить родителей отдать его в школу модельеров, где
лась одна из сестер Такады. Однако в просьбе ему было откаКензо поступил в университет Kobe Gaibo, где занялся изучеглийской литературы.
продолпоэтому
уже учизано,
и
нием ан-
Прошел всего один семестр, прежде чем Такада понял,
что больше не может заниматься нелюбимым делом. Молодой человек
резко
бросил учебу и отправился в Токио. Там Кензо нужно было
самому
себя обеспечивать, поэтому он становится помощником маляра, и получает за работу семь долларов. Юноша без устали моет кисти
и грунтует поверхности, только чтобы оплатить новое образование.
В столице Кензо исполнил свою главную мечту – он пошел
учиться мастерству модельера одежды в престижную японскую школу Bunka Gakuen. Такада стал
первым юношей, которого зачислили туда, до этого в стенах Gakuen учились только девушки. После
успешного окончания дизайнерской школы Кензо создает одежду для магазина «Санаи», а также
подрабатывает манекенщиком в одном из журналов японской столицы. Теперь у него появилась новая мечта, Кензо хочет увидеть Париж. Об этом городе он много слышал от своего учителя по имени
Коике (Koike), который побывал там. Наставник Кензо неустанно восхвалял парижскую моду, светские мероприятия и коллекции Ив-Сен Лорана (Yves Saint Laurent). Все это необычайно вдохновляло
молодого Кензо Такада.
Дизайнер ждал только первой возможности, чтобы уехать, и вскоре она появилась. Власти
снесли старенький ветхий дом, где жил Кензо. За это он получил компенсацию в размере 350 тысяч
йен. На них он купил не новое жилье, а билет до Парижа. И едет он ни больше, ни меньше, чем за
всемирной известностью.
1 января 1965 года, после длительного путешествия по морю, молодой дизайнер оказался в
Марселе. Оттуда на поезде он доехал прямиком до французской столицы. Кензо не понимал чужого
языка, и у него не было денег, он не знал, где
найти работу. Однако модельер чувствовал себя
просто замечательно, находясь в сердце модного
мира.
Намного позже он признался журналистам:
«Ни в одном уголке мира я не чувствовал себя так
хорошо, как в Париже. Здесь каждый камень,
каждое облако, каждый прохожий помогают мне
в творчестве. Хотя в душе я остался японцем».
65
Но помимо этого Кензо добавил, что если бы ему удалось прожить свою жизнь снова, то он
остался бы в Токио.
Такада поселился в небольшой комнатке на Монмартре, и начал без устали посещать все самые важные показы мод. Он стал постоянным зрителем дефиле Шанель (Chanel), Кардена
(Cardin), Диора (Dior) и других великих мастеров. Но с каждым таким вечером его надежды все
больше и больше угасают, а депрессия все больше и больше растет. Кензо понимает, что высокая мода – это недоступная мечта, практически неосуществимая. Одежда от-кутюр – это отдельный мир,
бесконечно далекий от той реальности, в которой жил дизайнер. Традиционный путь сулил модельеру десятилетия упорного труда, чтобы хоть чуть-чуть приблизиться к великим именам. Кензо решил,
что непременно должен чем-то удивить пресыщенный город, показать что-то принципиально новое.
Уверенности в своей идее у Кензо прибавилось, после того, как он посмотрел показ коллекции Куррежа (Courreges). Это была высокая мода, но совсем другая, чем прежде. Она была близка к настоящей жизни.
Такада упорно изучает технологии работы с незнакомыми для себя европейскими тканями и
оттенками, а также создает модели сразу для нескольких магазинов одежды. Практически все заработанные деньги он откладывает на открытие собственной фирмы.
Первые модели Кензо сразу же принесли ему успех в области молодежной моды. Одежда, созданная тогда дизайнером, отличалась удивительной смесью всевозможных узоров и оттенков. Он
активно использовал полоску, клетку, «звериный» и цветочный принт, соединял все это в необычные
сочетания. Кензо говорил, что так он пытается разрушить парижский от-кутюр, разбавив его этническими деталями.
В 1970-ом, через пять лет жизни в Париже Кензо, наконец, открывает собственный магазин
модной одежды. В этом ему помогает Атсуко Кондо (Atsuko Kondo), с которой они вместе учились в
токийской школе дизайна.
Новый очаровательный бутик на Больших Бульварах называется «Джангл Джэп» («Jungle Jap»), он
находится в значительном отдалении от салонов известных кутюрье. А прямо накануне открытия магазина прошел дебютный показ коллекции Кензо. Для моделей дизайнер использовал хлопчатобумажные ткани, традиционные для японской одежды, их он приобрел на парижском рынке Saint
Pierre.
Кензо показал модели, невероятно похожие на кимоно. Это очень удивило и насмешило парижскую публику. Однако для японца, который с детства привык к такой одежде, который вырос под
пение и танцы гейш в чайном домике отца, показать свою культуру западу было вполне естественным шагом.
О своей коллекции он сказал:
«В Японии в начале 70-х было два основных направления для кимоно – простое и очень строгое или
очень красочное, как японский театр кабуки. Я выбрал второе».
Стиль Кензо был неожиданным, шокирующим, ведь общество 70-х привыкло носить сильно
облегающую одежду, а японец предложил надеть мешковатые свитера:
«Когда-то давно я шил платья для кукол сестры и мечтал, как буду одевать круглоглазых дочерей
далекого Запада. В Париже, решив найти что-то свое, я подумал о смешении кимоно с западной
одеждой: просторные свитера, широкие накладные плечи, прямые линии, широкие рукава».
Философия стиля Такады заключалась в его словах: «Телу нужно пространство. Как в физическом, так и в духовном смысле». Он был одним из первых в ряду знаменитых японских кутюрье, которые подарили западу моду на широкую, объемную одежду. Кензо, Йоши Ямамото (Yohji
Yamamoto), Иссей Мияке (Issey Miyake) – все они выполняли одну задачу – пытались убрать тело,
скрыть его от чужих глаз. Это было как раз то, что нужно западному обществу, люди устали
от гламура и подчеркнутой сексуальности. Критики назвали работы Кензо «новым деконструктивизмом».
66
Модельер каждый год создавал пять новых
коллекций, и все они переворачивали мир моды.
Дизайнер отказался от пуговиц, молний, крючков и
всех прочих застежек, в его нарядах не было вытачек, и не видно было фигуры. Таким образом, японец хотел дать телу свободу. Вместе с прямым кроем Кензо применял необычные для европейского
глаза цвета и их сочетания. Так он проявлял всю
свою любовь к жизни и преклонение перед ее красотой.
Магазин Кензо к концу 70-х превратился в
одно из самых модных мест французской столицы. В 80-е он поражает публику своими феерическими показами, которые выглядят как настоящие модные шоу.
«Мне нравится веселье, – говорит Кензо, – а Париж в те годы особенно к нему располагал».
Например, однажды, в 1981 году дизайнер удивил зрителей тем, что покрыл полотном и усыпал блестками целую
городскую площадь Виктуар. Этот модельер не оставил без
своего внимания ни одно знаковое место во всем Париже. Рядом с замком в Бордо Кензо установил шатры, мост Понт-Неф
украсил тысячами цветов. Дефиле проходили и на площади
Трокадеро, и в знаменитом здании биржи, и в парижском цирке, и в музее Д’Орсе, и даже на вокзале.
1983 год – Кензо объявил о запуске мужской линии одежды своей марки. Здесь дизайнер также не отступил от своих традиций, все модели выполнены в насыщенной цветовой гамме, а также
щедро украшены всевозможными рисунками и узорами. В сочетании с полосатыми брюками Кензо
предложил носить пиджак строгого покроя, усыпанный пестрыми цветочками.
1984 год – Кензо Такада был удостоен почетного Ордена искусств и литературы от французского Правительства, и был торжественно посвящен в рыцари.
1988 год – был выпущен первый аромат под маркой Kenzo.
Вдохновение дизайнер черпает из многочисленных путешествий по миру. Кензо старается
взять из каждой страны, каждой культуры что-то особенное и неповторимое. Все идеи, привезенные
из разных уголков света, он переосмысливает, объединяет, в результате чего и получаются его шедевры моды.
«Народные костюмы со всего мира имеют много общего. Их удивительно легко комбинировать», – говорит Кензо.
«Экзотика – это я сам», – сказал однажды Кензо Такада, и был абсолютно прав. Такого изобилия, как у него, нет в
творчестве ни одного другого дизайнера. «Деревья зелёные,
все деревья зелёные, мы видели столько зелёных деревьев, что
забыли: деревья бывают розовыми тоже, но если бы все деревья были розовыми, я бы показал вам зелёное дерево», – в эти
слова Кензо как нельзя лучше уместил всю свою неповторимость для мира моды. Даже наряд для невесты у Кензо не традиционно белый, а нежно-розовый.
Вместо привычной вуали, дизайнер предложил использовать объемную шляпу в виде цветка.
За всю карьеру Кензо его имя ни разу не было замешано ни в одном скандале. Хотя в 90-е, когда конкуренция в мире моды стала особенно напряженной, многие модельеры прибегали к этому
способу привлечения внимания. Кензо – это дизайнер, который во всем предпочитает придерживаться только собственного взгляда. Он никогда вслепую не следовал за модой, он всегда был независим
в своем творчестве.
«Когда ты вынужден реагировать на тенденции, которые тебе не очень близки… это лишает свободы. Мода – это календарь, всегда надо четко следовать расписанию», – говорил Кензо.
67
Модельер из Японии создал собственное философское направление в моде. Кутюрье назвал
его «номадизм». Суть этого взгляда заключается в гармонии с природой и ее законами, а также умение замечать самые простые и незначительные радости жизни.
1993 год – марка Kenzo находится на вершине успеха. Именно тогда ее и приобретает холдинг
LVMH (Louis Vuitton Moet Hennessy). Этой компании принадлежат самые известные модные бренды
Франции, теперь в их число вошла и марка, созданная талантливым японцем. Сам Такада теперь может спокойно заниматься творчеством, не задумываясь о коммерческих проблемах, ведь компания
приносит ему стабильный и неплохой доход. Однако Кензо не хочет спокойно пожинать плоды многолетних трудов, он стремится к новым достижениям, поэтому и запускает работу нового, своего
личного бренда.
Дизайнер решил воссоздать уголок своей далекой родины прямо в сердце Парижа, рядом с известной площадью Бастилии. Кензо построил маленький чайный домик, почти такой, как был у его
отца, рядом расположился традиционный японский сад камней, а также небольшой, но живописный
пруд с золотыми рыбками.
В 1999 году Кензо стал почетным лауреатом Американской Премии Мира (Time for Peace
Award). Этой награды дизайнер был удостоен «За космополитическую карьеру и стиль, впитавший в
себя отголоски самых различных культур и традиций». В том же году Кензо Такада решил подвести
заключительный итог своему творчеству и покинуть мир моды. В качестве прощания он представил
коллекцию класса прет-а-порте, а также вспомнил и продемонстрировал зрителям все лучшее, что он
создал за 30 лет своей работы. Модельер тогда признался журналистам:
«Я хочу взять год-полтора для переоценки ценностей, отдохнуть, набраться сил – я в этом очень
нуждаюсь. Хочу много путешествовать – просто для удовольствия, хочу посвятить себя тому, на
что раньше не хватало времени. Надо быть любопытным и делать только то, что нравится, даже
если это не приносит денег. Нужно много работать и многим делиться. И почаще устраивать себе
праздники. Уезжать туда, где голубое небо, золотистый песок и жаркое солнце. А потом возвращаться и начинать все заново».
Вернулся в мир моды Кензо спустя три года, в 2002-ом. Однако теперь дизайнер создавал не
одежду, а стильные предметы интерьера.
Kenzo – французский бренд, создан Кензо Такада (Kenzo Takada).
Коллекции всегда отличаются новаторством и неординарностью. В декоре довольно часто используются
этнические мотивы.
Кензо Такада родился 27 февраля 1939 года на
юге Японии, в городе Киото. Он рос в живописной
местности возле древнего замка Химейи. Будущий
дизайнер был пятым ребенком в семье. Отцу Кензо
принадлежал небольшой чайный домик. По японской
традиции, родители мальчика решили за него, что он
должен заниматься литературой. Однако уже с ранних лет Кензо начал интересоваться модой. Любимым
развлечением ребенка было копирование моделей из
модного журнала Sunflower.
Когда Кензо окончил школу, его родители стали настаивать
на поступлении в университет Kobe Gaibo на факультет английской литературы. Такада удовлетворяет их просьбу, однако после первого семестра он бросает университет и против родительской воли уезжает в Токио. За семь долларов в
месяц Кензо подрабатывает помощником маляра. Ему нужны деньги, ведь цель юноши – поступить в Bunka Gakuen,
старейшую в Японии школу модельеров. В то время там
имели право обучаться только девушки, но Кензо все-таки
добивается своего: в 1958 году его зачисляют в Bunka
Gakuen.
68
Через три года Кензо выигрывает приз Soen, благодаря чему получает
престижную работу модельера в сети универмагов Sanai. Начинающий дизайнер также попробовал свои силы в качестве манекенщика в токийском модном
журнале.
Кензо никогда не любил останавливаться на достигнутом, и поэтому он
вновь кардинально меняет свою судьбу. В 1965 году модельер едет в столицу
мировой моды – Париж. В одном из интервью Кензо
признался: «Если бы я начинал сейчас, я бы остался
в Токио». Однако в то время он просто грезил Парижем. Сильное влияние на Кензо оказали рассказы
его учителя о парижской жизни и коллекциях ИвСен Лорана. Поэтому начинающий модельер продал
свой дом за 350 йен и на эти деньги прилетел во Францию.
Кензо не знал французского языка, у него не было ни работы, ни
денег. Париж был для него чужим и незнакомым миром. Молодой
кутюрье снял комнату на Монмартре. Тогда он не пропускал ни одного
показа Шанель, Кардена, Диора. Вскоре Кензо понял, что здесь нужны
свежие идеи, и он может удивить пресыщенный город.
«Ни в одном уголке мира я не чувствовал себя так хорошо, как в Париже,
– говорил Кензо. – Здесь каждый камень, каждое облако, каждый прохожий помогают мне в творчестве. Хотя в душе я остался японцем».
Память о своей родине и помогла Кензо Такада добиться всемирного признания.
В 1970 году состоялся первый показ собственной коллекции Кензо. На нем присутствовало
ровно 50 человек. Тогда странные кимоно, сшитые из японских тканей, вызвали только смех. Модельер назвал свою коллекцию «разрушение Haute Couture».
В это же время Кензо совместно с Атсуко Кондо, старой знакомой из Японии, открывает в
Париже бутик Jungle Jap. Очаровательный магазинчик на Больших
Бульварах привлек внимание публики: этнический костюм в сочетании с парижским шиком вызвал неподдельный интерес. Однако
лейбл Kenzo появился лишь в 1976 году. С тех пор бренд создал себе безупречную репутацию и приобрел огромное число поклонников во всем мире.
«Когда-то давно я шил платья для кукол сестры и мечтал, как буду
одевать круглоглазых дочерей далекого Запада, – рассказал однажды Кензо. – В Париже, решив найти что-то свое, я подумал о
смешении кимоно с западной одеждой: просторные свитера, широкие накладные плечи, прямые линии, широкие рукава».
Так родился фирменный стиль Kenzo.
Кензо «приучил» Париж к объемной одежде. Он, как и любой японец, на уровне генетики не
понимал и не принимал обтягивающие модели. Кимоно стали настоящей революцией в парижской
моде.
Работа шла полным ходом. Бренд выпускал по 5 коллекций в год. Кензо принципиально не
использовал традиционные в Европе застежки-«молнии», пуговицы, вытачки и облегающий крой. Но
главной особенностью стиля Kenzo стали цветовые сочетания, непривычные для европейцев. Это
было настоящее буйство красок!
Бутик Jungle Jap становится модным центром Парижа, показы коллекций Kenzo были самыми фееричными. Дизайнер говорил:
«Мне нравится веселье, а Париж в те годы особенно к нему располагал».
69
Кензо затягивает полотном и осыпает золотом площадь Виктуар, он устанавливает шатры вокруг
замка в Бордо, усыпает цветами мост Понт-Нёф – показы Kenzo происходят в самых значимых местах Парижа.
В 1983 году открыта первая линия одежды для
мужчин. В ней дизайнер сочетает ткани разных фактур
и цветов с разнообразными рисунками. С легкой руки
Кензо Такада родился элегантный пиджак в цветочек и
полосатые брюки.
1988-ой стал годом выпуска первого парфюма марки
Kenzo. Дебютный аромат назывался Kenzo for women.
Впоследствии были выпущены и другие ароматы:
Kenzo Pour Homme (1991), Parfum d’Ete (1993),
Kashaya (1994), Jungle L’Elephant (1996), Kenzo Flower
(2000), KenzoAir (2003) и Flower Le Parfum (2003).
В 2005 году появились сразу два парфюма – Flower Oriental и Kenzo Summer.
В следующем году увидел свет Kenzo Amour. 2007 год был отмечен мужским
ароматом
Tokyo
by
Kenzo.
2008 год – ароматы Kenzo Amour Indian Holi, Peace by Kenzo Vintage Edition,
Flower by Kenzo Summer 2008, 7:15 am in Bali, Kenzo Power, L’Eau Par Kenzo
Ice, Les Eaux de Fleur Collection, Winter Flowers, Kenzo Parfum Objet Non Identifie, Amour Le Parfum.
В 2009 году вышли Flower by Kenzo Spring Fragrance, Kenzo Amour
Florale, 5:40 pm in Madagascar, L’Eau Par Kenzo Eau Indigo, Eau de Fleur de
Prunier, Flower by Kenzo Essentielle.
В 2010 году – Kenzoki Splash, Fizz, Mmm & Shh, Flower by Kenzo La Cologne, Eau de Fleur de Yuzu, Kenzo Homme Eau de Toilette Boisee, Once Upon A
Time (Kenzo Femme, Kenzo Homme).
Именно Кензо впервые переодел невесту из белого
цвета в розовый. А традиционная на свадьбе фата превратилась в огромную шляпу-цветок.
В 1990-е, когда все занимались скандалами и эксцентрикой, Kenzo сохранял неизменную верность традициям в
чисто японском стиле.
«Когда ты вынужден реагировать на тенденции, которые
тебе не очень близки… это лишает свободы. Мода – это
календарь, всегда надо четко следовать расписанию»,
– говорит сам Кензо в этот период.
Именно тогда и появляется собственная философская теория Кензо, которая называется номадизм. В ней провозглашается полное торжество природы и самых обыкновенных радостей жизни.
Восхождение японского дизайнера на «модный Олимп» было стремительным. Однако в 1993
году мэтр понимает, что пора уходить с пьедестала. Тогда Кензо продает свой бренд корпорации
LVMH (Louis Vuitton & Moet Hennessey), которая на тот момент уже владела большинством модных
домов Франции.
Теперь, впервые в жизни, Кензо Такада может позволить себе не думать о финансовой стороне, а на 100% отдаваться любимому делу – дизайнерскому творчеству. Хоть он и перестал быть
владельцем бренда, но империя Kenzo стабильно приносит ему 200 миллионов долларов ежегодно.
Кстати, мастер сам выбрал себе преемников. Ими стали француз Жиль Розье, специалист по женской
одежде, и датчанин Рой Крейберг, ответственный за мужские коллекции. Однако спустя всего пару
лет на этом посту их сменил Антонио Маррас. Для Kenzo он создал множество прекрасных коллекций, пока в 2011 году не покинул именитый дом моды, уступив свое место американскому дуэту Умберто Леон и Кэрол Лим, основателям бренда Opening Ceremony.
70
В 1999 году Кензо получил американскую премию Time for Peace Award «За космополитическую карьеру и стиль, впитавший в себя отголоски самых различных культур и традиций». Этой
награды впервые за всю историю премии был удостоен дизайнер одежды.
Сегодня модный дом Kenzo выпускает на рынок следующие коллекции одежды: Kenzo
Homme, Kenzo Jeans, Kenzo Jungle, Kenzo Enfant,Kenzo Bebe, Kenzo Accessories, Kenzo Maison.
Сам Кензо не прекратил свою творческую деятельность. В 2002 году он подписал соглашение
с LVMH, по которому он должен был получить солидные средства для своей новой марки Yume и на
создание дизайнерских предметов интерьера. На тот момент ему было 63 года. Кензо по-прежнему
стремится к покорению новых высот.
Кензо внес неоценимый вклад в развитие мировой моды. Именно он создал орнамент из мелких цветов и легендарный длинный широкий пиджак. Он ввел в моду платья-свитера, береты, широкие рукава, мини-пальто, шорты до колена… Теперь без всех этих вещей мы просто не можем представить себе fashion-индустрию.
Официальный сайт: www.kenzo.com
Надежда Ламанова (1861-1941)
Великая русская художница и модельер, которой рукоплескал
Париж. Её боготворили современники, а каждая модница в ХХ веке мечтала о платье от Ламановой, как об удаче всей жизни.
Моделистка от бога
Старшая из пяти дочерей полковника Петра Михайловича Ламанова, Надежда Петровна Ламанова родилась в Нижнем Новгороде в
1861 году. После смерти родителей, совсем девочкой, она осталась главой семьи с младшими сестрами на руках. В Москве, окончив школу
кройки и шитья Ольги Сабуровой, дворянская дочь очень быстро сделалась ведущей закройщицей в знаменитой тогда мастерской Войткевич.
Талант у нее был от бога: любую фигуру она могла представить в лучшем свете. Мастерски убирая лишние объемы, легко изменяя пропорции, мадемуазель Ламанова скоро стала самой популярной среди мастериц.
Слух о способной моделистке по Москве распространялся стремительно. Хотя она и не слишком церемонилась с заказчицами, устраивая многочасовые примерки
до полного изнеможения. Но придирки «тиранки» терпели безропотно – платье получалось «как из
Парижа». Скоро «платье от Ламановой» вошло в московский словарь так же, как коньяк от Шустова,
чай от Абрикосова или филипповские калачи. Марина Цветаева даже зарифмовала ее фамилию в
строчках «та богиня мраморная – нарядить от Ламановой».
Между тем она совсем не умела шить, говоря, что архитектор не кладет камни – это дело рабочих. Обволакивая, драпируя, закалывая ткань булавками в только ей ведомых местах, она добивалась изумительных линий и силуэтов. Дамы, понимавшие толк в моде, предпочитали ее платья –
настолько тонким был у нее вкус. Предлагаемые решения клиентки называли волшебными. И было
за что: парижские модные тенденции Ламанова опережала едва ли не на сезон.
Когда законодатель парижской моды Поль Пуаре попал в Россию, он был поражен, что модели Ламановойничуть не уступают европейским идолам моды Ворту, Пакэну, Дусе. Надеждой Петровной француз был очарован и тут же вписал ее в контекст своих представлений о России:
«…Ламанова стала моей дорогой подругой. Это она мне открыла очарование Москвы – этих
драгоценных ворот в Азию. Она и сейчас мне видится на фоне икон Кремля, куполов собора Василия
Блаженного, прекрасной коллекции современной живописи господина Щукина…».
Из Дома мод в Бутырки
71
Большие модницы Мария Ермолова, Ольга Книппер-Чехова, Вера Холодная восхищались
вкусом и талантомЛамановой. Они стали ее главными моделями и рекламными агентами. Стоило
кому-то из них показаться в ее платье, назавтра его хотели все. Скоро Ламанова стала шить для всей
театральной Москвы. Она быстро стала своей в артистическом кругу еще и благодаря мужу, Андрею
Павловичу Каютову, актеру-любителю с громким псевдонимом Вронский.
К тому же он был богачом. Став управляющим московским отделением знаменитого страхового общества «Россия», в 1885 году он помог Надежде Петровне открыть свой дом моды на Тверском бульваре. Все там было самое передовое и роскошное: огромные закроечные столы из липы,
зеркала в пол, целый штат ассистенток и портних. Работы выполнялись уникальные, материалы и
украшения доставлялись прямо из Парижа. В 1910 году мастерицами Ламановой по эскизу Бакста
были вышиты стеклярусом дивные вечерние труакары из муслина для первой московской модницы
балерины Екатерины Гельцер. Когда она появлялась в них на званых раутах, это было лучшей рекламой.
Слава Ламановой росла, и самые знатные модницы, включая первых дам императорского двора, выстраивались к ней в очередь. Ее платья нещадно копировали, безуспешно подражая стилю, а
пределом мечтаний тогдашних эстеток был портрет Серова в платье от Ламановой…
Увы – все смела революция. А вскоре и сама Надежда Петровна как официальная «поставщица двора Ея Императорского Величества» угодила в Бутырки. Спасло только заступничество Горького, жена которого, актриса Художественного театра Мария Андреева, была давнишней клиенткой
Надежды Петровны.
Шаляпин в своем роде
Выжить ей помог театр. Для большевиков он стал мощным орудием пропаганды, а для барыни
с прежними представлениями о жизни, искусстве и моде – средством к существованию. Из остатков
драпировок, а то и полотенец и одеял, она умудрялась шить потрясающие вечерние туалеты для вахтанговской «Принцессы Турандот», обшивала мхатовские спектакли «Зойкина квартира» и «Женитьба Фигаро».
Станиславский называл ее «нашей драгоценной, незаменимой, гениальной, Шаляпиным в своем роде». Он не мог обойтись без нее ни дня и неизменно брал с собой на загородные прогулки. Вместе они смотрелись превосходной парой: он, седой, хотя и в пледах, но с прямой спиной и барской
вальяжностью, а рядом она – в кольцах, со старомодной прической и царственной осанкой, прелестно женственная и трогательно беспомощная.
Беззащитной, впрочем, Ламанова была только с виду. Проявляя колоссальную волю и изобретательность, она создавала дивной красоты платья, хотя работать ей приходилось уже не в собственном Доме моды, а в своей скромной квартире в Еропкином переулке. И не с тафтой и кружевами, а с
холстом и льном.
Теперь предметом ее забот была рабоче-крестьянская мода. В руках Надежды Ламановой даже
самая грубая ткань становилась произведением искусства. В созданную ей «Мастерскую современного костюма» опять потянулись клиентки: теперь это были не элегантные барыни, а простоватые
жены и дочери комиссаров, которые хотели одеваться по моде, чтобы «не срамиться перед лицом
мировой реакции». Каким-то особым чутьем она отлично знала все, что происходит за границей, и
опять опережала модные тенденции, следуя лишь собственному вкусу. В 1923 году для Лили Брик
она создала дивную шляпку cloche, элегантную и своеобразную. Скоро Ламанова попала в Европу.
Триумф «мамы Нади»
Когда в 1925 году на Всемирной выставке ее модели увидел Париж, в павильоне СССР было
не протолкнуться. Среди экзотических для европейского глаза набивных ситцев с серпом и молотом
и павлово-посадких платков платья Ламановой поражали элегантностью. Выполненные в стиле «а-ля
рюс», столь популярном на Западе благодаря эмигрантам, они были украшены вышивкой по рисункам подруги, скульптора Мухиной, и оказались свежим словом в моде. Кстати, ее соперницами в Париже были давние клиентки: великая княгиня Мария Павловна, князь Феликс Юсупов с супругой и
многие другие русские аристократы, вынужденные заняться моделированием, чтобы заработать на
хлеб.
Гран-при выставки достался Ламановой, и за всеобщими восторгами никто не заметил, что бусы, украшавшие ее платья, были из хлебного мякиша.
После Парижа газеты СССР трубили о ее победе как триумфе всей советской моды, забывая,
что этого понятия просто нет, вернее, оно существует только в лице Ламановой. Но ей некогда было
72
следить за оценками. «Студия художественного производственного костюма», статьи в журналах
«Красная нива», театральные премьеры, частные заказы – по востребованности ее жизнь напоминала
прежнюю. А тут еще киношники, которые тоже хотели платьев от Ламановой. Это благодаря ее костюмам герои фильмов «Аэлита» Протазанова, «Цирк» Александрова и многих других первых советских лент смотрелись элегантными и раскованными, не хуже европейцев.
В 1931 году она потеряла мужа и поселилась с сестрами, которые стали ее главными помощницами. Диктатор в мастерской, в семье она была мягким человеком, иначе как «мама Надя» никто
ее не называл.
До конца своей долгой жизни Надежда Ламанова оставалась примером art de vivre: беспечная
с виду и с железной волей внутри. Умерла она внезапно, 14 октября 1941 года: хлопоча об эвакуации,
оказалась в сквере у Большого театра и присела на скамейку…
Зайцев Вячеслав (1938)
Вячеслав Зайцев - кутюрье, художник, поэт,
президент Московского Дома Моды, член Союза художников РФ, заслуженный деятель искусств РФ, Лауреат Государственной премии, кавалер Ордена за
"Заслуги перед отечеством", профессор, почетный
гражданин Парижа и Иванова. Человек года в мире
моды. На фестивале "Лучшие пять модельеров мира" в
Японии коллекция Вячеслава Зайцева признана лучшей.
Зайцев нередко цитирует себя строчкой: "Я
всем обязан провиденью...".
Родился 2 марта 1938 года в Иванове, в рабочей семье.
1956 год - с отличием окончил Ивановский Химико-технологический
техникум, получил квалификацию художника по росписи тканей.
1962 год - закончил с отличием Московский Текстильный институт. Работает на экспериментальной швейной фабрике Моссовнархоза, возглавляет экспериментальную группу в общесоюзном
Доме Моделей на Кузнецком мосту.
1965 год - произошло знакомство с Пьером Карденом и Марком Боаном.
1979 год - Зайцев уходит из официальной моды
и начинает все сначала в маленьком ателье, которое
позже перерастает в Московский Дом Моды.
1980 год - выходят в свет две книги Зайцева:
"Такая изменчивая мода", "Этот многоликий мир моды". Создает костюмы для участников Московской
Олимпиады, за что награжден орденом "Знак Почета".
1982 год - Зайцев возглавил Дом Моды, а в 1988
году становится его избранным Президентом.
1988 год - Парижский Мезом де Кутюр
предоставил В.М.Зайцеву право на участие в показе коллекций. Впервые этой чести удостоен
русский художник, названный Человеком Года в
мире моды. Стал Почетным гражданином Парижа.
73
1991 год - получил заказ и создает новую
форму для работников милиции. Присвоено звание
"Заслуженный деятель искусств".
1992 год - издательство "Новости" выпустило
на англиском языке книгу о нем "Ностальгия по красоте", а издательство "Имидж" книгу его графики и
стихов "Я всем обязан провиденью". Филиал мирового лидера косметики фирмы Л`Ореаль запустил в
производство первые духи русского модельера "Марусю", а затем новую линию проекта Зайцева "Маруся"- кремы, лосьоны, дезодоранты, мыло.
1993 год - в Бельгии выпущена экспериментальная партия стульев по эскизу русского кутюрье. Cотрудничество с французской фирмой "Ревийон" в создании Зайцевым одежды "ОТ Кутюр" из меха и тканей. С 1993 года Зайцев - президент и
председатель жюри ежегодного российского Конкурса отечественных тканей и коллекций моделей
"Текстильный салон" в Иванове. Выступления на семинарах, консультации художников, инициатива
проведения в Иванове фестиваля "Детская мода", участие в защите дипломных работ студентов ИГТА.
1994 год - впервые в России он проводит Конкурс молодых модельеров имени Н.Ломановой.
Возглавляет Конкурсы "Экзерсис" (преподавателей и учащихся швейных колледжей и лицеев), "Золотая игла" (российская ассоциация детских творческих Коллективов Моды), фестиваль "Бархатные
сезоны в Сочи".
Несмотря на свою огромную занятость, В.Зайцев ведет многогранную творческую работу с
молодыми художниками, модельерами и дизайнерами. Его деятельность - это поистине подвижнический труд российского интеллигента во имя России, процветания ее талантливого народа.
В течение всей своей творческой деятельности Вячеслав Зайцев раскрывается как неординарный, многогранный с необыкновенно тонкой натурой человек влюбленный в родную землю.
Основная тема его творчества как художника-модельера - это поиски гармонии содержания и
формы, соответствующие эстетическим моральным
критериям общества на данном витке цивилизации.
Это постоянное желание доказать, что человек способен не только созидать красоту, но и быть образцом этого прекрасного мира, не засорять своим видом окружающую среду - природу и общества, а
гармонично вживаться, вызывать восхищение людей
совершенством формы и богатством цветовой палитры, согласованной в деталях.
Вячеславом Зайцевым созданы костюмы ко
многим спектаклям московских театров, к кинофильмам, для эстрадных коллективов и исполнителей.
Московский Дом Моды, руководимый Вячеславом Зайцевым, стал подлинным центром воспитания хорошего вкуса, а Театр Моды Зайцева убедительной зрелищной формой пропаганды красоты. Во многом благодаря его усилиям русская мода достигла мирового уровня, заняв достойное место наравне с такими признанными законодателями моды, как Франция и Италия. Канада, Финляндия, США, Германия, Индия, Швеция, Австрия, Италия - вот далеко не полный перечень гастролей
театра.
Юдашкин Валентин (1963)
Родился 14 октября 1963 года в посёлке Баковка Одинцовского района Московской области
74
Валентин Юдашкин – известный российский кутюрье, заслуженный деятель искусств Российской Федерации, Народный
художник России. Его модели хранятся в Музее костюма Лувра, в
Калифорнийском музее моды, в Государственном Историческом
музее в Москве, в Международном музее олимпийских игр в музее
Метрополитен в Нью-Йорке. Большинство его коллекций демонстрировались в свое время в Париже, Милане, Нью-Йорке и других
столицах мира.
Свою первую коллекцию дизайнер создал в 1987 году.
Настоящий успех Валентина Юдашкина связан с коллекцией
«Фаберже» (1991г.), которая была продемонстрирована в Париже в
рамках Недели Высокой моды. После показа этой коллекции дизайнер получил широкую известность не только в России, но и в
мире. С особенным восторгом публика восприняла платья а’ля
знаменитые яйца Фаберже. Одно из этих платьев позже было передано в Лувр.
Валентин Юдашкин стал первым российским дизайнером, принятым в Синдикат высокой моды Парижа. С 1991 по 2000гг. Дом моды «Valentin Yudashkin» был участником Недели Высокой моды в Париже.
В 1997 году Валентин открыл свой первый бутик в Москве, в котором на тот момент была
представлена одежда класса prêt-a-porte de lux, а несколькими годами позже аксессуары, ювелирные
изделия и очки.
В 2003 году дизайнер выпустил книгу-альбом, посвященную пятнадцатилетию творческой деятельности. Презентация книги состоялась в октябре 2003 года на Международной книжной ярмарке во Франкфурте.
В 2003 году Валентин Юдашкин провел свою персональную выставку. В России это мероприятие стало единственным в своем роде:
было собрано более 200 костюмов haute couture и prêt-a-porte, созданных
дизайнером в разные годы. Выставка проходила в Москве в Государственном Историческом музее на Красной площади.
В 2005 году Валентин получил звание Народного художника России.
В настоящий момент Валентин Юдашкин является главным дизайнером собственной марки одежды. Под маркой «Valentin Yudashkin»
выпускается одежда класса haute couture и prêt-a-porte, джинсовая одежда, аксессуары, ювелирные украшения.
Компания, которой руководит дизайнер, динамично развивается,
создаются новые линии одежды. Неизменным остается качество, ставшее визитной карточкой марки «Valentin Yudashkin».
Страсть к моделированию одежды у Валентина Юдашкина проявилась еще в школе. Днями и
ночами будущий кутюрье рисовал свои первые "модели" и сам же воплощал их в жизнь. Делал выкройки, шил из всего, что попадалось под руку - для себя и для друзей. После сдачи выпускных экзаменов для Валентина не стояло вопроса, куда пойти учиться. Новость о его решении огорчила родителей, считавших, что профессия модельера - "не для мужчин". Но давить на сына они не стали, и в
1981 году Валентин поступил в Московский индустриальный техникум на факультет моделирования.
Юдашкина не остановило и то, что на его курсе "Дизайн моды" были одни девчонки... Через год
пришлось на время оставить любимое занятие: Валентин ушел служить в армию. Будущий модельер и там не терял время, обдумывал новые идеи и планы, воплощением которых занялся сразу по возвращении в техникум... Преддипломную практику Валентин проходил в Московском Доме моды. В 1986
году с блеском защитил дипломные работы по темам "Исторический костюм"
и "Макияж и декоративная косметика" и получил "красный" диплом.
По распределению Валентина направили в Центральное проектноконструкторское бюро при Министерстве бытового обслуживания РСФСР на
должность старшего художника. В те времена не существовало отдельного
75
разделения на стилистов, визажистов, модельеров. Валентину приходилось быть и тем и другим. Работал сутками, моделировал, занимался декоративной косметикой. Так получилось, что уже с первых шагов в профессии Юдашкин
представлял российскую индустрию моды за рубежом: создавал эскизы к костюмам членам сборной СССР по косметике и парикмахерскому искусству, участвовавшей в международных соревнованиях. Появилась и первая в жизни
Валентина Юдашкина коллекция одежды - костюмы для
участников российской сборной, выступавшей на конкурсе
причесок и макияжа в Познани (Польша). Затем - следующая, к чемпионату Европы в Будапеште, - полная коллекция костюмов для сборной команды ЦКПБ. К тому же к выступлению команду готовил сам Валентин, ставший к тому времени ее старшим тренером. Параллельно Юдашкин работал над моделями
"для себя". В 1986 году на фотовыставке, проходившей в АПН в Москве, с успехом были продемонстрированы 20 моделей из льна коллекции модельера.
К концу 1980-х наступило время "перестройки", появились первые предприниматели. У
Юдашкина накопилось много "нереализованных" идей. Хотелось самостоятельной работы. В 1987
году дизайнер работает в кооперативе-ателье в Москве. Первый же показ первой собственной коллекции из 150 моделей, который прошел в Концертном зале гостиницы <Орленок> в Москве, сделал
имя Валентина Юдашкина известным стране. Главная часть той коллекции - платье - стало с тех пор
самостоятельным объектом творчества Валентина и начало свою собственную жизнь в пространстве
мировой моды.
В 1988 году при Союзтеатре СССР 25-летний модельер открыл фирму "Vali-Мода". В том же
году в Колонном зале Дома Союзов были продемонстрированы новые коллекции Юдашкина "Русь
изначальная", а позже - "Петровский бал". На молодого модельера обратили внимание французские
кутюрье, пригласили в Париж. Оказавшись во Франции, Юдашкин был потрясен увиденным там
изобилием тканей всевозможных расцветок, видов и форм. В СССР, "стране вечных дефицитов", понятия моды, как такового, не было, что уж говорить о "высокой моде". На трикотажных фабриках
производили если только варежки, а тут - к каждой шляпке свои перчатки! В ту поездку Валентин
сделал для себя много профессиональных "открытий". Но самое главное, молодой кутюрье возвратился домой с твердым желанием доказать всему миру, что и в России может быть индустрия моды,
и на самом высоком уровне...
В этом плане 1991 год стал для Валентина поворотным моментом в его жизни. Модельер открыл фирму "Valentin Yudashkin", создал первую коллекцию класса Haute Couture - "Фаберже". В том
году очередной показ Парижской Недели Высокой Моды, показ, куда ежегодно съезжаются все ценители прекрасного со всего света, проходили в здании Посольства России во Франции. В то время,
несмотря на шедшую полным ходом "перестройку", такого рода мероприятие было достаточно смелым шагом. 600 человек приглашенных - такое случилось впервые. К тому же посольство на свой
страх и риск организовало в рамках Недели показ "никому не известного модельера" Валентина
Юдашкина... Наконец творчество российского дизайнера смог увидеть и оценить Париж. Коллекция
Юдашкина "Фаберже" произвела огромное впечатление не только на искушенную французскую публику, но и на таких признанных в мире "законодателей моды", как Пьер Карден, Пако Рабанне. Особый
фурор произвели платья, сшитые в виде знаменитых
"яиц Фаберже". Первым пришел за кулисы поздравить российского коллегу Пьер Карден, ставший с
того дня Валентину другом и учителем. Имя Валентина Юдашкина стало известным в мире. Показы
коллекции с успехом прошли в Лос-Анджелесе, Италии, Израиле. Несколько моделей "Фаберже" приобрел Музей костюма Лувра и Калифорнийский музей
моды.
Теперь премьерные показы каждой новой
коллекции Юдашкина Haute Couture проходили еже76
годно в рамках очередной Недели Высокой Моды в Париже, а с 1994 года, момента основания Московской Недели Высокой Моды, - и в Москве: в 1992 году - "Музыка" (дефиле в Париже); в 1993 году
- "Натюрморт" (дефиле в Париже); в 1994 году - "Екатерина Великая" - осень/зима 94-95" (дефиле в
Париже и Москве); в 1995 году - "Балет" - осень/зима 95-96" (дефиле в отеле "Мерис" в Париже, затем в Москве)... Демонстрации коллекций с успехом прошли и в других городах и странах. В частности, в 1993 году в рамках Фестиваля "In Vogue" в Вильнюсе, затем на Фестивале Моды в Китае прошли внеконкурсные показы коллекции "Натюрморт", в 1994 году - внеконкурсный показ "Фресок" на
Ассамблее Неукрощенной Моды в Риге. На эти мероприятия Юдашкин был приглашен и в качестве
члена жюри. Как член жюри Юдашкин был приглашен и на конкурс молодых модельеров имени Н.
Ламановой.
Одновременно Валентин занимался "устройством" своего "дома" - Дома моды "Valentin
Yudashkin", который он открыл в 1993 году в Москве. Наконец у дизайнера появился собственный демонстрационный зал, его давняя мечта. В
Доме моды расположился и небольшой музей для хранения самых любимых творений модельера... Отладке механизма работы нового для
страны производства приходилось учиться у самого себя, на собственных ошибках. Юдашкин сам ездил на фабрики заказывать ткани, освоил
все "смежные" профессии, был и снабженцем, и финансистом. Врожденные организаторские способности Валентина не подвели.
Итогом его работы стала выпущенная Домом моды "Valentin
Yudashkin" в 1994 году первая коллекция "pret-a-porte - весна/лето
1995". Показ коллекции прошел в демонстрационном зале Дома. В том
же году в клубе "Manhattan Express" в Москве была представлена Коллекция нижнего дамского белья "от Юдашкина". Дом Моды приступил
и к созданию эскизов коллекций именных изделий, таких как мебель,
посуда, столовые приборы. В 1995 году в отеле "Мерис" в Париже в дни
Недели Высокой Моды состоялась презентация первых духов Дома с
одноименным названием "Valentin Yudashkin".
Мастерство модельера было по достоинству оценено авторитетными коллегами. В 1996 году
Дом моды "Valentin Yudashkin" получил статус члена-корреспондента Парижского синдиката высокой моды. Впервые в истории моды в эту престижную организацию принят молодой кутюрье из России, встав, таким образом, в один ряд с дизайнерами мирового уровня, такими как Джанни Версаче,
Валентино. В честь этого события Домом Юдашкина в государственном Концертном Зале "Россия" в
Москве было организовано праздничное шоу, на котором была представлена подготовленная к этому
случаю коллекция "pret-a-porter - "Город на песке" - осень/зима 1996-1997".
С этого времени Дом Юдашкина официально приглашается на показы каждой новой коллекции Haute Couture в Париж дважды в год: "весна/лето" и "осень/зима". Традицией стали и завершающие год показы "осенне-зимних" коллекций Дома на ежегодных Неделях Высокой Моды в Москве.
Были созданы и представлены публике коллекции Haute Couture: "Райские птицы"- весна/лето-96"
(Неделя Высокой моды в Париже, "Гранд Отель", 1996), "Рождественский сон" - осень/зима-96-97"
(Недели Высокой Моды в Париже и Москве, 1996), "Врубель" - весна/лето-97" (Неделя Высокой Моды в Париже, Большой Зал "Карусель Де Лувр", в Москве - показ для
друзей и клиентов в гостинице "Метрополь", 1997), "Немое кино" осень/зима 97-98"(Неделя Высокой Моды в Париже - Большой Зал
"Карусель Де Лувр", 1997), "Черно-белое кино" (Неделя Высокой
Моды в Москве, 1997), "Русский модерн" - весна/лето- 98" (Неделя
Высокой Моды в Париже, в Москве - на праздновании 10-летия Дома
в ГКЦЗ "Россия", 1998), "Анна Каренина" - осень/зима-98-99" (Недели Высокой Моды в Париже и Москве, 1998), "Конец века" (Недели
Высокой Моды в Париже и Москве, 1999), "Покажи мне любовь" осень/зима-1999-2000" (Неделя Высокой Моды в Париже, 1999).
К 1997 году у Дома Моды Юдашкина появились дополнительные технологические возможности, накопилось так много идей,
что возникла необходимость их воплощения в готовой одежде. В 1997 году в центре Москвы открыли торговый дом Валентина Юдашкина. К открытию подготовили особую коллекцию "Pret-a-porter 77
осень/зима 97-98". В коллекцию были включены мужская и женская линии, платки, галстуки, сумки,
обувь. Новый виток в развитии дома начался с запуска в производство "джинсовой" линии. Презентация 250 моделей коллекции с успехом прошла в Москве в ГКЦЗ "Россия". Следующим важным
шагом стало открытие в Москве бутика Валентина Юдашкина, в котором можно было купить готовую одежду, обувь, аксессуары самого высокого качества для мужчин и женщин.
С тех пор к каждому сезону Дом
Юдашкина представляет новую коллекцию готовой одежды: в 1997 году "pret-a-porter- весна/лето-98" (дефиле в
Доме Моды "Валентин Юдашкин"); в
1998 году - "pret-a-porter- осень/зима98-99" и "pret-a-porter- весна/лето-99"; в
1999 году - "pret-a-porter- осень/зима2000-2001" (дефиле на Неделе Готовой
Одежды в Милане, Италия); в 2000 году - "pret-a-porter- осень/зима 20002001" (дефиле на Неделе Готовой
Одежды в Париже). В 2000 году открылся бутик Дома Юдашкина в Париже.
Рост Дома "Valentin Yudashkin",
ставшая привлекательной марка дома на мировом рынке не могли остаться не замеченными. Французская Палата высокой моды и готовой одежды, членом которой являлся Валентин, стала оказывать
на Дом Юдашкина давление. В частности, в качестве платы за помощь в организации показов коллекций Haute Couture в Париже Палата стала требовать от российского кутюрье открытия во Франции мастерской по изготовлению одежды Haute Couture. Для Валентина это означало, в лучшем случае, жизнь на две страны, а для Дома Юдашкина, - дополнительные расходы, если не превращение во
"французский". Валентин предпочел остаться в России. По мнению кутюрье, Дом Юдашкина уже
достаточно крепко стоял на ногах. В 2000 году российский модельер пошел на беспрецендентный в
мире моды шаг: отказался от услуг Парижской Палаты и дважды провел показы Haute Couture в Париже вне графиков Палаты... Этот смелый шаг не только не уменьшил интереса к дизайнеру и его
коллекциям, его примеру последовали и такие дизайнеры, как Мюглер. Валентин снова выиграл...
В октябре 2000 года Юдашкин отказался от участия в показах Парижской Недели pret-a-porter
и провел показ своей новой коллекции"pret-a-porter-весна/лето 2001" в Москве в Государственном
Историческом музее. В 2000-2001 годах прошли показы коллекций дизайнера Haute Couture: "Импрессионисты" (дефиле в рамках Недель Высокой Моды в Париже и Москве, 2000), "Византия" (дефиле в резиденции российского посла в честь 10-летия присутствия коллекций Юдашкина в столице
Франции и дефиле коллекции дизайнера как гостя Недели Высокой Моды в Москве, 2000), "2000 и
одна ночь" (дефиле в рамках Недели Высокой Моды в Москве, 2001), "Птицы" (дефиле в рамках Недели Высокой Моды в Москве, ноябрь 2001). Дизайнер представил и коллекции повседневной женской одежды. В рамках Недели Моды в Нью-Йорке прошел показ коллекции
"pret-a-porter - осень/зима-2001-2002". В сентябре 2001 года в павильоне Брайант Парк, Студио Нью-Йорка на открытии Недели Моды "7th on Sixth" состоялась презентация новой коллекции "pret-a-porter - весна/лето-2002". Главным
сюрпризом показа стала дебютная коллекция солнцезащитных очков Дома
"Валентин Юдашкин". Дефиле было организовано усилиями интернациональной команды при участии американских парикмахеров, визажистов, моделей,
декораторов. На следующий день после шоу телеканал "CNN" посвятил 20
минут эфирного времени творчеству Валентина Юдашкина, а на каналах
"Metro Channel", "NY1" и "ABC" появились первые репортажи о состоявшемся
дефиле.
В 2001 году Дом моды "Nijole" предложил Валентину Юдашкину выступить впервые в качестве приглашенного дизайнера Дома. Отличие этой работы от всего, что делал
кутюрье прежде, делало этот творческий эксперимент особенно для него интересным. Впервые
Юдашкину предстояло работать с необыкновенно "живым" материалом - мехом. Дизайнер принял
78
предложение, и уже в октябре созданная Валентином Юдашкиным новая коллекция мехов "Nijole"
была с успехом продемонстрирована в Московском "Яре", а позже - на Неделе Высокой Моды в
Москве. Решение моделей коллекции в стиле "pret-a-porte de lux" с оттенком "Нaute Couture" расширило рамки привычного взгляда на меховую моду и прибавило к очарованию меховых фактур практичность в обращении и выверенный силуэт. Коллекция объединила новые образы - результат отражения смелых фантазий дизайнера в зеркале принципиально новых технологий обработки меха.
Со времени первого зарубежного показа в Посольстве России в Париже многое изменилось. За
10 лет своего существования под непосредственным руководством Валентина Юдашкина фирма
"Valentin Yudashkin" превратилась из небольшой мастерской в настоящий Дом Моды со всеми необходимыми составляющими. За годы деятельности Домом было создано 18 коллекций Haute Couture и
10 коллекций pret-a-porte, показы которых ежегодно проводятся Домом Юдашкина не только в Париже и Москве, но и в других городах Европы, Азии, Америки, в том числе Италии, Китая. Сегодня
Дом моды "Валентин Юдашкин" включен в жесткий ритм работы в мире готовой одежды. Он полностью "одевает" мужчин и женщин от 46-го до 56-го размера, производит всевозможные аксессуары и
обувь. Одежда марки "Валентин Юдашкин" с успехов продается не только в Москве, но и в Милане,
Париже, Нью-Йорке.
Знаменательным для мастера и Дома на пороге нового тысячелетия стал выпуск в 1999 году
парфюма "Valentin Yudashkin" - совместного проекта с французской парфюмерной компанией
"Parour". Духи уже заслужили признание россиянок, француженок, американок и японок. Начало нового тысячелетия Дом Моды отметил и освоением новых для себя пространств. В 1999 году была запущена новая линия ювелирных украшений, презентация которой прошла в гостинице "Метрополь"
в Москве. В том же году в Москве был открыт салон ювелирных украшений "Valentin Yudashkin". С
2001 года Дом Моды начал производство столового фарфора и серебра. Презентация коллекции, которая проходила также в гостинице "Метрополь" в Москве, ознаменовала собой начало работы над
новой линией Дома "Home". Так, к концу 2001 года Дом Юдашкина готовит к открытию линию "царского" столового фарфора.
Дом Юдашкина активно участвует и в общественно-важных событиях жизни страны. В стенах
Дома были разработаны эскизы и сшиты костюмы для российских сборных команд: в 1993 году участников зимних Олимпийских игр в Норвегии; в 1995 году - летних Олимпийских игр в США; в
1998 году - летних Юношеских игр в Москве. Представляют нашу страну в форменной одежде "от
Юдашкина" и представители "Аэрофлота" за рубежом: с 1993 года - французское представительство
авиакомпании, с 1997 года - все остальные. С 1997 года Дом Юдашкина "одевает" и работников гостиницы "Украина" в Москве.
Перечислить всех звезд эстрады, театра, балета, кино, с которыми приходится работать Валентину просто невозможно. Среди них - Людмила Гурченко, Алла Пугачева, Филипп Киркоров,
Кристина Орбакайте, Надежда Бабкина... Шьют костюмы "от Юдашкина" и многие российские политики.
С каждым годом Дом Моды Юдашкина продолжает расти и развиваться. Работа над каждой
коллекцией или проектом начинается за два-три года вперед. В 2002 году
уже ведется работа над коллекциями 2003 и 2004 года. Каждый сезон Дом
предлагает что-нибудь новое в мире моды. Визитной карточкой дизайнера
и Дома Юдашкина стал "русский" способ вышивки бисером, поэтками и
стразами, традиции которого были возрождены и теперь развиваются в
Доме. Модели Haute Couture, как и большинство материалов, из которых
они сделаны, вышивка, аппликации, мохер, выполнены Юдашкиным вручную. Темы, которым кутюрье посвящает свои работы, - русские искусство,
литература, живопись, архитектура, балет. Каждая его коллекция несет в
себе сюжеты национальной русской истории и культуры, образы выдающихся личностей России. Запад признал существование индустрии моды в
России, неизменно связывая с ней имя Валентина Юдашкина.
Сегодня показы Валентина Юдашкина вызывают огромный интерес
и собирают клиентов и прессу со всего мира. По несколько раз в день по телевизионным "фэшн"каналам Франции, США и других стран транслируются показы коллекций российского модельера. О
Юдашкине много и часто пишут крупные западные издания. Платья Валентина Юдашкина хранятся
в различных музеях мира: музее Костюма Лувра во Франции, музее Моды в Калифорнии (США),
79
Международном музее Олимпийских игр в Лозанне, Государственном историческом музее в Москве.
Платья Юдашкина - частые участники различных выставок и экспозиций. В начале 2001 года несколько коллекционных моделей были представлены в Московском музее современного искусства
Зураба Церетели в Москве. В марте 2001 года в музее Дома Моды "Valentin Yudashkin" рядом с постоянной экспозицией лучших платьев кутюрье прошла выставка фарфора и серебра "от Юдашкина".
Валентин Юдашкин - лауреат Национальной российской премии "Овация", премии "Образ года", премии "Золотой Манекен" Недели Высокой Моды в Москве - за лучшие коллекции Haute
Couture (1997 г.). За пропаганду российской моды в мире удостоен звания "Мастера" и награды "Шапочка Мастера" на фестивале "Мастер-класс" в Санкт-Петербурге. В ноябре 2001 года Валентин
Юдашкин был удостоен премии "Бизнес Олимп" в номинации "Искусство и бизнес".
Валентин Юдашкин - "Заслуженный деятель искусств Российской Федерации", действительный член Академии социальных наук, почетный академик Российской академии художеств, членкорреспондент самой престижной организации в мире моды - Парижского синдиката высокой моды
и готовой одежды, член Французской палаты моды. С ноября 2001 года Валентин Юдашкин является
членом Совета по культуре и искусству, возглавляемого Президентом Российской Федерации Владимиром Владимировичем Путиным.
Дом Моды Валентина Юдашкина - член Российской ассоциации высокой моды (1994), член
Парижского синдиката моды (1996).
Валентин Юдашкин не боится меняться, любит экспериментировать. Всегда стремится быть в
форме. Его жизненное кредо - дарить людям радость и надежду. Надеется, что в России когда-нибудь
возродиться легкая и текстильная промышленность: тогда можно будет производить материалы для
своего Дома на Родине. Вместе с тем считает, что пора появиться и тем, кто пойдет вслед за ним.
Очень хочет, чтобы им было уже намного легче.
Самый интересный в создании коллекции момент, по мнению Валентина, - начальный. Поэтому, как только он заканчивает работу над одной коллекцией, сразу приступает к следующей. Рисует обычно дома, без перерывов, от рассвета до заката. Очень любит свою семью, но на первом месте - работа. Огорчает лишь то, что на общение с дочкой остается мало времени. Обязательно к каждому Новому году шьет ей новое платье. Мечтает и сам как-нибудь надеть свой "особый костюм". На
каждый показ возит его с собой, чтобы надеть на финальный
выход на подиум. Пока, правда, еще ни разу не удавалось. За
кулисами - настолько занят, что на сцену приходится выскакивать как есть.
Несмотря на то, что как-то получил награду "Светский
лев", светских вечеров Валентин не любит, появляется только у
друзей в самые важные моменты их жизни. Отдыхать предпочитает в "цивилизованных" местах, где присутствует атмосфера
уюта и спокойствия и хорошая кухня. В этом смысле Валентина
потрясла Америка. Хотя жить и творить любит именно в России, где есть друзья, семья, особые отношения, особый склад
души.
Чапурин Игорь (1968)
История русского Дома моды CHAPURIN COUTURE начинается с победы Игоря Чапурина на конкурсе молодых дизайнеров в Париже, организованном фирмой "Nina Ricci".
В 1993 году, в Москве, Игорь Чапурин создает вечерние костюмы для
российских участниц международных конкурсов красоты "Мисс Европа",
"Мисс Мира", "Мисс Вселенная".
Первая авторская коллекция haute couture была представлена дизайнером в 1995 году в Красном зале отеля "Метрополь" под ностальгическим
названием "To Russia with love".
В 1996 году Игорь Чапурин становится кандидатом в члены Ассоциации Высокой моды России и представляет коллекцию "Chapurin - 97", которая приносит ему всеобщее признание.
80
C 1996 по 1998 годы Игорь Чапурин по личному приглашению княгини Ирэн Голицыной разрабатывает дизайн первой линии итальянского Дома моды "Galitzine". Этот период жизни явился, по
собственному признанию модельера, поворотным в его творчестве, в установлении широких европейских контактов и получении международного признания.
1998-й год становится кульминационным для модельера. Коллекция Chapurin - 99" получает
высшую награду Российской Ассоциации Высокой моды - "Золотой манекен". Дизайнер становится
членом Ассоциации. Ему присуждается премия журнала Harper's Bazaar - "Стиль - 98". В том же году
Игорь Чапурин представляет русскую моду в Париже на "Европейском балу".
1999 и 2000-й годы проходят под знаком международных показов в Швейцарии и Германии. К
списку наград присоединяется национальная премия "Овация". Модельер впервые приобщается к таинству русского классического театра. Он разрабатывает костюмы для постановки Олега Меньшикова "Горе от ума". Помимо костюмов к спектаклям с 1999 года Игорь Чапурин разрабатывает ювелирные украшения совместно с ювелирной компанией "Vasily Konovalenko Art".
2001-й год отмечен напряженной работой над тремя театральными постановками:"Кухня"
Олега Меньшикова, "Маленький принц", "Прощай, Марлен, Здравствуй".
В сентябре 2002 года на торжественной церемонии открытия "Дней Швейцарии в России" в
финале галла-показа коллекций ведущих российских дизайнеров Игорь Чапурин представил восемь
платьев, выполненных в красно-белой гамме в тон швейцарскому флагу.
Коллекция haute couture 2003 Игоря Чапурина, представленная в рамках Недели Высокой Моды в Москве, была отмечена высшей наградой Российской Ассоциации Высокой Моды - Золотым
Манекеном, присуждаемым экспертным советом Недели, в состав которого входят главные редактора таких журналов, как VOGUE, ELLE, HARPER'S BAZAAR, OFFICIEL, COSMOPOLITAN, MARIE
CLAIRE.
2003 год дизайнер начинает с работы над костюмами и декорациями к балету "Мадам Лионели", премьера которого состоялась 7 мая в Альберт-Холле в Лондоне. Параллельно Игорь Чапурин
создает театральные костюмы для сценической постановки Кирилла Серебренникова - "Демон" с
Олегом Меньшиковым в главной роли.
11 апреля 2003 года в Милане Игорь Чапурин представил новый
крупный проект в области дизайна мебели и домашней среды - CHAPURINCASA. Российская
презентация линии мебели, света и паркета
CHAPURINCASA состоялась 14 октября 2003
года.
В июне 2004 года совместно с компанией
Swarovski Игорь Чапурин создал костюмы для
российских чемпионок по художественной гимнастике - Алины Кабаевой и Ирины Чащиной.
Костюмы были разработаны специально для
Олимпийских игр 2004 в Афинах.
В июле 2004 года открылся городской кафе-бар ВЕСНА на Новом
Арбате - новый проект знаменитого ресторатора Аркадия Новикова. Весь
дизайн интерьера и светового оформления двухэтажного пространства кафе разработан Игорем Чапуриным в стиле линии мебели и света CHAPURINCASA.
Помимо ежегодно представляемых сезонных коллекций pret-a-porter и haute couture, в 2005 году компания CHAPURIN представила новую линиию - коллекцию CHAPURIN CHILD
2 октября 2005 г. Дом моды CHAPURIN стала первым российским fashion-брендом, показавшим свою коллекцию в рамках официального расписания парижской Недели pret-a-porter. Коллекция, впервые показанная в столице моды, была пронизана балетной атмосферой и поведала гостям
историю одного дня балерины: от утреннего класса до появления ее на сцене. Показ состоялся в стенах Зала Gaveau – самого знаменитого балетного репетиционного зала Парижа.
В начале декабря 2005 г. компания представила абсолютно новый проект для российской
fashion-индустрии - линию горнолыжной одежды CHAPURINRG. При разработке этой коллекции
компанией были учтены все самые модные тенденции и высокие технологические требования,
предъявляемые ко всем элементам горнолыжной одежды.
81
6 апреля 2006 г. состоялось официальное открытие штаб-квартиры компании CHAPURIN, на
трех этажах которой расположились офис, производственные и конструкторские цеха, дизайн-бюро
мебельной линии СHAPURINCASA.
Интерьер бутика, разместившегося здесь же, представляет собой уникальный визуальный
концепт, где зеркала, платиновое стекло, стены цвета "горький шоколад", являют собой очень тонкое
и органичное сочетание. Дополняют оформление бутика три шоу – рума: pret-a-porter, haute couture и
CHAPURINMAN. Сентябрь 2005 года был ознаменован присуждением Игорю Чапурину премии российского издания журнала GQ "Человек года 2005".
В том же году Большой театр удостоил Чапурина права в качестве первого российского
fashion-дизайнера создать сценическое оформление и костюмы к своим балетным спектаклям.
Результатом этого плодотворного сотрудничества стали балет "Игра в карты" на музыку Стравинского и восстановленный балет Леонида Мясина "Предзнаменование" на музыку Чайковского. В
августе 2006 в рамках мирового турне Большого состоялись два представления балета "Игра в карты"
на сцене театра "Ковент Гарден" в Лондоне.
В 2006 укрепилось присутствие бренда CHAPURIN в Европе. Стали традиционными Парижские показы pret-a-porter: два очередных показа осень-зима 2006-2007 и весна-лето 2007 прошли в
легендарном зале “L’Imperiale” отеля "Вестин" и в зале Soufflot в Лувре.
Дом моды CHAPURIN продолжил в 2006 году и
свою традицию показов haute couture. В первый день декабря CHAPURIN представил в Москве очередную коллекцию Haute Couture 2007.
К началу горнолыжного сезона 2006 г. Дом
CHAPURIN подарил любителям активного зимнего отдыха вторую коллекцию своей новой линии горнолыжной одежды CHAPURINRG. На этот раз коллекция была
выпущена в классе haute couture ограниченным количеством из 20 комплектов, каждый из которых расшит
двумя тысячами кристаллов Swarovski.
Кира Пластинина (1992)
Дебют молодого дизайнера Киры Пластининой состоялся 14 марта 2007 года в день официального открытия марки Kira Plastinina. В рамках этого события был организован показ, и тогда же в ТРЦ «Европейский» открылась первая студия стиля Kira Plastinina.
В октябре прошлого года Пластинина представила на Неделе Моды в Москве коллекцию Весна–лето 2008, которая впоследствии была
показана на Неделе высокой моды Alta Roma Alta Moda в Риме.
Новая осенне-зимняя коллекция Киры Пластининой, носящая лаконичное и емкое название LOVE, также была представлена на Неделе
Моды в Москве. Яркое fashion-show продемонстрировало художественную эволюцию и новое направление в творчестве молодого дизайнера.
Модели Kira Plastinina можно приобрести более чем в сорока студиях стиля по всей России, а также в Казахстане и в Украине. Важным
шагом стало открытие первой студии стиля Kira Plastinina в Нью-Йорке
2 мая 2008 года.
Весна 2007 – Кира Пластинина становится официальным дизайнером грандиозного проекта Первого канала «Фабрика Звезд-7». В течение четырех месяцев, пока длился проект, Кира создавала стиль и образы участниц проекта для отчетных концертов.
Октябрь 2007 – показ коллекции Kira Plastinina сезона весна-лето 2008 на Неделе Моды в
Москве. Специально для присутствия в качестве гостя на данном показе в Москву приехала светская
львица №1 в мире Пэрис Хилтон.
82
Маша Цигаль (1980)
Маша Цигаль пришла в моду не из советских ателье, А из реальной
арт-жизни. И многое, действительно, многое в российской fashionиндустрии она сделала впервые.
Шутка ли, но она первая вывела на подиум поп-звезду, а потом пригласила ди-джея для создания звукового оформления показа.
Цвета, прочно ассоциировавшиеся до тех пор только с младенчеством - и голубой, - обретают, благодаря Маше, новую жизнь.
Альберт, принц Монако, начинает проявлять интерес к спортивным
костюмам.
Лондонский College of Fashion дает Цигаль огромный кругозор, видение мира моды вне каких-то рамок, помогает обрести свой неповторимый, индивидуальный стиль и надежно закрепить за собой звание одного
из самых известных и востребованных дизайнеров России.
Основные этапы творческого пути:
2005 год – разработка эксклюзивного декора для ведущего российского поставщика яхт - компании CONCEPT MARINE. Лодка Atlantis 55, дизайн трех спален, созданный Машей Цигаль, получает титул "Дизайн года".
2005 год – презентация коллекции «А» (осень-зима 2005/2006)
в рамках Russian Fashion Week.
2004 год – разработка дизайна банки 0,33 л. для компании Coca
Cola.
2004 год – презентация коллекции «ORB» (весна-лето 2005) на
Неделе Моды в Москве.
2004 год - изготовление дизайна маек для рекламной кампании
пивного бренда Miller.
2004 год – подписание контракта на участие в рекламной кампании SAMSUNG сроком на год.
2004 год – участие в совместном проекте журнала "Меню Удовольствий" и клуба "Зима" "Ёлка от дизайнера".
2004 год – участие в проекте "Красные Платья" для журнала
l'Officiel.
2004 год – участие в выставке "Эльфы и другие жители земли
и воздуха " в ЦДХ.
2004 год – презентация коллекции "О2" (осень - зима 2004/5) в рамках Russian Fashion Week.
Коллекция закуплена магазинами «Подиум», «Ё-life», «Ангел», «Богнер».
2004 год - Whitney Houston приобретает 5 костюмов Masha Tsigal, в одном из которых поет
сольный концерт в Кремле.
2004 год – Маша Цигаль возглавляет список лучших дизайнеров журнала "Лица Года. Кумиры
России".
2003-2004 гг. – создание сценических костюмов для "Тату", "Би-2", "Дискотека Авария", Кати
Лель, Децла, Димы Билана, Авроры, Тани Геворкян.
2003 год – создание торговой марки Masha Tsigal design international.
2003 год – презентация коллекции "5 STARS" (весна - лето 2004) в рамках Russian Fashion
Week.
2003 год - рекламная акция для бренда Rexona Crystal.
2003 год – создание костюмов для спектакля "SIRANO", режиссер Виктор Шамиров.
2003 год - презентация коллекции "XXX" (осень-зима 2003/2004)в рамках Russian Fashion
Week.
2002 год – презентация коллекции FOREVER LOVE (осень - зима 2002/3) в рамках Russian
Fashion Week.
2001-2003 гг. – Маша Цигаль числится в списке лучших дизайнеров журнала "Лица Года. Кумиры России".
83
2001 год - вступление в союз художников РФ.
2001 год - создание костюмов для спектакля "Последний Дон Жуан", режиссер М.Горевой
2001 год – создание коллекции "Mania Цигаль".
2000 год – презентация коллекции "BLOODY MARY"sponsored by Smirnoff vodka (London) на
Alternative London Fashion Week.
1999-2000 гг. - freelance styling для журнала l'OFFICIEL (Москва) и PURE (London).
1999 год - участие в рекламной кампании клуба "Ministry Of Sound" (London). Работа с дизайнером Zandra Rhodes (London).
1998-2000 гг. - учеба в London College of Fashion по специальности fashion marketing.
1998 год – получение Queen's Grant на обучение в Великобритании от British Council.
1998 год - создание коллекции "ЭКСГИБИЦИОНИСТЫ".
1997 год - создание коллекции "ФАВОРИТЫ ЛУНЫ".
1996 год – создание коллекции "Plase Tsigal".
1995 год - создание коллекции "ЛАПЛАНДИЯ".
1995 год – создание коллекции "БУДЕМ КАК СОЛНЦЕ!". Приз на Ассамблее неукрощенной
моды в Риге от Paco Rabanne.
Султанна Французова
Султанна Французова начала интересоваться моделированием, будучи
совсем маленькой девочкой. Дети мечтали быть космонавтами или врачами, а
потом становились бухгалтерами и экономистами. Султанна же точно знала,
что всю жизнь будет заниматься тканями и дизайном одежды. Она выучилась
в Лаборатории моды Славы Зайцева и получила несколько грантов - ее талант
и свежие идеи четко выделялись на конъюнктурном фоне. Французова стала
лауреатом конкурса молодых дизайнеров им. Надежды Ламановой, а также
получила возможность обучаться швейному искусству в Милане. Надо сказать, что подобные почести ее не особенно привлекали - творческий взгляд
дизайнера уже был сформирован, образов был целый рой. Нужны были только деньги для воплощения дерзких и интуитивно верных планов.
2004-м году появилась марка Sultanna Frantsuzova, которой еще только
предстояло стать известным брендом. Этап становления оказался феноменально коротким. За какойто год дизайнер, ни много, ни мало, добралась до уровня крайней популярности и узнаваемости.
Султанна быстро поняла, что работать в России будет сложно. Здесь были не развиты не только традиции дизайна, но и области, предоставляющие материалы для работы художника. Появилась гениальная идея - перенести производство в Китай. Поднебесная, переживающая экономический бум,
производит самые красивые ткани, разнообразную фурнитуру, а рабочая сила там очень дешева.
Султанна получила возможность разыскивать умопомрачительный шелк, нежный и качественный
бархат и другие женственные ткани, ставшие отличительной чертой ее одежды.
В Москве открылись первые магазины Sultanna Frantsuzova. Султанна не собиралась шить одно платье в год и продавать его по баснословной цене какой-нибудь сомнительной столичной диве.
Была сделана ставка на массовость и приемлемые цены, что позволяло очень часто обновлять коллекции. Именно это и нужно было Султанне, которую без преувеличения можно назвать истовым
трудоголиком. Ну а еще Султанна ставила перед собой цель радовать и делать красивыми как можно
больше российских девушек. Ведь в России так сложно купить именно то, о чем ты мечтаешь и не
отдать при этом всю свою зарплату. Султанна Французова стала первым дизайнером, принесшим европейский стиль downshifting в нашу страну. Причем, в творческих вопросах Султанна остается
только самой собой - ее романтичная одежда выглядит уникально и узнаваемо, трепетно и стильно, а
цифры на ценниках поражают своей гуманностью. И это коммерческая победа. Число магазинов в
Москве возросло неимоверно. Теперь они появляются и в других городах России. Cейчас их уже восемь в столице и около десятка открывается в регионах в начале весны. Наконец, обороты компании
выросли настолько, что выгоднее будет производить одежду в нашей стране. Для этого Султанна и ее
команда выкупили пустующее здание льнопрядильной фабрики в Весьегонске. В закованном сном
упадка городишке Тверской губернии создаются новые рабочие места, проводится социальная программа, и через какое-то время будет налажено производство.
84
В 2005 году Султанна Французова стала женщиной-дизайнером года, по мнению журнала
Glamour. Голосование проводила миллионная аудитория журнала, и в объективности оценки не приходится сомневаться, ведь ее дали сами покупательницы. Султанна стала настоящей звездой и одним
из очень немногих достойных представителей новейшей истории дизайна в России. Впереди у нее
множество планов и бизнес-проектов, которые будет воплощать в жизнь ее талантливая команда. Вокруг Султанны собрались активные и целеустремленные профессионалы-практики, поэтому главным
в ее жизни остается творчество - создание самой модной одежды с индивидуальным шармом.
Официальный сайт: www.sofrench.ru
Александр Терехов (1980)
Российский дизайнер одежды. Родился в 1980 году в городе Вязники (Владимирская область, Российская Федерация). По
версии интернет-портала style.com, который принадлежит американскому издательскому дому “CondeNast”, Терехов входит в десятку новых дизайнеров, за которыми стоит начать пристальное
наблюдение.
Одежду от Терехова с
удовольствием носят звезды
отечественного и зарубежного
шоубизнеса: Ксения Собчак, Рената Литвинова, Ульяна Сергиенко,
Светлана Бондарчук, Анджелина Джоли и многие другие.
1980 год – в городе Вязники Владимирской области (Россия) родился Александр Терехов.
 1997-2001 гг – Александр получил профессиональное образование в Институте Моды и дизайна по специальности «дизайн костюма».
 1999 год – стажировался в Париже в Доме моды Yves Saint
Laurent.
 2004 год – Александр Терехов создал собственный бренд Atelier
Moscow.
 2006-07 гг – являлся постоянным участником Недель высокой
моды в Нью-Йорке.
Александр Терехов с детства он любил шить одежду для кукол, двоюродных сестер и мамы, для
которой будущий дизайнер создал первое в своей жизни платье. Окончив художественную школу,
Александр решил получить образование по специальности «дизайн костюма» в Институте моды и
дизайна, который успешно окончил в 2001 году.
В 1999 году, еще во время учебы, Терехов занял второе место на конкурсе «Русский силуэт» со
своей коллекцией «Сумерки» и был направлен на
стажировку в Дом моды Yves Saint Laurent. В Париже
в течение нескольких недель ему показывали весь
процесс создания вещи – от эскиза до завершенной
модели.
Поработав
ассистентом стилиста довольно
долго, Александр представил свою коллекцию «Elf’s
corporation» в рамках Russian Fashion Week. Сейчас
Терехов с улыбкой вспоминает о коротких пышных
юбках, ярких цветах и стразах того времени. Затем
дизайнер провел свой второй показ на Olimpus
Fashion Week в Нью-Йорке и открыл первый бутик в Лос-Анджелесе, куда
отправился за вдохновением. Терехов с гордостью демонстрирует коллекцию винтажных платьев, найденных в секонд-хендах на Западном побережье,
где одеваются звезды Голливуда и где можно обнаружить настоящие арте85
факты моды.
В 2002 году Александр Терехов создал серию костюмов для цикла концертов «Трилогия» певицы Алсу. Впоследствии модельер занимался костюмами для групп «Reflex» и «Сливки». В 2003 году он
провел персональную выставку своих
эскизов.
Вскоре Александр Терехов решает создать свой собственный лейбл, и в 2004 году была основана марка женской
одежды и аксессуаров TEREXOV
(Atelier Moscow). За
время своего существования бренд
TEREXOV
(Atelier
Moscow) совершил настоящий прорыв.
Он стал постоянным
участником Недель моды в Москве,
представлял
свои
коллекции
на подиумах Нью-Йорка
(2006-2009 гг), сумел
заинтересовать модную прессу. У марки
появились поклонницы среди первых светских модниц, редакторов глянцевых журналов и актрис.
Среди
известных
клиенток TEREXOV (Atelier
Moscow) – Рената Литвинова, Ксения Собчак, Светлана
Бондарчук, Мария Миронова, Оксана Фандера, Надежда Михалкова и многие другие. Среди зарубежных почитательниц бренда стоит
отметить Петрину Хашогги
и Анджелину Джоли, которые не раз появлялись на
различных мероприятиях в
платьях, созданных Александром Тереховым.
Платья по праву считаются настоящей “фишкой” дизайнера. Александр считает их основой
гардероба – повседневные, вечерние, коктейльные и прочие – по одному на каждый случай. Впрочем,
не меньшего внимания заслуживают сопутствующие им блузы, пальто, кардиганы, а также комбинезоны, юбки и брюки. Дизайнер часто использует шелк и ткани с принтом, и в то же время все его
коллекции достаточно лаконичны.
“Мы готовим платье для новой коллекции и уже переделали девять макетов. Вчера я провел
примерку и решил сделать десятый!, - комментирует дизайнер.
Награды и достижения
 1999 год – второе место за коллекцию «Сумерки» на Первом Всероссийском конкурсе «Русский
силуэт», посвященном 200-летию со дня рождения А.С. Пушкина.
 2003 год – Александр Терехов участвовал в выставке иллюстраторов моды в галерее «Ткани и
технологии». Также в ней принимали участие Слава Зайцев, Андрей Шаров, Егор Зайцев, Виктория Андриянова, Ольга Солдатова, Владимир Зубец.
 2005 год – платья из коллекции бренда Atelier Moscow «Весна-лето» использовались на канале
МУЗ-ТВ (Премия МУЗ-ТВ, конкурс молодых исполнителей популярной музыки «Новая волна»,
межпрограммные ролики).
Официальный сайт: www.alexanderterekhov.com
Источники:
1. Энциклопедия
моды,
[Электронный
ресурс],
http://www.retromoda.ru/couturiers/paul-poiret.html, свободный
86
режим
доступа
-
2. Исторяи моды, стили одежды, Реторо, [Электронный ресурс], режим доступа http://wiki.wildberries.ru/, свободный
3. Люди, [Электронный ресурс], режим доступа - http://www.peoples.ru
©Автор: Сеченова Наталия Владимировна,
преподаватель спецдисциплин швейного профиля
87